The Twilight Sad tomó por asalto el mundo de la música en 2007 con el lanzamiento de su primera producción, Fourteen Autumns & Fifteen Winters, un álbum que mostraba las fortalezas de un sonido único inmerso en los géneros del shoegaze y el rock, alimentado por el fuerte acento, las letras oscuras y vocalizaciones profundas de James Graham. El cuarteto también ganó fama por sus ruidosas presentaciones en vivo, una cualidad que por cierto comparten con otras agrupaciones escocesas como Mogwai, de quienes se han pronunciado grandes admiradores y con quienes han compartido giras en numerosas ocasiones.

Era de hecho la propuesta musical de este grupo una de las grandes influencias para el trío que, sin embargo, ahora ha decidido darle una vuelta de tuerca a su sonido para su tercera producción discográfica, No One Can Ever Know, álbum que oficialmente sale a la venta el día de hoy y del que ya hemos venido hablando con bastante emoción aquí en Cuchara, pues sus primeros adelantos nos mostraban un interesante nuevo acercamiento a su música. Ahora, ya con la producción en nuestros reproductores, podemos asegurar que el cambio ha traído buenas noticias.

Lo primero que hay que recordar es que sus primeros lanzamientos se distinguían por un sonido lo-fi muy intencional, pues el trío utilizaba casi exclusivamente instrumentos antiguos en la grabación. También era notoria la pared de notas reverberadas y sumamente intensas que daba peso a cada una de sus canciones y que se complementaba con la oscuridad de las letras de Graham.

Y el asunto es que, aunque si bien su sonido sigue siendo negro como la noche, las influencias electrónicas le han dado una nueva cara mucho más refinada y menos saturada. Los escoceses decidieron llevar al estudio una serie de sintetizadores análogos rusos y baterías electrónicas para combinarlas con las guitarras llenas de efectos de Andy MacFarlane. No obstante, y al contrario de lo que pasó en sus dos primeros discos, éstas se han quedado en esta ocasión al fondo del telón y no como protagonistas de la obra.

Así, este conjunto de canciones ofrece una mezcla entre la oscuridad del primer álbum y la intensidad del segundo pero con un nuevo acercamiento. En lugar del mazazo directo a la cabeza, esta vez el trío comienza poco a poco y sin demasiada estridencia, retomando influencias como las de Nine Inch Nails, Depeche Mode e incluso The Cure y Joy Division para crear melodías sombrías pero también con un aura pop más amable y menos cruda que en sus anteriores producciones.

Aquí hay sencillos muy obvios como “Alphabet” o “Another Bed”. La primera tiene una vibra totalmente thecuresca con unos sintetizadores sacados de las épocas más brumosas de Depeche Mode, aunque también sigue sonando a The Twilight Sad gracias sobre todo a la excelente voz de Graham, quien cierra diciendo “I was hoping on a good day that you would be mine (estaba esperando que un buen día serías mia)”. “Another Bed” por otro lado suena más industrial, con influencias de gente como Trent Reznor y compañía en sus sintetizadores atiborrados y un cierto aire de indiferencia en las vocales.

En el departamento de la saturación también hay buenas opciones, aunque la producción de Andrew Weatherall (quien también ha trabajado con gente como Primal Scream y Beth Orton) le ha puesto, como ya dijimos, una cara mucho más fina y menos cacofónica a la propuesta. En esta área tenemos canciones como “Dead City”, con su sonido electrónico de hechuras industriales y un ritmo más movido que también es lo más cercano a su anterior placa que podrán escuchar en esta ocasión.

“Sick” trabaja con acordes repetitivos y contenidos en capas lineales de vibra misteriosa e influencias joydivisionescas, las cuales también son notorias en “Don’t Move”, una canción que sin embargo suena mucho más dura, prendida y saturada, con un solo de guitarra intermedio y coros a dos voces que le dan un aire de novedad al asunto.

Los acordes de sintetizador que llevan la melodía de “Nil” también pagan tributo a lo más oscuro de Joy Division, sin embargo, al mismo tiempo conservan el sello de este trío. El resultado es definitivamente uno de los mejores temas de la placa.

La banda rinde homenaje a las capas superpuestas y la cacofonía de anteriores intentos en “Don’t Look at Me”, uno de los temas que tal vez recuerdan más a su segunda propuesta, aunque realmente le falta algo del poderío de esas melodías. “Not Sleeping” ofrece una especie de descanso atmosférico introductorio para “Another Bed”, que como ya dijimos es de los temas más fuertes de la placa. La agrupación cierra duro con “Killing it in the Morning”, melodía de influjos Nine Inch nailescos y un tono un poco más atiborrado y energético.

Así llegamos al final de este conjunto de nueve canciones que por su número podría sonar breve, sin embargo, tenemos temas de cuatro, cinco y hasta seis minutos de duración para compensar el número de tracks. En favor de este disco debo decir que nunca te cansa, pues fluye de principio a fin ofreciendo pequeños cambios de ritmo, superposiciones y melodías para formar un álbum completo, algo que de hecho fue la intención de la banda desde un principio, pues pensaron esta producción como un conjunto de canciones y no sólo como una colección de melodías.

Ahora, si bien el grupo ha utilizado mucho del rock ochentero como inspiración para esta producción, su sonido conserva el sello lóbrego y particular de sus inicios, aunque actualizado y mejor producido. Es cierto que por momentos parecen más fríos y menos apasionados, pero también hay que resaltar que hubo disposición para el cambio y para tomar riesgos que pudieron haber salido muy, pero muy mal.

Debido a que el álbum se filtró hace ya una semana, las opiniones en la red respecto a esta nueva placa también han comenzado a fluir. Y me ha llamado la atención que a muchos parece haberlos decepcionado, por considerarlo un intento flojo y sin la belicosidad de antaño. Esto sobre todo debido a que Graham y compañía han abandonado las capas superpuestas y extremadamente saturadas de su segunda producción, una cualidad aparentemente perfecta para aquellos a quienes les gusta el rock duro y ruidoso y no las sensibilidades de las bandas modernas.

Es decir que, a aquellos a quienes les gustaba esta banda por esas cualidades, este álbum les sonará suave y sin ninguna fibra. Sin embargo, a aquellos que saborearon más las canciones de su primer intento, o que apenas están conociendo a estos escoceses, esta nueva producción les va a encantar. Personalmente he estado escuchando el disco ya desde hace varios días y me parece de esos álbumes que crecen conforme los vas oyendo más y más.

Es muy cierto que esta vez The Twilight Sad ha abandonado el rock directo y sin cortapisas para producir un sonido mucho más fino que incluso en algunos momentos alcanza las esferas del pop. Sin embargo, en el intento han salido bien librados al conservar su personalidad y al mismo tiempo renovar su propuesta musical con nuevos elementos.

Así, No One Can Ever Know es el gran regreso de una de esas bandas que parecen trabajar siempre al margen del mainstream con audiencias pequeñas y cautivadas; y de las que no te cansas de preguntar por qué no son más famosas o más reconocidas. Repito que habrá quien prefiera el rock duro y sin cortapisas de su anterior intento, sin embargo, la inmediatez y atractivo de este nuevo ofrecimiento merecen una larga oportunidad.

