Anteriormente ya les hemos hablado aquí del equipo de directores visuales Jonas & François, aquellos que hicieron el famosísimo video de D.A.N.C.E. de Justice, el video de Good Life de Kanye West o a ultimas el video de 4 minutes el single de Madonna.

Esta vez los chicos de Jonas & François colaboraron con una banda que a escala no es tan famosa como los anteriores artistas para los cuales habían trabajado, pero el trabajo visual que realizaron para la rola de Better Than Prince de la banda francesa Flairs es por demás estupendo.

Basto un poco de animación hecha a mano estilo monocromático, cerca de 3000 hojas de papel y mucha creatividad para crear semejante pieza. Yo ya soy fan.

Kaki King es una guitarrista de Georgia, Estados Unidos, que ha logrado hacerse no sólo de muchísimos fans sino también de buena fama en el terreno de la música independiente por su estilo de tocar la guitarra (tapping), el cual, sin ser un invento reciente ni mucho menos, tampoco es un estilo muy común en estos días de creación musical tipo instant coffee.

Apenas estoy conociendo a esta chica, y la verdad es que su propuesta me parece interesante, pues la suya es música con un estilo diferente y original, además de que no se estanca en técnicas, sonidos o géneros incluso. Habiendo comenzado con piezas esencialmente instrumentales con guitarra acústica, Kaki ha comenzado a hacerse acompañar por otros instrumentos y hasta por su voz, cosa que—al menos a mi modo de ver—habla de una artista con mucho potencial que desea explotar todos los recursos que tenga a la mano.

En su MySpace se puede escuchar una buena parte de su último disco, …Until We Felt Red del 2006, bastante recomendable, sobre todo para estos días de frío otoñal: suave, cálido, agridulce, muy atmosférico. Obviamente, la guitarra ocupa el lugar principal, pero también hay por ahí algunos loops (por ejemplo, en la genial “Gay Sons Of Lesbian Mothers”, en donde la guitarra se toca en posición horizontal, como un teclado) y la voz de Kaki, casi como un susurro, se deja escuchar en varios tracks (“Jessica”, “Yellowcake”).

Los dejo con el video de “Playing With Pink Noise”, tema incluido en su segundo disco, Legs To Make Us Longer (2004), en donde se puede apreciar bastante bien su talento, afán de experimentación y dominio de la guitarra:

Recomendación: la música de esta mujer suena mejor con audífonos…

Una propuesta para aquellos buscando algo distinto, hace unos días me recomendaron a Milhaven, un cuarteto aleman que hace experimentaciones instrumentales que navegan por el post-rock. Tienen los elementos atmosféricos que uno podría esperar, así como grabaciones ambientales, sampleos y muchas guitarras generando un viaje hipnótico lleno de detalles.

En su show más reciente (al momento de escribir esto) le abrieron a Boris, una igual recomendable banda japonesa de drone. Para hacer más accesible el trip, ellos son de las ya bastantes bandas que comparten toda su música, como parte del netlabel 12Rec, quienes se encargan de distribuirla en internet bajo una licencia de Creative Commons.

Discografía de Milhaven:
Bars Closing Down (2005)
I.M. Wagner EP (2006)

Si buscas nueva música que descargar libremente, revisa esta y otras propuestas del catálogo de 12Rec.

Los Llamarada son una banda de Monterrey, Nuevo León que pertenece a la verdadera escena independiente mexicana. Han estado haciendo un noise rock extremadamente ácido de corte punk, y éste año aparece su LP debut titulado The Exploding Now, disco que editaron en vinyl bajo el sello SS Records, con un sonido muy low-fi.

He tenido la oportunidad de escuchar bien éste debut y es difícil describir el viaje alucinógeno que se experimenta mediante sus sonidos crudos. Afortunadamente Los Llamarada lo presentaron en el festival South by Southwest en su edición 2007 y hay un video de “Nobody Calls Me” al alcance y vista de todos:

La estética y los pasajes de ruido obscuro nos muestran una faceta interesante del rock independiente mexicano y una propuesta que quizá no se ha visto aún en muchos escenarios pero que ya irradía personalidad en una escena nueva. Incendiaria.

MySpace: myspace.com/losllamarada

Bocafloja es un artista del hip-hop que proviene del underground mexicano, haciendo discos con beats low-fi desde hace ya varios años, recientemente empieza a recibir muy buena respuesta por parte de los medios especializados. Su música es una mezcla de fina y aguda crítica social con ritmos no convencionales, sonidos del mundo. Ha llegado a emplear bases de jazz, reggae y bossanova; impulsando por lo general temas de reflexión y consciencia, siendo esto un fuerte contraste a la absoluta mayoría del patético hip-hop que domina corriente principal.