Fecha de lanzamiento: 6/02/2012
Discográfica: Fat Cat Records
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Spin.
Tres canciones destacadas: “Dead City”, “Alphabet”, “Nil”

Desde el boom surgido en la blogosfera el pasado verano a raíz de “Video Games”, Lana Del Rey ha vivido lo bueno y lo malo de ser una artista viral sin un disco de estudio en el mercado. Por un lado, la admiración llegó a convertirse en hype mundial y muchos le deparaban un futuro prometedor. Por otro, la decepción y el odio brotaron después de que se supiera que la cantante era hija del multimillonario Rob Grant. Su poco acertada actuación en Saturday Night Live tampoco ayudó a limpiar su imagen y pronto empezó a ser tachada de producto artificial. No era difícil imaginarse a “papi” comprando a golpe de billete todo lo necesario para convertir a su hija en una estrella de la música. La polémica estaba servida.

Ante un panorama así, cuesta ponerse a escuchar tranquilamente las doce canciones que componen la edición estándar de Born To Die, pero es inteligente hacerlo como si de un disco más se tratase. Si intentamos ser objetivos con la mayor parte de música que nos llega, ¿por qué no serlo con la propuesta de esta señorita? O nos gusta o no nos gusta, solo hay que invertir algo más de 49 minutos, que es el tiempo que suman todos los temas. ¿Lo escuchamos?

“Born To Die” es la elegida para inaugurar la placa. Ya todos hemos tenido la oportunidad de escucharla y de ver los tigres del videoclip. Con respecto al resto de cortes, se trata de una de las canciones más acertadas del disco: buen estribillo, buenos arreglos y cambios de registro vocal que le dan una interesante dinámica.

Hablar de “Blue Jeans” o de “Video Games” a estas alturas se torna poco necesario, sobre todo porque son tan famosas que cada uno tendrá su propia opinión. Ambos temas tienen unos estribillos muy pegadizos, unas estrofas sensuales y una producción muy cuidada.

“Off To Races” se ha convertido en una de las favoritas del público en los conciertos de la artista. El secreto está en un registro de voz más agudo que el habitual que dibuja melodías empalagosas a la par que pegadizas. Una pequeña dosis de ritmo a caballo entre el R&B y el hip hop, y tienes una canción pop decente, pero que pasaría desapercibida en la era Adele.

“Diet Mountain Dew” recurre también al patrón rítmico del hip hop para presentarnos a una Lana Del Rey que juguetea con un logrado estribillo que se repite hasta la saciedad. A pesar de ello, tiene un toque distintivo que la hace destacar de entre todas las demás. Podría ser otro buen single.

Comenzando con una reminiscencia de “Bitter Sweep Symphony” de The Verve llega “National Anthem” que, comparado con el anterior corte, nos empieza a aburrir. La sensualidad y los tonos susurrantes ya van saturando, pero, afortunadamente, cuenta con un estribillo distinto que resucita el espíritu coral de “The Wall” de Pink Floyd. Justo después suena “Dark Paradise”, un tema pop pegadizo, con ritmo, pero bastante ramplón.

“Radio” sigue el buen patrón melódico de “Born To Die” y, aunque no alcanza su grandiosidad, es uno de los tracks más acertados del disco porque combina lo mejor de Lana, con un estribillo muy chill out que conquista a la primera escucha. No obstante, “Carmen” estropea la buena sensación que nos había dejado “Radio”. Simple, plana y aburrida.

Con “Millior Dollar Man” la cantante intenta recrear el ambiente gangster del Nueva York de los años 60, pero puede más el tedio de una voz que ya no da más de sí y que no muestra nada más llamativo ni cautivante. Aparte, la temática de “chica buena quiere a chico malo” es demasiado explotada en el resto de canciones y con este tema se supera el límite aceptable. ¿Adivináis de qué trata “Summertime Sadness”? ¡Sí, chica buena quiere a chico malo! Aun con la redundancia, tiene cierto gancho que recuerda a la manía persecutoria de Lady Gaga de repetir ciertas frases en sus canciones.

Y para cerrar el álbum nos topamos con “This Is What Make Us Girls”, una oda al feminismo que clama por la independencia de las mujeres. En lo musical es un tema que vuelve a tirar de los recursos del R&B y del hip hop para darle ritmo y que incluye un buen estribillo. Es fácil de escuchar.

Born To Die no es un mal disco, pero no puede compararse con el talento y la frescura que en este instante encontramos en el mundo del pop. No solo es que Adele sea muy superior en todos los sentidos, sino que hay muchos otros nombres que podrían eclipsar este debut. Si cala o no ahora es un asunto que dependerá del público. Lo que está claro es que no podrá seguir viviendo de tres buenos singles para siempre.

Fecha de lanzamiento: 30/01/2012.
Discográfica: Interscope Records.
Compra el disco: en iTunes.
Escucha el disco: en Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “Born To Die”, “Diet Mountain Dew” y “Radio”.

Contrario a lo que se suele decir con cierta frecuencia, en los ’90 se produjeron discos brillantes, a los que muy pocos proyectos de la última década se han podido acercar en cuanto a calidad, profundidad, originalidad y concepto. A finales de octubre de este mismo año escribí un artículo sobre el “Dynamo” de Soda Stereo, disco que fue publicado en el año ’92 y el “Outside”, disco del que hablaré hoy, fue publicado en el ’95.  En ningún caso considero que los ’90 haya sido una década excepcional ni tampoco sufro de ningún tipo de fanatismo por aquellos años, de hecho, creo que fue un período de transición un tanto gris,  aunque iluminado con intensidad por algunos diamantes imprescindibles.

La Conjunción Fundamental

Después de los buenos resultados obtenidos en la Berlin Trilogy (Trilogía de Berlín) conformada por los discos “Low”, “Heroes” y “Lodger”, el tiempo que pasó hasta que David Bowie y Brian Eno se volvieran a juntar, pareció una eternidad. La carrera de Bowie, por momentos, llegó a parecer más una secuencia de tics nerviosos que una búsqueda de identidad, mutación camaleónica o intento de innovación, pero si en algún instante podemos encontrar una arriesgada, aunque acertada, estabilidad en su trabajo antes del “Outside” fue durante los años en que se aplicó a estos tres trabajos.  Ya se podía apreciar como Brian Eno aportaba algo más que criterio en su colaboración para dichos proyectos, pero no de una forma unilateral, sino que la conjunción de dos mentes y sensibilidades envidiables daba lugar a la creación de sonidos más que interesantes.  No me olvido de Ziggy Stardust y los viajes al espacio que tanta relevancia han tenido en el proceso de Bowie y el mundo de la música en general, pero personalmente me quedo con el “Outside”, un disco diferente en casi todos los sentidos, que además abrió múltiples puertas de percepción para un sinnúmero de músicos y creadores.

El Sonido del Azar y un Concepto No Lineal

Uno de los aspectos más interesantes en cuanto al proceso de creación del proyecto, es el hecho de que no había ni un solo tema compuesto antes de entrar en el estudio. Con métodos inspirados en los de la música aleatoria que compositores como John Cage experimentasen a mediados del siglo pasado, el proyecto “Outside” fue tomando forma in-situ, teniendo como referencia un concepto construido por personajes, imágenes sugerentes  y una trama que se debe escuchar entre líneas. El mismo Bowie lo definía así: “El álbum es sobre la atmósfera” (en este caso sonora y contextual a la época). “Es sobre el sonido de 1995”.  Tengamos en cuenta que la trama gira alrededor de una visión distópica de fin del siglo XX, donde la fragmentación social, el hambre espiritual y el neo-paganismo se revelan generando fenómenos como el “Art Crime” (traducido sería algo así como “Crimen – Arte” o tal vez “Arte del Crimen”) y dando lugar a la aparición de personajes como Nathan Adler, protagonista de esta historia.  Nathan Adler pertenece a un departamento gubernamental creado para investigar el fenómeno del “Art Crime” y decidir si un determinado asesinato es realmente arte o únicamente un burdo acontecimiento delictivo. En esta trama particular encontramos a Nathan Adler investigando los extraños acontecimientos detrás del  “Asesinato Arte-Ritual de Baby Grace Blue”, de 14 años de edad.

Siguiendo con las palabras de Bowie: “Los personajes y la narrativa son sólo el esqueleto.  La textura musical es la carne y la sangre.”  Con estas afirmaciones podemos descubrir una clara intención de generar un proyecto que se alimenta a sí mismo. Un ejercicio de canibalismo regenerativo que se esconde detrás de las palabras.  Puede que a partir de esta última visión hayan decidido subtitular el proyecto como “A non-linear Gothic Drama Hyper-Cycle”.  (No me atrevo a traducirlo.)

Es importante destacar que a pesar de que la historia transcurre detrás de un manto de letras, precisamente son las letras de este disco uno de los elementos que lo abastecen de una identidad única.  Hemos visto cómo el azar juega un papel trascendente en el proceso creativo, y el texto no está exento de dicho elemento de aleatoriedad.  Mientras Brian Eno proponía maneras de sortear las estructuras y el sonido de los personajes, Bowie introducía párrafos de texto en su Mac, generando así ideas sorprendentes y conjugaciones enrevesadas (parecido a la clásica técnica collage) con la  ayuda de “Verbasiser”, un software personalizado, creado por no sé quién, no sé cuándo, no sé dónde.

Atmósferas, atmósferas y más atmósferas

Sin duda “Outside” es un álbum en el que el objetivo de relatar a través de la atmósfera como lenguaje se cumple con creces.  No es el primer proyecto de Bowie donde a este aspecto se le da relevancia, aunque no de una manera tan clara y bien lograda como en el “Outside”.  Recordemos que además de colaborar Brian Eno en la “Berlin Trilogy”, también estuvieron presentes Robert Fripp en “Heroes” y Adrian Belew en “Lodger”.  Estos dos músicos impresionantes, que después seguirían su “romance” en King Crimson llegando a grabar varios discos, fueron piezas fundamentales en la elaboración de un sonido que, sin saberlo, anticipaba de alguna forma el sonido conseguido en “Outside”.  Aunque ya no contasen con ellos en los ‘90, el resultado atmosférico no sólo termina de afianzarse, sino que además se materializa como un ente independiente que ocupa un lugar más que importante en la música popular de fines del siglo XX.

También es de agradecer que el curso que estos factores obligaron a tomar a Bowie como cantante haya sido tan enriquecedor para él y para todos los que nos atrevemos con este disco.  Nunca antes de este proyecto Bowie había interpretado líneas melódicas tan (hermosamente) disonantes como la de “Wishful Beginnings” o tan rocambolescas como la de “A Small Plot of Land”.  El ‘diabulus in musica’ (tritono) enseña los dientes constantemente, pero no asusta.  De hecho, no te das ni cuenta de que está ahí, lo que denota una construcción melódica inteligente que no carece de contenido emocional, es decir, que no sólo busca un resultado matemático sino que da la impresión de haber sido perseguido con gran intuición.

Fin de Siglo, Industria y Maquinaria Pesada

Además de las grandes atmósferas que hemos comentado, el proyecto funciona también gracias a  grandes contrastes. Si hablábamos de melodías disonantes, podemos también hablar de melodías más digeribles en temas como “Thru’ These Architects Eyes” o “Strangers When We Meet”.  Si encontramos atmósferas de textura onírica y dotadas de profunda oscuridad, encontramos en contraparte la brutalidad y el peso de la industria en el sonido de las guitarras de temas como “Hallo Spaceboy”o “The Hearts Filthy Lessons”.

A través de todo el espectro de timbres, matices y sensaciones ofrecidas en este disco puedo ubicarme fácilmente en un fin de siglo distópico, pero no sólo al final del siglo XX, sino también del XXI o cualquier otro, ya que podría decir que el sonido conseguido se siente temporalmente ambiguo.  Puedo saborear, sin esforzarme, la decadencia de fines del siglo pasado, pero también el olor desconocido de calles repletas de gente en  ciudades infestadas de vehículos voladores, de un futuro que puede que nunca llegue a existir.

Para terminar, sólo destacar que las piezas que componen esta maquinaria pesada de ruidos ordenados parecieran haber sido seleccionadas con especial cuidado. El cúmulo de talento de los músicos que participaron en el proyecto, podría cegarnos al leer sus nombres, así que recomiendo continuar leyendo con los ojos entreabiertos:  Carlos Alomar (Iggy Pop, Paul McCartney, Mick Jagger, Soda Stereo), Joey Baron (Bill Frisell, Fred Frith, Joe Lovano, John Zorn), Mike Garson (Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, No Doubt), por mencionar solo algunos.

A continuación adjunto un vídeo que encontré mientras divagaba por ahí, que contiene 40 minutos de material que no se incluyó en “Outside”.  Si disfrutas escuchando el disco, es más que probable que dicho material sea de tu interés.  Si no has escuchado nunca el disco, recomiendo escucharlo antes de pasar al vídeo.  Si no quieres ver el vídeo, no pasa nada, tampoco hace falta.  Si  tampoco quieres escuchar el disco, tú te lo pierdes.

The Black Keys son el tipo de banda que no esperas que obtenga jamás un éxito masivo, no porque no sean buenos sino porque su música es tan diversa, heterogénea y retadora que difícilmente calza con las convenciones musicales de la radio y los blog del rubro. Y sin embargo, fueron éstas las características que llevaron a Brothers, su anterior producción, a convertirse en un rotundo suceso de ventas y crítica, mostrando así que no hay nada escrito en estos asuntos de la música y que hasta la banda más extraña es capaz de obtener el éxito si ofrece algo de tremenda calidad.

La fama y fortuna que acompañaron a este lanzamiento del 2010 no pudieron sin embargo vencer la ética laboral y la disposición para el arduo trabajo del dúo compuesto por el guitarrista/cantante Dan Auerbach y el baterista y productor Patrick Carney quienes, más que dormirse en sus laureles, prefirieron regresar al estudio para armar, en tan sólo 40 días, su nueva producción titulada El Camino.