Actualmente promociona el primer sencillo, “Autónomo”, de su más reciente álbum El Manual de la Otredad (2007). Para los que estén interesados en esta excelente propuesta, aquí está el video de “Tiempo”, que pertenece a su anterior A Título Personal (2005). Un genio a nivel discursivo y uno de los exponentes más interesantes que ha dado el rap de la Ciudad de México:

MySpace: myspace.com/bocafloja

Los brasileños de Bonde Do Role tienen una fórmula que considero podría ser infalible para triunfar: la sensualidad y alegría de los ritmos brasileiros y suficiente pericia y talento para combinarlos con beats electrónicos y guitarras locas. Por si fuera poco, cuentan con la voz de Marina, que haciendo caso omiso de la tendencia a cantar en inglés, nos deleita con una voz lo mismo sexy que llena de energía que se divierte cantando en el bello idioma portugués.

Como complemento del lanzamiento de “Office Boy”, el primer sencillo de su álbum debut With Lasers, aquí está la canción “Bondallica”, no incluida en el álbum y que, a mi modo de ver, es incluso mejor que el sencillo a promover, con guitarras metaleras y muy buen ritmo, además de que parodia a los die hard fans del heavy metal.

Para que comparen, ambas canciones están disponibles para descargar.

MP3: “Office Boy”

MP3: “Bondallica”

Enlace: Bonde Do Role Album

Nerv es una banda de rock independiente proveniente de Monterrey (en Nuevo León, México) que crea atmósferas y paisajes. Su música es triste y melancólica y frecuentemente se desarrolla de manera caótica y emocional. Desde su formación en el 2001, han lanzado el Re-extended Demo y el EP Señor con Sanitario, ambos con excelentes críticas:

“Una banda con la visión necesaria para cambiar muchas cosas en la escena nacional” -Revista Switch

“Gran banda y una buena producción que se saborea si se desarrolla bien… va a trascender” -WARpig, Revista R&R

“Surge un grupo que podría consolidarse como un gran precursor del rock alternativo.” -Rock.com.mx

“Uno de los secretos mejor guardados de la música independiente de México… es una banda que de entrada huele a trascendencia” -Indiegente.com

Actualmente, Nerv está a punto de terminar su segundo EP The Borderline, grabado y mezclado por Alejandro Rosso (de Plastilina Mosh) en sus estudios Kim Jong Sound. Además serán la única banda mexicana que tendrá un showcase en el festival de música independiente más grande de Canadá, el North By North East en Toronto durante el verano.

Mientras tanto, hoy 11 de mayo por la noche se presentan por primera vez en la Ciudad de México, en el Piraña Bar. El inicio de una carrera que podría trascender. Pueden escuchar música de Nerv y varios adelantos de The Borderline a través de su MySpace.

Me encontré a esta banda de Filadelfia atraída por su  nombre, que al menos a mí me hizo pensar en una línea de muñecas o en un anime japonés antes que en un grupo indie de Estados Unidos.

Una vez examinado su material, creo que el nombre les queda perfecto, pues navegan por el mundo de la música con la muy digna bandera de tweepoppers; cuando iniciaron su carrera no en vano los llamaron “la banda más abrazable de Filadelfia”. Lindo, lindo.

Pero estas hadas tienen mucha magia qué mostrar, pues a pesar de su estilo dulce y popero (muy de la onda de Camera Obscura y Belle & Sebastian) también tienen su lado punketo y saben hacer ruido.

The Snow Fairies tienen tres álbumes en su discografía; el que les recomiendo es su última entrega, el muy atinadamente llamado Voilá!, una joyita del indiepop de apenas ocho canciones y menos de media hora que nos deja más que satisfechos.

Y estas hadas también resultan ser de las buenas y generosas, pues ponen a disposición de nosotros los mortales Voilá! enterito y gratis en su sitio oficial.

Y como la generosidad se pega, los dejo con una probadita de la magia de The Snow Fairies, la igualmente dulce y potente “Spleens”, cuyo bajo y riffs me recuerdan un poco a Pixies. Vaya coincidencia de creaturas…

“Spleens”

No tiene mucho que publiqué un post sobre el álbum A Century Of Covers, tributo a Belle & Sebastian. En ese mismo post les mencioné al grupo italiano Perturbazióne, quien colabora en el álbum con una fantástica reinterpretación del clásico de los escoceses, “Get Me Away From Here, I’m Dying”.

Pues bueno, los de Perturbazióne tienen más que ofrecer que ese magnífico cover. En su MySpace pueden encontrar un par de tracks de su disco debut y que también representa su salto a una disquera grande, EMI. Mi recomendación es la muy italiana baladita “Battiti Per Minuto”, que creo queda perfecta para estos días de primavera. Otra gran recomendación es echarle un ojo a la sección “Shop” de su sitio oficial, en donde además de hacerse de los discos del grupo, podrán deleitarse la pupila con un magnífico diseño gráfico.

Me gustaría decirles más sobre la banda, pero mi italiano no es muy bueno (más bien le tira a nulo), y por desgracia, toda la información disponible está en dicha lengua. Pero recordemos que la música es un idioma universal, así que dejemos que las composiciones de Perturbazióne hablen por sí mismas. Ciao!

Como hoy se celebra el infame Día del Niño (bueno, al menos en México, no sé si tal festividad exista en otros países), voy a dejarlos con un video bastante kitsch y lúdico del trío japonés eX-Girl, cuyas integrantes dicen venir del planeta Kero-Kero (ah, esos japoneses…) y cuyas presentaciones en vivo exprimen hasta la última gota de color disponible.

El video es de su versión del clásico “Pop Muzik”. A manera de consejo debo decirles que no dejen que el estilo infantil del video desvíe su atención de la calidad y energía de la música del trío. Con todo y sus excentricidades, eX-Girl es una banda bastante famosa y respetada en Japón y en otros lares (bueno, hasta el mismísimo Mike Patton es fan), ya que no sólo su propuesta visual (todo un carnaval de colores y disfraces “hechos en casa”) vale la pena: la música de eX-Girl también habla por sí misma. Navegando por una gran variedad de estilos e influencias (y quizá también a través de varios planetas y galaxias, ejem…), el toque juguetón de eX-Girl hace que lejos de tachárseles como un producto para niños sea más bien una propuesta para adultos (con un poco de sentido del humor, eso que ni qué).

Así que sin más, los dejo con eX-Girl y su “Pop Muzik”. Y felicidades a los niños y niñas (aunque nada más sea de corazón) del mundo.

Qué agradable es toparse con proyectos como el de Jason Drake, o como se le conoce en el mundo de la música, Cassettes Won’t Listen. No sólo es bueno como creador e instrumentista de sus propias piezas, sino que como remezclador es igualmente excelente.

Su discografía está integrada por un LP, The Quiet Trial, un magnífico EP, Nobody’s Moving (mag-ní-fi-co, de verdad) y más de una decena de sencillos que consisten en sus remezclas de artistas tan variados como Pavement, Liz Phair, Morcheeba y The Doors.

Su estilo al mezclar es diferente al de sus composiciones originales; yo diría que sus remixes están orientados al hip hop mientras que sus canciones le tiran más a la variedad de géneros, tales como el indiepop, el funk, la electrónica.

Si quieren darse la oportunidad de escuchar más de Cassettes Won’t Listen, les sugiero que visiten su sitio Web oficial, en donde encontrarán un player muy original, con una muy buena y decente cantidad de su material, disponible para su deleite mientras navegan por la página.

Y como es fin de semana, los dejo no con una sino con dos “muestras gratis” de Cassettes…: un track original del tío, “Cutting Balloons” y su remezcla de “Strawberries” de Asobi Seksu (con una bonita introducción de piano que le da nueva vida a la canción).

• “Cutting Balloons”

• “Strawberries” (Cassettes Won’t Listen Remix)

Amiina es un grupo de cuatro chicas islandesas que comenzaron su carrera musical profesional tocando diversos instrumentos de cuerdas para sus colegas y paisanos Sigur Rós, tanto en álbumes de estudio como durante las giras del grupo.

Finalmente en 2005 decidieron trabajar en un proyecto propio, y el resultado es el exquisito EP AnimaminA, conformado por cuatro hermosas y atmosféricas piezas instrumentales. Su primer LP, Kurr, salió a la venta el pasado mes de marzo, y como apoyo promocional, el grupo ha estado de gira por Estados Unidos y pronto volverá a Europa para ofrecer su producción en vivo.

El sonido de Amiina es muy orgánico, resultado de una balanceada mezcla entre la experimentación electrónica de Múm y la complejidad melódica y la extensión de las piezas de Sigur Rós. Sin duda la influencia de este grupo es marcada, pero eso no significa que las composiciones del cuarteto sean una copia al carbón: se trata de música con estilo propio, con un toque de femineidad y calidez que Sigur Rós, con toda su maestría, quizá no podrían alcanzar.

La especialidad del cuarteto son las cuerdas, pero ello no limita su talento y su creatividad, pues sus composiciones están plagadas de arpas, pianos digitales, melódicas, celestas… todo un cocktail experimental.

No dejen de visitar el MySpace de Amiina, en donde podrán escuchar la magnífica y melancólica ”Seoul”, pieza que puede hacer caer en un delicioso trance con olor a lluvia y hojas. Yo los dejo con los seis minutos y 29 segundos de la minimalista y la vez soberbia “Fjarskanistan”.

“Fjarskanistan”

Me topé con algunos tracks de este dúo canadiense y no quise dejar pasar la oportunidad de recomendárselos. Los de Crystal Castles (que tomaron su nombre de la morada de She-Ra, ¿se acuerdan de esa caricatura ochentera?) son oriundos de Toronto y ya gozan de fama y popularidad en los círculos independientes y underground de la escena electrónica. Hasta la fecha han publicado cinco EPs que de tan buenos, ya están agotados (a navegar por la red, pues).

Los mismísimos Klaxons son fans del dúo, tan es así que éste ya les remezcló ”Atlantis To Interzone” (y les quedó bastante bien, pues dotaron a la canción de una buena dosis de electrónica bailable y potente).