Un álbum que no comparte la inspiración blues, melancólica y relajada de su anterior producción, sino que viene a demostrar que a este trío le gusta retar al escucha. Y es que aquellos que se hayan acercado al grupo debido a las melodías de Brothers se las verán difíciles tratando de empatar esas vibras con este nuevo disco, en el que la banda ha dado una nueva vuelta de tuerca a su estilo para producir 38 minutos llenos de un rock and roll directo, pegajoso y mucho más ligero.

Las referencias al pasado continúan en este nuevo álbum, sólo que sacadas de otros lugares y recuerdos. El grupo no sólo toma elementos de sus primeros discos, también hace guiños a ritmos como el rock and roll, soul, garage, surf y un poco de blues, todos metidos en la licuadora para lograr un disco directo y simple que no por ello deja de tener sus misterios.

Sónicamente, este álbum sigue trabajando en el espectro lo-fi, con un ritmo rápido y sin complejos que te golpea la cabeza desde el primer segundo y continúa rebotando ahí aún después de que sus 11 canciones han terminado. La co-producción de Danger Mouse, quien regresó por sus fueros a petición expresa de la banda, permite apreciar además la potente batería, la excelente guitarra y la fuerza que transmiten los músicos en un producto totalmente amarrado y compacto que sigue una misma línea de principio a fin.

Aquí las influencias arriba mencionadas juegan un papel importante pues es en las melodías que El Camino tiene su mayor fuerza. El álbum apuesta por la rapidez, la urgencia y nulos momentos de descanso. No hay un track que permita relajarse, todos invitan a mover la cabeza y los pies en perfecta sintonía, haciendo gala de una de las principales características de este álbum que es la inmediatez.

Según ha revelado el mismo grupo, este álbum fue grabado prácticamente a partir de primeras tomas y sin ninguna idea pre-concebida. De ahí que tal vez por eso las canciones suenan tan fáciles de digerir, pues presentan un tipo de rock and roll clásico, pegajoso y guitarrero al que es muy fácil engancharse. Este es por ejemplo el espíritu detrás de “Lonely Boy”, una canción que no sólo hace uso de estos elementos sino que además presenta una letras sumamente sencilla, acompañada de coros pegajosos que abre con bombo y platillo esta nueva grabación.

Las influencias sesenteras y el groove hacen su aparición en canciones como “Sister”, Mind Eraser , “Dead & Gone”, en la que la banda le da paso a los sintetizadores como principal influencia; o “Gold On the Ceiling”, que utiliza además de dichos instrumentos un sólo de guitarra hacia el final, demostrando que son sus cuerdas las que se llevan los honores en esta producción pues, como cualquier buen rock and roll, las canciones de este álbum responden a este instrumento y sus caprichos.

La banda hace un descarado y juguetón guiño a Led Zeppelin en “Little Black Submarines”, tema que comienza con un folk mucho más acústico y termina con unos potentes riffs de guitarra y coros que recuerdan inequívocamente al tema más famoso de este cuarteto inglés.

Canciones como “Money Maker” y “Run Right Back” hacen gala de un rock poderoso y sin cortapisas en el que la banda abandona los coritos pop para poner más tuétano a la mezcla. Finalmente, en canciones como “Hell of a Season”, “Stop Stop” y “Nova Baby” la agrupación utiliza estos mismos elementos sólo que ahora sí aderezados con muchos coros pegajosos y hasta un solo de guitarra al final de la penúltima y última canción.

En cuanto a letras, hay que decir que la banda no hace uso de mayor profundidad. De hecho, el propio Auerbach ha dicho que éstas fueron compuestas para calzar con las melodías como complemento de las mismas y que de hecho no hablan de nada en particular o importante. Es así que tenemos muchas referencias al amor de manera bastante inocente y en diversas variantes, todo con referencia a las temáticas y palabras de la década a la que este álbum hace reverencia: los años 60.

En contra de este disco podría decirse que la profundidad ha sido dejada fuera, algo que, como dije al principio de esta reseña, va a chocar a aquellos que se subieron al carro de las llaves negras con su introspectiva y melodiosa producción anterior. Aquí no hay espacio para las tristezas, las cavilaciones o cualquier reflexión, pues desde el primer segundo el ritmo levanta tus pies en imperioso baile, dejándolos ir sólo hasta el último segundo del último track.

A su favor, debo decir que The Black Keys han sabido hacer un guiño al pasado sin sonar jamás fuera de moda, construyendo en el camino un disco pegajoso y de fácil acceso que permite brincar y festejar aún en el más oscuro invierno. Melodías simples pero bien hechas que reflejan la capacidad de esta banda para reinventarse y ofrecer un producto fresco a partir de cualquier influencia.

Insisto, habrá algunos a los que El Camino les sonará demasiado simple. Pero la mayoría quedarán conquistados al primer segundo por este ritmo lleno de testosterona que ofrece el mejor sonido que se puede escuchar hoy en día sin necesidad de hacer un viaje al pasado.

Fecha de lanzamiento: 2/12/2011
Discográfica: Nonesuch Records
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “Lonely Boy”, “Run Right Back” y “Gold On the Ceiling”

Un álbum doble es una prueba de fuego para cualquier artista, de hecho, la gran mayoría no salen bien librados de este tipo de aventureros intentos. Claro, está el grandioso álbum de los Smashing Pumpkins para probar lo contrario, pero hasta esa maravilla de 28 canciones tenía sus momentos bajos, y la verdad es que los tiempos en los que un artista podía vender más de 10 millones de copias de un disco de formato poco convencional han pasado hace mucho. Sin embargo, la ambición de los músicos sigue ahí.

Fue de hecho el álbum de los Pumpkins una de las cosas que llevó a Anthony Gonzalez a decidirse para crear un álbum doble, armado a partir de recuerdos de su niñez y juventud; un pasado que, engrandecido por el tiempo siempre luce, y lucirá, en maravilloso tecnicolor.

De esta manera nació Hurry Up, We’re Dreaming, la nueva entrega de su banda M83, un grupo más bien concebido como colectivo inserto en los géneros del shoegaze, el dream pop y un poco de electrónica. Sin embargo, con esta nueva producción la banda y su líder han dado un paso más allá en la experimentación sonora, pues le han dado todavía más peso a los sintetizadores y aparatos electrónicos, utilizando incluso la voz de Anthony, modificada a partir de diversos aparatos, como un instrumento más.

También han utilizado voces como la de Zola Jesus, quien abre junto a Gonzalez la producción en “Intro”, un tema que crece lento y que desde sus primeros acordes nos demuestra que estamos a punto de embarcarnos en un viaje fenomenal. Desde aquí es notorio asimismo el atrevimiento del músico, quien ha decidido cantar alto y fuerte en esta ocasión.

El álbum está construido a la manera de un diario inter-espacial, en el que el protagonista (y nosotros por añadidura) viaja a diversos mundos cual si de una película de ciencia ficción se tratara, pero no de esas que se producen hoy en día, sino de una realizada hace algunas décadas, con el tecnicolor al máximo y los botoncitos falsos brillando en todo su esplendor.

El disco tiene diversos momentos, desde aquellos en los que la acción se dispara como en “Reunion”, melodía que suena como una canción ochentera de Génesis pero en un mundo alternativo, con el joven Gonzalez a punto de subirse a la nave espacial para iniciar el viaje intergaláctico. O “Raconte-Moi Une Historie”, en la que el niño Gonzalez se inspira (o al menos eso creo yo) en Homero Simpson, contándonos una historia en la que habla de besar (o lamer) un sapo para cambiar su mundo a través de un acorde de sintetizador repetido al infinito y la risa interminable. Su par en el segundo disco “Year One, One UFO”, sigue la misma tónica juguetona aunque con más instrumentos de principio a fin.

Aquí también encontramos melodías como “Claudia Lewis”, con un súper producido teclado intermedio en forma de sólo que remite a Back to the Future, capas interminables de sonidos sintetizados además de una que otra guitarra eléctrica; rarezas sonoras y ambient como “This Bright Flash”, y tracks medianos como “Steve McQueen” o “Echoes of Mine”.

El disco también cuenta con breves pausas para observar la tierra de lejos, construidas a partir de reverberantes sintetizadores y melancólicos pianos como “Where The Boats Go”, “Another Wave From You”, “Fountains” o “When Will you Come Home”; o de instrumentos más acústicos e insertos en el ambient pop como “Soon, My Friend” o “Wait”, una belleza de cinco minutos de final épico y sobresaliente. Otras, como “Train to Pluton”, suenan como si estuviéramos embarcando nuestro equipaje, listos para tomar el tren galáctico a Plutón; mientras que en temas como “My Tears are becoming A Sea”, una especie de órgano grandilocuente nos da la bienvenida a un nuevo planeta que nos absorbe con toda su vegetación y nos llena los ojos de un nuevo planeta. La belleza de mundos lejanos también se refleja en “Splendor”, en donde son las voces, de diversos tamaños y colores, las que llevan la melodía de suaves tonos melancólicos.

Asimismo hay momentos para el baile como “Midnight City”, en los que el grupo presume nuevos instrumentos agregados a la mezcla como el saxofón en forma de solo que termina esta canción y las voces de Anthony en primera fila; o “New Map”, que trabaja de la misma manera sólo que inserta en el rock más que en la electrónica.

Así, después de 1.20 horas, “Outro” cierra el viaje espacial de la misma manera en que lo comenzó, con acordes sostenidos y amplias vocales que permiten colgar así el letrero de “fin” y dar inicio a los créditos de esta aventura espacial que corta de repente como si de un video casero se tratase. El resultado es un álbum de hechuras legendarias, múltiples capas llenas de voces, sintetizadores e instrumentos como la guitarra, el bajo, la batería, el saxofón, cuerdas y metales que sirven por momentos de descanso auditivo ante los omnipresentes teclados.

Porque esta es una placa electrónica sin duda, a pesar de sus momentos rock y ambientales, construida a partir de un instrumento que obviamente representa la facilidad e inmediatez para Gonzalez. La producción saturada también está presente cortesía de Justin Meldal-Johnsen, quien ha trabajado con gente Beck y Nine Inch Nails y que seguramente ha de haber aportado algo de ruido a la mezcla.

Hay que decir que, como cualquier álbum doble, este disco tiene momentos muy cansados, especialmente al final, pues después de un rato el viaje puede convertirse en algo un poco aburrido. Sin embargo, no se llega nunca al tedio pues está balanceado de manera que tracks más movidos entren después de los temas lentos, logrando así una combinación sonora que nos lleva lo mismo en un asiento de tren a través de las estrellas que a correr en medio de selvas plutonianas y plantas gigantes.

Aquellos aficionados al sonido ambient de anteriores intentos extrañarán la acústica en esta ocasión, pues es un hecho que Anthony buscó la saturación y grandilocuencia por encima de todo. Al final, este definitivamente es un disco para fans del grupo y buscadores de aventuras con oído paciente. También para aquellos aficionados a los viajes de ciencia ficción y exploradores del formato sonoro. ¿El mejor disco de M83? Yo realmente no lo creo, sin embargo, sí creo que, a su manera, este es definitivamente el “Mellon Collie…” de Anthony Gonzalez y su grupo: una excursión de tonos legendarios y sueños de colores saturados que en su belleza demuestra la importancia de la valentía a la hora de embarcarse en un viaje musical.

Fecha de lanzamiento: 18/10/2011
Discográfica: Mute Records
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “Intro (featuring Zola Jesus)”, “Wait”, “Midnight City”

Coldplay es una agrupación que hizo historia. Con una serie de discos que, guste o no, logró llegar a la audiencia y millones de fanáticos en todo el mundo la formación liderada por Chris Martin a la cabeza comenzó a evolucionar y después de dos primeros álbumes con himnos como “Yellow”, “Trouble” o “God Put a Smile upon Your Face” comenzó a experimentar con sintetizadores y, años más tarde, llegaron X&Y y, su último disco, Viva la Vida or Death and All His Friends.

Con una producción que estuvo de la mano de Brian Eno su último disco llegó en el año 2008 y, tres años después, muchos están esperando ansiosos el lanzamiento de Mylo Xyloto, del cual les venimos hablando hace mucho y que se trata de una producción conceptual que cuenta a través de sus canciones de la huída de una pareja en busca de la tranquilidad para poder amarse en paz y que, incluso -aunque no lo creo-, podría tratarse de la última producción de Coldplay.

De Mylo Xyloto se sabe bastante y de hecho tuvimos la posibilidad de escuchar una que otra canción que primero se filtró -o que filtraron- y después se terminó presentando el video. Hablo de “Every Teardrop is a Waterfall” que se trató del primer single, “Paradise”, el segundo y, finalmente, la filtración de “Princess of China” que fue el track que grabaron junto a Rihanna. Ahora, si bien el disco se lanzará oficialmente el 24 de octubre, la espera para los ansiosos fanáticos dejó de existir porque el disco se terminó filtrando, como sucede con prácticamente todas las obras muy esperadas hace ya años.

Al haber escuchado Mylo Xyloto sólo se me ocurrió la palabra evolución y entendí perfectamente por qué motivo Chris Martin viene haciendo referencia en relación a la producción como culminación de su obra y de la mejor grabación que hizo Coldplay hasta ahora. No sé si es la mejor, porque eso ya es cuestión de gustos, pero lo que es cierto es que aquí hay un poco de todo. Hay un poco de Parachutes, hay un poco de A Rush of Blood to the Head, un poco de X&Y y también de Viva la Vida or Death and All His Friends.

Hay evolución.

Mylo Xyloto tiene de todo. Tiene canciones de amor que lograrán emocionar a los más fanáticos que amen la voz de Martin y también tiene muchísimo de estadio. No necesito esperar para que Coldplay empiece a dar sus presentaciones por todo el mundo para ver a miles y miles de personas en diferentes estadios coreando con todas sus fuerzas y emoción “Every Teardrop is a Waterfall” o “Don’t Let It Break Your Heart”.