Pueden escuchar más temas en el MySpace del grupo, quien por cierto, logra inspirarse con “asesinatos, chicas con miradas vacías y cuchillos”. Ejem. Difícil imaginar cómo cosas tan densas les dan para lograr una electrónica tan brillante (en todos sentidos).

Los dejo con la remezcla de Klaxons y con “Air War”, otro gran rompepistas.

• “Atlantis To Interzone” (Crystal Castles Remix)

• “Air War”

Mark Ronson y su álbum Version están en los lugares más altos de las listas de ventas y popularidad inglesas. Y es que las reinterpretaciones de este DJ y músico de canciones de diversos artistas (desde Coldplay hasta Britney Spears, pasando por The Jam, Kasabian o Ryan Adams) son de llamar la atención, pues se trata de versiones bastante creativas y propositivas (tirándole al funk y al hip hop, bastante buenas para raspar suela) que distan mucho de ser una calca de los originales. 

Por si les interesa escuchar sus covers antes de lanzarse a comprar o descargar el álbum, pueden escuchar varias muestras del proyecto en el MySpace de Ronson. Recomendables: la versión instrumental de “God Put A Smile Upon Your Face”, “Valerie” de The Zutons a cargo de la fantabulosa Amy Winehouse y el ya clásico “Just” de Radiohead, cortesía de Alex Greenwald de Phantom Planet.

Y sin afán de causar polémica, los dejo con el video del primer sencillo de Version, “Stop Me”, original de The Smiths… Yo soy de la idea de que a la obra de The Smiths no la debe tocar nadie, pero el ”roce” de Ronson no está tan mal.

¿Qué opinan? 

Me topé por ahí con el más reciente video del grupo sueco Sahara Hotnights, uno del que siempre había escuchado hablar pero al que nunca le había hecho mucho caso… ¡hasta hoy!

Estas chicas ya tienen más de 10 años en la industria, pero a pesar de que alcanzaron reconocimiento al mismo tiempo que el mundo posó su mirada en Suecia como el nuevo hervidero de bandas (hace unos cinco años, con bandas como The Hives), no han logrado llegar al mainstream (mejor, mejor).

El estilo de Sahara Hotnights es variado, hay de todo: pop, punk, algo de garage. Para quienes gustamos de all-girl bands buenas, Sahara Hotnights es una excelente opción.

La banda está promocionando su nuevo álbum, What If Leaving Is A Loving Thing, recién salido al mercado hace unos cuantos días. El primer sencillo del disco es la pegajosa “Cheek To Cheek”, que al principio suena un poco a The Gossip, un tanto light. Conforme avanza la rola, suena a una muy buena reinvención de Blondie, con toques medio discotequeros. Queda claro por qué la canción es una de las más populares en las listas suecas de la actualidad.

Pueden ver el video de “Cheek To Cheek” aquí, y si se quedan picados, escuchar más del grupo en su MySpace.

La historia de Gotan Project se remonta a 1996, cuando los músicos parisinos Philippe Cohen Solal y Christoph H. Mueller conformaban los grupos Boys From Brazil y Stereo Action Unlimited, con los que gozaron de cierta fama en el mundillo de la electrónica y de la música para publicidad (Coca-Cola eligió un tema de Boys From Brazil para una campaña publicitaria en Europa).

Pero el dúo buscaba una carrera más consistente y firme. Y así, con la llegada de Eduardo Makaroff en 1999 y la combinación de los géneros del tango y del dub, auxiliados por todos los trucos de magia propios de la electrónica (sampleos, beats, loops), nació Gotan Project.

Las raíces del nombre se encuentran en los vesres del español rioplatense, en el cual se forman palabras nuevas “alrevesando” o intercambiando el orden de las letras de las palabras. Así, “gotan” no es sino “tango” al revés. Bueno, fin del dato lingüístico-cultural.

Gotan Project cuenta con dos placas bajo la manga, el formidable La Revancha del Tango (2001) y Lunático (2006). El que les recomiendo hoy es el primero, cuya música ha saltado de los clubes y bares europeos a series televisivas, documentales y hasta la campaña publicitaria navideña de una popular cadena inglesa de farmacias, a cargo del director David Lachapelle.

La música de Gotan Project combina toda la sensualidad y erotismo del tango argentino con la elegancia y glamour de la música electrónica parisina. La Revancha del Tango es uno de esos discos que deben escucharse de principio a fin; saltarse una canción arruinaría la experiencia pues todas las piezas encajan a la perfección en este rompecabezas sonoro creador de atmósferas y estados de ánimo. Éste es uno de esos discos que deben estar en play durante una íntima noche de copas, a la luz de las velas y con el objeto del deseo justo en frente… los de Gotan Project se encargarán de ponerlo a punto para que ustedes hagan lo demás.