La experimentación también tiene un lugar y está presente en canciones como la que le da nombre a la producción, “M.M.I.X.” o “A Hopeful Transmission” que funcionan como si se trataran de separadores de libros. Uno separa la nada, el no-sonido, del comienzo de la producción; el otro parte a la mitad la producción con un sonido estático y casi imperceptible que dura casi un minuto y que da lugar al comienzo de lo que es el primer single; y el último funciona como si se tratase de un preludio anunciando que el fin está llegando.

Nos damos cuenta de que la cosa cambió mucho desde el principio, cuando después de la intro que es “Mylo Xyloto”, arranca “Hurts Like Heaven”. Es una canción rápida, nada común en la discografía de Coldplay hasta ahora y con muchísima onda que grita “Don’t let ‘em take control!”. Una batería potente que marca el ritmo del resto de lo instrumentos y una progresión que poco a poco va metiéndose en la canción en forma de órgano, synthe y un piano clásico a cargo de Martin que hará bailar a todos y que termina en una canción con sonidos muy voladores y una onda espectacular. Comenzar así es comenzar con un sabor de boca muy bueno.

“Paradise” no es nuevo y sus acordes ya nos suenan como si fueran conocidos de siempre. Un coro repetitivo en el que Chris Martin juega con la voz. Esta será otra de las canciones que todos corearemos cuando estemos frente a la agrupación aplaudiendo. Otro de los himnos y una de las más potentes que encontramos en todo el disco que da lugar a “Charlie Brown” que empieza con unos sonidos extraños en Coldplay y que, poco a poco, va naciendo como canción y empieza con una fuerza increíble.

“Us Against The World” y “U.F.O.” son dos canciones que recuerdan al viejo Coldplay cuando escribían canciones tranquilas y en las que se podía ver al grupo más relajado, confiando sólo en los instrumentos que tocaron durante toda su vida y sin hacer incursión en nuevos sonidos relacionados a la música electrónica. No está mal. Es bueno bajar un poco, recordar las raíces y darles un gusto a los fanáticos amantes de los primeros discos de la banda.

“Princess of China” es otro de los momentos fuertes del disco. Acá, como sucede siempre que se pueden ver grandes cambios en las bandas, probablemente no habrá grises. Se dividirán los que amen la canción y los que la odien. La realidad es que no parece Coldplay. Acá podemos escuchar un tema con mucha electrónica y Rihanna de fondo coreando. Un órgano sintetizado, una guitarra repetitiva y unos beats que parecen de una canción que, así original como viene, podría tratarse de un remix.

La mejor balada de Mylo Xyloto, particularmente, me parece que es “Up in Flames” justamente porque hacen lo que saben hacer a la perfección. Viene de la mano de una lírica poética donde Martin dice que todo está terminado y que, esta vez, sabe perfectamente que se fue. Muy triste pero, al mismo tiempo y como sucede con muchas canciones que podrían deprimir hasta al más alegre de todos, bellísima.

El final se acerca pero la producción no deja de subir. El anteúltimo track se trata de “Don’t Let it Break Your Heart” y es una de las mejores de todo el disco. Un tema volador que empieza muy arriba y que, si bien parece que en algún momento tendrá que tranquilizarse un poco, no lo hace. Un coro precioso, un sonido espectacular y unos gritos de Martin pidiéndole a ella que vuelva y que no les permita que rompan su corazón.

Conclusión

No es raro ver por qué lo integrantes de la agrupación, desde lo visual, quisieron darle muchísimo color a Mylo Xyloto. Esta producción está repleta del mismo. Es una pintura feliz, una pintura de amor llena de lugares bellos y, al mismo tiempo, tristes pero que desembocan en un lugar feliz.

El último disco de la agrupación británica quizás no les guste a los amantes más conservadores de la banda que preferirían que siguieran haciendo las baladas que fueron presentando a través de su obra pero, sin lugar a dudas, es probablemente uno de los mejores discos que hicieron. Junto a la ayuda en la producción de Brian Eno, Martin y compañía lograron una producción completa, llena de subidas y bajadas que no deja de sorprender ni un momento. Pudieron respetar su sonido y, también, innovar en su sonido. Pocas bandas logran hacerlo.

Fecha de lanzamiento: 24/10/2011
Discográfica: Parlophone
Compra el disco: Web de la banda
Tres canciones destacadas: “Hurts Like Heaven”, “Charlie Brown”, “Don’t Let It Break Your Heart”

Un órgano tubular chapado a la antigua que se hace controlar digitalmente, un arpa en forma de péndulo gigante, una bobina de Tesla conectada a un sintetizador y algún que otro artilugio semi-analógico más, construido por encargo, que aprovecha las fuerzas de la naturaleza para crear música. Una serie de aplicaciones multimedia que la combina con efectos visuales y una interfaz interactiva. Una ópera científica que rinde culto a los fenómenos físicos. Lo primero que notamos al acercarnos al séptimo (¿octavo?) álbum de estudio de Björk es que, sí, efectivamente, nos encontramos ante su proyecto más ambicioso hasta la fecha.

Biophilia llega cuatro años después de Volta (2007), y es a la vez un disco conceptual, un show en vivo adjunto a una suerte de exposición tecnológica que promete dar vueltas por el mundo, y un conjunto de apps de iPhone y iPad –una por cada pista– que se descargan individualmente y se guarecen bajo una app madre.

Como en toda obra de electrónica experimental con tendencias lutieres, el nuevo puñado de canciones de la islandesa busca hacerse notar más por su ejecución que por intentar llegar a un resultado concreto y ortodoxo dentro de las reglas de la música convencional.

En algunos momentos, las reminiscencias de sus anteriores trabajos son muy evidentes: “Virus” podría encajar muy bien en el repertorio de la era Vespertine (2001), mientras que “Cosmogony”, introducido por arreglos de metales à la “Dull Flame Of Desire”, es muy parecido a lo que escuchamos en Volta. En otros, Björk saca provecho a algunos de los instrumentos extravagantes nombrados al comienzo para crear momentos verdaderamente brillantes: en el movido “Crystalline” presume el gameleste, otro de sus inventos, a la vez que deforma aleatoriamente toda estructura que la encasille en algún ritmo particular; y en “Mutual Core” le suelta las riendas a un frenesí tropical que constituye una de las partes más divertidas de la obra.

Sin embargo, la apreciación completa requiere verla a ésta desenvolverse en su ecosistema audiovisual, una experiencia interactiva que ilustra sus canciones, echa luz sobre su concepto y atenúa la densidad de sus momentos más abstractos y minimalistas. La app suite para iOS, que contó con la dirección artística del neoyorquino Scott Snibbe, incluye imponentes tratamientos visuales que interactúan con el oyente, narraciones y ensayos.

No podríamos dejar de ver en ella el futuro de la industria musical de no ser porque el soporte es, además, una plataforma comercial que se aprovecha perspicazmente del boom de las aplicaciones móviles y las interfaces táctiles. Por ello, por transgredir una vez más los estándares del pop, y por intentar disolver aquel divorcio entre ciencia y arte, Biophilia es uno de los proyectos indispensables del 2011.