“Queremos Paz”

“Last Tango In Paris”

La segunda edición del festival CulturaPOP tendrá lugar entre el jueves 19 y el domingo 22 de abril en el Auditorio Parque del Paraíso del distrito de San Blas de Madrid. La entrada es gratuita, y en él estarán presentes artistas como Cooper, Top Models, Paul Collins Beat, Airbag o Meu.

Pero uno de los platos fuertes del evento será, sin duda, la actuación de Lucky Soul, una banda británica que acaba de editar su primer álbum, The Great Unwanted (Elefant, 2007), y que está siendo alabada por gran parte de la crítica musical de su país (curiosamente no tanto por el New Musical Express, así que no tengan reservas en creerse el hype):

• “Son casi indecentemente fabulosos” (The Guardian)
  
• “Un encanto puro, sin adornos” (Metro)
  
• “Sonido pop clásico y resplandeciente” (Phil Jupitus, BBC 6 Music)
  
• “Deberían tocar en el Albert Hall acompañados por toda una orquesta” (Artrocker)
  

Lucky Soul hacen pop directo y elegante, con un inequívoco aroma a los años 60, y la espléndida voz de su vocalista, Ali Howard, es sólo una de sus grandes virtudes. Como muestra, aquí tienen el vídeo de una de sus canciones, Lips Are Unhappy:

Para muchos Belle & Sebastian es una bandita nueva y suavecita. Pero con sus siete integrantes fijos queda claro que no son una bandita, sus más de 10 años de brillante trayectoria musical y ocho álbumes les quitan el epíteto de novatos, y… bueno, sí son una banda suavecita, pues sus melodiosas composiciones, la (aparente) sencillez de los temas y las letras y la voz dulce y melancólica de mi sweetheart Stuart Murdoch son una rica melcocha perfecta para un día soleado. Pero ojo, el hecho de que le tiren a la onda twee (de la que soy fan confesa, de golpe y sin regreso) no le quita méritos, calidad o capacidad de llegar al corazón a través de los oídos (¿ven? soy una cursi).

Bueno, el caso es que no soy la única a la que esta banda de Glasgow le ha cambiado la vida de una manera o de otra. Un puñado de bandas indie de varios puntos de Europa decidió que los de Belle & Sebastian se merecían un disco tributo y les hicieron uno, A Century Of Covers, lanzado a través del sello independiente italiano Kristen’s Postcard.

La canción introductoria, Portami Via Di Qua, Sto Male es una soberbia reinterpretación en italiano del clásico Get Me Away From Here, I’m Dying por parte del grupo Perturbazione. Excelente presagio de la música indiepop que está por ofrecerse a los oídos del escucha.

Las versiones de My Wandering Days Are Over, I’m A Cuckoo y Sleep The Clock Around de The Sad Snowman, Billie The Vision & The Dancers y Mr. 60 respectivamente son otros tracks que están muy a la altura tanto de ejecución como emocional de las canciones originales. El grupo de Glasgow pasa bajo la lupa de un laboratorio sonoro y el resultado del experimento es una serie de “rolas hijas” con identidad y vida propias.

Hell On Wheels se acerca de manera ácida, groovy y experimental al perro sobre ruedas que es Dog On Wheels (quizá éste sea el tema más arriesgado del álbum). Slow Graffiti de Tokyo Overtones es otro viaje shoegazero por demás interesante, lo mismo que Photo Jenny de Mixtapes & Cellmates (una cancioncita sin mayores pretensiones se convierte en un tema que bien podría haber sido creado durante la fiebre de Madchester).

Judy And The Dream Of Horses es otra joyita del tributo: una pieza acústica acompañada por una voz masculina y privilegiada (cortesía de Tom Wilman), con la misma melancolía de Murdoch pero con un matiz diferente, que hace a Judy más tersa, más triste, quizá más visceral.

Más adelante, Lucid Evening Sky se encarga de darle vida a Fox In The Snow, animando esta balada originalmente lenta y dotando al animalillo y a la canción de una alegría escondidas. Otro par de rolas memorables son You’re Just A Baby a cargo de Against Lupa y una versión más de Get Me Away From Here, I’m Dying, ahora de Spring Sale!, quienes son los responsables de los guitarrazos y del toque rockero en este magnífico tributo a una de las mejores bandas escocesas de todos los tiempos.

A Century Of Covers está disponible para su descarga aquí. Escúchenlo y verán por qué se trata de un fantástico álbum que sin costar más que un par de clics funge como recordatorio de la genialidad de la obra de Belle & Sebastian y como aparador de exposición para las nuevas bandas indiepoperas.

Portami Via Di Qua, Sto Male - Perturbazione

My Wandering Days Are Over - The Sad Snowman

Shivaree es una banda estadounidense conformada por Danny McGough (teclados), Duke McVinnie (guitarra) y la sensacional Ambrosia Parsley (y digo que es sensacional pues es poseedora de una voz tan hermosa como peculiar).