Fecha de lanzamiento: 10/10/2011
Discográfica: One Little Indian
Compra el disco: Amazon (álbum); iTunes (app)
Tres canciones destacadas: “Crystalline”, “Mutual Core”, “Virus”

El estilo se tiene o no se tiene. Si echamos una mirada al pasado en el mundo de la música son los artistas con una personalidad propia los que dejaron huella, los que influenciaron a las generaciones venideras. Dependiendo de cómo lo miremos, podríamos decir que cada vez es más difícil tener un sello propio, es decir, innovar, sorprender. Cada vez hay más grupos con propuestas muy dispares entre sí y es una ardua tarea no sonar a alguien casi por casualidad. Sin embargo, podemos afirmar todo lo contario porque si mezclamos tan solo un poco de todas las bandas que nos gustan, el resultado puede ser algo nuevo y quizá interesante. De hecho es raro encontrarse con un artista que no recuerde un poco a tal cantante o a tal grupo.

Twin Sister un quinteto de Nueva York que ya dio que hablar con dos EP’s que recogían influencias de Portishead y The Cocteau Twins, entre otros, y que está despuntando ahora con una agenda de conciertos generosa y con un primer LP que puede asentar a la banda en el panorama de la música independiente.

In Heaven incluye diez canciones completamente diferentes entre sí. ¿Es esto seguir un estilo definido? A priori, no. No existe un patrón común en el que uno pueda identificar a un grupo que suena a disco pop o a retroindie, una pesadilla para las campañas promocionales. Pero, ¿quién dijo que no tener un estilo no era en sí mismo un estilo característico?

Efectivamente, los poco más de treinta y tres minutos de este álbum son una auténtica amalgama de sonidos, de ambientes y de efectos. Para empezar con el listón alto nada mejor que comenzar con un tema que tiene a un xilófono como protagonista. La melodía principal de “Daniel” merma tus sentidos, haciendo que entres en una espiral sonora que, al estilo del minismalismo, incluye cada vez más capas. Aquí el grupo nos ofrece una música vanguardista, agradable y muy densa.

Pero cuando uno ya está ensimismado entre esa mezcla de synth pop con avant-garde aparece “Stop”, una canción con un ritmo entre el funky lento y el soul que presenta unas cadencias, unos coros y unos arreglos bizarros. Realmente no sabes en ningún momento cómo va a seguir el tema. Es todo una sorpresa, embaucadora eso sí, especialmente en el tramo final.

“Bad Street” es la canción adelanto, la seleccionada para grabar videoclip. Por tanto, sigue una estructura un poco más simple que las demás, aunque sigue el patrón de “inclasificable”. La mezcla de retro dance, wah-wah y melodías de voz repetitivas son las características principales, pero a ver quién se atreve a ponerle nombre. Lo mismo sucede con “Space Babe” que incluye una caja de ritmos rescatada de los años 80 y un sintetizador que sirve de colchón para la melodía de la voz, muy relajada, quizá demasiado. Aunque eso no es malo porque la verdad es que te deja embobado.

“Kimmi In A Rice Field” es toda una aventura de efectos y de ambientes de todo tipo. Si hubiera que resumirla, se podría decir que es una canción que sigue un patrón de música asiática mezclada con la melodía de los viejos videojuegos. Todo ello a una velocidad muy lenta, algo que podría resultar demasiado pesado en ciertos momentos si no fuera porque cada armonía te atrapa un poco más. “Luna’s Theme” es un delirio, parece la banda sonora de un sueño. Muy relajante, tanto que puedes quedarte dormido a la mitad.

“Spain” es un corte que parece provenir de otra época. Tiene unas armonías cromáticas que recuerdan a las típicas bandas sonoras de las películas de Tarantino, de hecho no me cuesta imaginarla en Kill Bill Vol.3. También venida de unas cuantas décadas atrás parece “Gene Ciampi”, con toda la parafernalia psicodélica incluida. Me gusta sobre todo el ritmo del final, sesentero total.

Por si no lo has hecho ya, “Saturday Sunday” te hará esgrimir un “Pero qué co###!” porque, de repente, la banda se pasa al lado del indie pop, así, sin preámbulos. Y el resultado es acertado, aunque en lo personal he de decir que me resulta ciertamente pegajosa.

Y para cerrar el disco llega “Eastern Green”, con Eric Cardona -guitarrista- cogiendo el micrófono para demostrar que también tiene algo que decir en el grupo, algo bastante melancólico por otra parte. Así acaba el disco y así te quedas, con un sabor que no sabes definir, pero que te gustaría repetir. Y si repites es porque te gusta, ¿no? La cuestión ahora es, ¿hasta cuándo te seguirá encandilando?

Fecha de lanzamiento: 26/09/2011
Discográfica: Domino
Compra el disco: En la web de su discográfica
Escucha el disco: En Spotify, Disco Naïveté, Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Daniel”, “Stop”, “Gene Ciampi”

The Kooks vienen con una carrera que toda banda envidiaría. Presentó un single que los llevó rápidamente al éxito (“Naive”, para los más despistados) y que continuó con canciones que valieron mucho la pena y nos hicieron dar cuenta que no se trataba sólo de un gran éxito. Muchos nos hicimos fanáticos, los fuimos a ver en vivo, disfrutamos de sus canciones y los cambios de voz en Luke Pritchard y la guitarra clásica de Hugh Harris pero, al mismo tiempo, pensábamos que el segundo disco decepcionaría. No lo hizo, después de Inside In/Inside Out llegó Konk y también sorprendió aunque, como era de esperarse, no tanto como el primero. Sea como sea, logró mantener a la agrupación en el ojo de la tormenta musical, haciendo presentaciones por todo el mundo y liderando algunos de los más relevantes festivales.

Finalmente la esperada fecha llegó y, el 12 de septiembre de este mismo año, presentaron su tercer trabajo discográfico que lleva el nombre de Junk of the Heart y, nuevamente, los Kooks no defraudaron.

Empieza con una canción que lleva el mismo nombre del disco con un pequeño agregado, “Junk of the Heart (Happy)”, que además se trata también del primer sencillo. Es una canción bien clásica de The Kooks que tiene un estribillo pegadizo, habla del amor y las mujeres en las que Pritchard se inspira y tiene rasgueos de guitarra pegadizos que están a cargo del señor Harris. La base de la batería bien tranquila y que sigue el compás. No hay nada innovador pero si las cosas aunque no innoven se hacen bien, igualmente llamará la atención. Esto es lo que sucede con el primer single.

Lo malo aquí es la no-evolución. Si bien la música de The Kooks es pegadiza, se sigue manteniendo en lo que venimos escuchando hace ya dos discos. Lo seguimos soportando, sin lugar a dudas y hasta por momentos nos dejamos perder en los sonidos creados por esta agrupación, pero en otros momentos nos damos cuenta que las canciones que están en Junk of the Heart podrían haber formado parte del álbum que lanzaron en el 2006. Las personas que escuchaban a la banda en aquella época -vos y yo- crecimos y necesitamos una evolución. No se puede escuchar siempre lo mismo de una agrupación por más que esto esté bien hecho.