Yo los descubrí gracias a Kill Bill Vol. 2, pues su canción Goodnight Moon es el fondo para los créditos finales del filme… y es un crimen dejar una canción tan, pero tan buena para el final (¿o será que Tarantino lo hizo a propósito como un regalito sorpresa para quienes nos quedamos en la sala del cine hasta el final y nos echamos los créditos de las pelis hasta en DVD?).

Será lo que sea, pero me hice de esta riquísima canción hace un par de días y no puedo dejar de escucharla. Mmm… se antoja como para un bailecito sensual, uno de ésos que a pesar de la carga lúbrica no deja de destilar elegancia y hasta un dejo de inocencia, todo cortesía de la vocecita sugerente y a la vez ingenua de la Parsley que lo mismo incita, hipnotiza o arrulla con glamour.

Buenas noches, los dejo con la luna concupiscente de Shivaree.

Goodnight Moon

Hace algunas semanas les presentábamos la propuesta musical de Emmon, quien como Emma Nylén forma parte del cuarteto electropop Paris, al lado de Annika Mellin, Mattias Svensson y Oskar Kvant.

Estos muchachones de Estocolmo captaron la atención de críticos y público indie en 2003; para cuando su álbum debut (Yellow Eden) salió a la venta, ya tenían un centenar de conciertos, miles de demos vendidos y a una legión de fans en sus manos. Poco a poco, Paris salió del anonimato y se convirtió en una banda indie con proyección en los medios más respetados de Suecia.

¿Con base en qué? Respuesta: melodías sencillas y que sin muchas pretensiones captan lo mejor del pop sesentero, el disco setentero, el new wave ochentero y el indiepop noventero (uy, gran cocktail de estilos musicales de cuatro décadas, ¿eh?), todo aderezado con voces femeninas a la Louise Werner de la extinta banda inglesa Sleeper. La combinación suena complicada y arriesgada, pero a Paris le sale muy bien y con asombrosa facilidad.

Su álbum más reciente, Secrets On Tape (2005), es una colección de canciones muy fáciles de escuchar y sobre todo, de bailar y tararear (lo estarán haciendo cuando menos se den cuenta). Se trata de una producción que la banda cuidó de principio a fin, desde su propio estudio de grabación.

A pesar de ser un álbum con canciones de estilos variados (Millions Of Tears es una balada con lindos arreglos de cuerdas, 60 Minutes es una pieza new wave del estilo de Bloc Party, Something Has To Be Done suena al punk de los inicios de The Cure, The Darkness Falls All Around Again es una joyita de balada onda The Cardigans), mantiene homogeneidad y establece con claridad y sin aburrir el estilo de este cuarteto sueco a lo largo de los 48 minutos de duración del disco.

Debo confesar que me resultó muy difícil seleccionar la canción que les dejo de muestra, pues todo el álbum es fantástico. Así que si les late la rola, pueden escuchar unas cuantas más en el MySpace de la banda.

60 Minutes

Me encontré por ahí un excelente sitio que ofrece descargas de álbumes completos, uno de ellos el genial y shoegazero Citrus de Asobi Seksu (propuesta de Cuchara Sónica hace un tiempecito).

Pues bien, gracias a este sitio podrán hacerse de la segunda placa del grupo estadounidense, el cual capta la atención del escucha desde la portada misma (¿es un CD o un anuncio de alguna bebida cool?).

Tooooodo el  álbum es 100% recomendable, pero algunos de los tracks que sobresalen son New Years, Thursday, Strings (así, de un jalón) y la muy bonita balada Lions And Tigers.

El Citrus de Yuki Chukidate y compañía los está esperando aquí.

(Vía nodatta.blogspot.com)

No cabe duda de que viajar es de lo más bonito que hay en la vida. Algo que me quedará grabado para siempre será ese viaje mágico-musical que hice a tierras islandesas hace ya casi tres años. Y digo que fue un viaje mágico-musical porque además de dejarme marcada con su extraña e imponente belleza, los souvenirs más significativos que traje de la isla de hielo y fuego fueron varios álbumes. Uno de ellos es el Something Wrong de Bang Gang, banda islandesa al mando del músico y multitalentoso Bradi Johansson.

La de Bang Gang es música hasta cierto punto inclasificable: hay toques de ambient logrados a través de instrumentos electrónicos y voces etéreas; hay guitarras sonoras que podrían hacerlo progresivo o grungy (según la canción); hay melodías sencillas y dulces que podrían hacerlo pop. Quizá con decir que es música indie islandesa podría clasificarla de manera más o menos acertada: está llena de gratas y hermosas sorpresas.

Something Wrong, a la venta en Islandia desde el verano del 2004, vio la luz en Estados Unidos hace apenas unos días, el pasado martes 3 de abril. El álbum es una colección de susurros en los campos de lava, de largas caminatas a la orilla de un lago en medio de la nada, de la melancolía de noches de auroras boreales, de lamentos compartidos con la nieve en un glaciar, de noches de parranda en los diminutos pero vivísimos cafés de Reykjavík…

 No tengo palabras. Así que mejor escuchen y juzguen por ustedes mismos.

It’s Alright 

Find What You Get 

Si quieren escuchar el álbum completo, pueden hacerlo aquí.

Maximilien Irregular es el proyecto de dos personas muy diferentes pero condenadas a entenderse. Ande, la parte más cerebral del grupo y compositor de todas las canciones, tenía más de cien que llevaba elaborando desde los quince años, pero no se sentía cómodo poniéndoles su voz. El azar —Ande apenas sale— hizo que conociera a Txa en un local nocturno de Madrid, y que viera en ella, que ya había colaborado haciendo performances con el grupo Les Olé, la imagen y la voz que estaba buscando. Y la parte visceral.

Aunque, según Txa, “él es el genio”, ella le ayuda a reordenar sus ideas: “A veces me parece que, como digo yo, compone al revés. Tiene una creatividad desbordante, y yo intento enfocarla hacia lo práctico, hacia lo que creo que puede funcionar mejor. Él es el eje y yo soy la dirección”. Les resulta difícil definir su sonido, pero sí tienen claro que buscan conscientemente una personalidad propia, ya que, como dice Ande: “Hay muchas bandas electrónicas ahora que utilizan constantemente las mismas muestras y sonidos, lo cual muchas veces hacen que suenen igual. Nosotros intentamos que haya algo reconocible e identificable, el ADN propio de Maximilien Irregular”. Los primeros discos que se compró fueron The Queen Is Dead de The Smiths y Substance de New Order: “De hecho, aprendí a tocar los teclados con temas como ‘The Perfect Kiss’, ‘True Faith’ o ‘Thieves Like Us’”, y confiesa haber aprendido mucho también de Depeche Mode, pero ha ido evolucionando: “Ahora me interesa ‘samplear’ sonidos orgánicos, de guitarras y bajos reales, e incorporarlos a nuestra música. Con los ‘samplers’ lo puedes hacer todo. No hay límites, y eso me gusta”.

Últimamente escuchan bandas como The Knife, CSS, Death from Above 1979 o Yeah Yeah Yeahs, aunque no creen que ello se refleje necesariamente en su música. Una música que Txa no ve especialmente digerible para el mercado español: “No hay mucha gente que haga lo que nosotros en España. Yo creo que estamos más cercanos al estilo de los países nórdicos, o incluso de Inglaterra y Alemania”. Pero Ande aclara que no les gustaría por ello verse convertidos en un “grupo de culto”: “No nos ponemos límites. Gracias a internet, y a herramientas como MySpace y YouTube, es mucho más fácil que antes difundir nuestra música. Es un arma que nos gustaría explotar”.

El próximo jueves 12 de abril debutan en directo en el Astoria (Sala Nasti) de Madrid, junto con Boys of Brazil, en un concierto en el que seguramente habrá reinterpretaciones de sus temas y versiones diferentes a las que aparecen, por ejemplo, en su MySpace. Txa asegura que “Ande es tan perfeccionista que ve el concepto de canción como algo inacabado y en constante evolución, lo cual a veces me vuelve un poco loca”. De momento, y para que se hagan una idea de como suenan, nos quedamos con una que sí está terminada, al menos de momento…

• Stay!!
  

A pesar de que la música de Looper ha sido empleada en campañas de televisión en Estados Unidos y hasta en la peli Vanilla Sky, yo no supe nada de ellos sino hasta hace unos meses, mientras visitaba el sitio Web de Jeepster Records (que ya recomendé en Cuchara Sónica hace tiempo).

El caso es que me topé con su música y de inmediato me engancharon. Y cuando leí su biografía y me enteré de que uno de los miembros fundadores de la banda fue ex-bajista de Belle & Sebastian (se trata de Stuart David), ya no había más pretextos para no estudiar su material más a fondo (cabe mencionar que aunque los orígenes musicales de Stuart se remontan a Belle & Sebastian, el estilo de éstos nada tiene que ver con Looper). ¡Y qué gusto me dio haberme dado la oportunidad!

Looper está conformado por el ya mencionado Stuart David, su esposa Karn, Ronnie Black y Scott Twynhold. La banda comenzó en 1997 con un show para la Glasgow School of Art, durante el cual Karn exhibió esculturas cinéticas, Ronnie mostró proyecciones y Stuart ambientó todo con música electrónica.

Dos años después, lanzaron su primer álbum, Up A Tree, lleno de melodías electropop sencillísimas que no dejan de tener la gracia de tornar lo ordinario en extraordinario, por ejemplo, la rola Impossible Things #2: una canción de amor (nada más común) que narra la historia de un chico y una chica que intiman y después se conocen en persona; después de siete años, cumplen su primer aniversario, luego se van de luna de miel y al final se casan (extraordinario, a que sí). Up A Tree es un álbum hasta cierto punto crudo, pues la banda desea crear rolas espontáneas, sin pulir.

Impossible Things #2

Al año siguiente lanzan The Geometrid, un segundo álbum que, sin dejar de lado el gusto de la banda por la experimentación, es mucho más logrado que su antecesor. De este proyecto se desprende Mondo ‘77, track que se coló en la banda sonora del refrito gringo del film español Abre Los Ojos. The Geometrid es sin duda mi álbum favorito de Looper, pues logra capturar la inocencia (por llamarlo de algún modo) de su debut, a la vez que la producción, letras y ejecuciones son de gran nivel. Looper va hacia el horizonte sin mirar mucho hacia atrás…

Mondo ‘77

Escuchar la música de este cuarteto escocés es como meterse a un audicuento medio groovy, pues cabe mencionar que Stuart y Karn (los encargados de las vocales) en muchas rolas más que cantar, narran las letras. Entonces es como escuchar a un cuentacuentos de historias fantásticas sacadas de la vida diaria (con un juguetón acento de Glasgow que no hace sino mejorar la experiencia), ambientadas con cajas de ritmos, sintetizadores, sonidos extraños y a veces también con instrumentos más ortodoxos.

Si les gustaron las muestras gratis ofrecidas en este post, pueden visitar Looperama.com, el sitio de la banda, en el cual pueden descargar de manera gratuita varios MP3s más. Mi favorito de los que ahí hay: Pale Blue E-Type.

Ésta es la música perfecta para estos días en que la primavera teóricamente ya llegó pero no deja verse del todo. Días tibios pero que no dejan de ser nublados. El sol se asoma, pero la lluvia también.

Ésta es la dicotomía melódica del álbum Pet Grief (Labrador, 2006) de los suecos de The Radio Dept.: pop luminoso por su hechura, pero con toques melancólicos que lo dotan de cierto aire sombrío. El Pet Grief de The Radio Dept. es un rico cocktail de shoegaze, new wave y synth pop que deja un muy buen sabor de boca. Dulce sin empalagar.

Si bien la segunda placa de estos suecos no cuenta con la misma energía de su álbum debut, ello no minimiza la calidad del proyecto, el cual resulta ser un segundo disco bien logrado que deja claro que el estilo de los del departamento de radio está madurando y ofrecerá más en discos por venir.

Yo pongo este disco en casa cuando quiero trabajar con música tranquilita pero que al mismo tiempo no me permite olvidar que la tengo de fondo. O bien para salir a caminar. Pet Grief es altamente recomendable durante esas caminatas sin rumbo, de ésas que uno toma para olvidarse bonito un rato de todo y de todos. La voz de Johan Duncanson da la sensación de que alguien nos está distrayendo del mundo exterior cantándonos al oído como en un sueño de chicle.

Les dejo uno de mis tracks preferidos del álbum: What Will Give?

Nota: Éstos de The Radio Dept. son tan buenos que ya la casa de diseño Gucci armó una campaña para presentar su colección primavera-verano con su música (les digo que es la temporada ideal para sus temas). Chéquenlo aquí (¡Gracias Laslo por este link!)

Una propuesta para el fin de semana, esta vez es algo un poco más ácido. Omar Rodriguez es famoso por ser el guitarrista de The Mars Volta. Pero sinceramente, más que el último disco de su banda de rock progresivo hay otra faceta que yo disfruto bastante:

Ésto es un extracto de un concierto en la capital de Eslovenia y es unicamente el intro de las improvisaciones (y largas rolas) de los trabajos de Omar Rodriguez y su quinteto. El sonido de los trabajos solistas del guitarrista son distintos a los que hace en su banda de rock, aquí navega un poco más por las corrientes del acid jazz. Hay aún menos estructuras y mucho uso de alientos (que lamentablemente no podemos ver explotar en el video).

Si ésta propuesta les despierta interés, les recomiendo ampliamente conseguir alguno de los discos de Omar Rodriguez:

• A Manual Dexterity: Soundtrack Volume 1 (2004)
• Omar Rodriguez (2005)
• Please Heat This Eventually (2006)
• Se Dice Bisonte, No Bufalo (2007)

Algunos de estos discos son descargables vía Bit Torrent.

A Manual Dexterity: Soundtrack, además de contar con colaboración de Cerdic Bixler-Zavala y John Frusciante, funge como la primera parte de lo que musicalizará una película que tiene planeada Omar Rodriguez titulada de igual manera: A Manual Dexterity. Ésta película ha sido retrasada ya varios años y se comenta que el segundo volumen del soundtrack saldrá en conjunto una vez lista. Esperemos que se le baje lo forever y la termine pronto ya que probablemente será un trabajo visual extremadamente psicodélico e interesante.

Please Heat This Eventually es la grabación más reciente, un split colaborativo con Damo Suzuki de Can, entre varios otros que ha grabado a la fecha. Se Dice Bisonte, No Bufalo saldrá el 29 de mayo de 2007 y lo espero con ancias.

Por lo pronto les recomiendo mi favorito (so far), el homónimo de 2005 que es una larga experimentación y viaje que siempre que escucho me vuela un poco la cabeza.