Imaginemos por un segundo que Arctic Monkeys hubiera sido durante toda su carrera como lo fueron en Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not o Favourite Worst Nightmare. Guste o no Humbug y Suck It And See no son iguales y esto, aunque muchos prefieran la primera parte de la carrera de los monos, es como debe ser la música: evolutiva.

Pero no sólo vamos a hablar de lo malo de Junk of the Heart o la no-evolución de The Kooks. Sin duda que en su tercer disco hay unas cuentas cosas para rescatar.

Creo que la situación perfecta para escuchar la nueva producción es tirados en el pasto de un parque con una chica, disfrutando del sol y la música de fondo que habla, sobre todas las cosas, sobre el amor. Un poco adolescente pero sí, así son los Kooks y si les gusta van a tener que aceptarlo. Aquí la banda de Brighton no está tratando de competir con la innovación de Radiohead o la experimentación de The Mars Volta. Luke, Hugh, Peter y Paul apuestan a los coros, los riffs pegadizos y, si eso es lo que los llena musicalmente, nadie puede decir nada en contra.

“Is It Me” es otra de las canciones que está muy bien. Es bien kookera con la voz de Pritchard en primer plano con una base de batería perfecta con mucho ritmo y ganas y una guitarra que va entrando poco a poco hasta convertirse en una de las protagonistas. Una buena canción donde The Kooks pide una copa de vino y donde se preguntan si son ellos los que tienen la culpa o si es el momento en el que todos estamos viviendo.

La conclusión es que si les gustó el material que pudieron escuchar anteriormente de The Kooks probablemente les gustará esto porque, sin lugar a dudas, tiene el sello de The Kooks sin demasiado que se modifique. Hay lentos, hay amor y un poco de reflexión sobre la vida y las personas que nos rodean.

Fecha de lanzamiento: 12/09/2011
Discográfica: Virgin
Compra el disco: en la web de su disquera.
Descarga el disco: en la red.
Tres canciones destacadas: “Killing Me”, “Eskimo Kiss”, “Rosie”

Decía Nietzsche que la independencia era cosa de pequeñas minorías, “el privilegio de los fuertes” la llamaba. Y no le faltaba razón. No seguir la corriente que todo el mundo sigue tiene sus consecuencias y, como en todo, la suerte juega un papel fundamental en el resultado. Ante ese factor sorpresa quizá la mejor actitud sea mantenerse fiel a tus principios. De esa manera serás totalmente consecuente con todo lo que consigas, sea bueno o malo.

Parece muy fácil decirlo pero no tanto llevarlo a la práctica. No hay tanta gente capaz de ser independiente siempre. Y si nos centramos en el mundo de la música, con todas las presiones que puede encontrarse un grupo para seguir existiendo, todavía es más difícil. No obstante, The Jezabels es una de esas bandas que, sin miedo, podemos tildar de independientes de principio a fin. A pesar de saborear la aceptación y la popularidad en la escena indie europea con numerosos conciertos, con las posibles ofertas que eso ha podido conllevar, este cuarteto de Sydney ha preferido publicar por su cuenta su álbum debut.

Prisoner es, por tanto, una apuesta atrevida para los tiempos que corren. Su nombre es una contradicción porque sus trece canciones han sido compuestas con la total libertad que implica no tener que rendir cuentas más que a ellos mismos. Por esa misma razón nos topamos con la primera canción, la que da título al CD, con una introducción de órgano al más puro estilo gótico. Se trata de un primer track que coquetea con el rock progresivo y en el que el baterista, Nik Kaloper, muestra su buen hacer con su instrumento. Muy acertada la parte electrónica del final.

Con un ritmo enmarañado llega “Endless Summer”, la elegida como single. Es un tema más agradable y fácil de escuchar, con unas líneas de voz muy pegadizas y un estribillo muy logrado. De un corte más sentimental es “Long Highway”, que presenta un juego dinámico muy interesante, con partes muy intensas y otras más calmadas. Me gusta el empaque conseguido entre guitarras y piano.

The Jezabels transmite la sensación de ser un grupo porque sus cuatro integrantes acaban aportando su personalidad al sonido final, y es algo que se nota porque no solo un miembro es el protagonista, cada instrumento tiene su hueco y su momento. Lo más fácil y lo más común en las bandas es que el cantante sea el más destacado. No es este el caso ya que la voz de Hayley Mary encaja muy bien con el resto de la música; sobresale cuando tiene que sobresalir, pero también en ocasiones pasa a un segundo plano. Lo apreciamos en canciones como “Trycolour”, donde la guitarra tipo post rock predomina o en “Deep Wide Ocean”, donde la instrumentación es muy rica y variada.

El álbum lo podríamos dividir en dos mitades. Por un lado tenemos las canciones más animadas, más rítmicas y más eléctricas, mientras que en el otro tenemos las más tranquilas. Completando la lista del primer grupo encontramos “Horsehead”, que tiene unos ritmos muy interesantes y vivos y una línea de voz que puede recordar por momentos a los patrones que usa Dolores O’Riordan, aunque se acaba distanciando de aquélla con tonos más líricos y agudos. “Nobody Nowhere” tiene una estructura muy orientada al post-rock, con distorsiones muy densas y con ambientes muy minimalistas. Es corta, pero intensa, sobre todo en los segundos finales.

“City Girl” podría considerarse como una canción a caballo entre las dos mitades. Es tranquila pero tiene un ritmo básico que se compenetra muy bien con la guitarra eléctrica, que utiliza mucho el delay con un resultado bastante interesante.

Del lado más tranquilo están “Austerlitz”, una pieza instrumental muy intimista, “Peace Of Mind”, donde Hayley nos muestra su lado más sentimental, con un hilo de voz que pone los pelos de punta, “Reprise”, una transición de reposo breve entre canción y canción y “Catch Me”, una auténtica obra maestra. Incluye muchos cambios, melodías memorables y arreglos cuidadísimos. El mejor plato para el finall.

Prisoner es un disco muy heterogéneo, con momentos musicales para todos los gustos. Pero, sobre todo, es un disco para saborear, con muchos detalles para descubrir y con canciones para recordar. Totalmente recomendado.

Fecha de lanzamiento: 16/09/2011
Discográfica: Independiente
Compra el disco: Desde su web oficial
Escucha el disco: En Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Endless Summer”, “Peace Of Mind”, “Catch Me”

Dicen que las mejores canciones, o al menos las más verdaderas, son aquellas que se componen en épocas difíciles. Si hiciéramos un repaso de los temas con más éxito de la cultura popular contemporánea seguramente nos percataríamos de que los músicos no solo viven de sus ideas musicales, sino de los sentimientos que les llevaron a crearlas, dando como resultado auténticas odas a la tristeza o incluso todo lo contrario, melodías para superarla.

Cass McCombs es una de esas personas con una vida peculiar que bien podría adaptarse a un libro o a una película. En realidad tampoco difiere mucho de la de millones de personas que no lo tienen fácil para subsistir. Su biografía está marcada por la falta de recursos y por un estilo vital basado en el nomadismo. Pasó gran parte de su juventud viajando de ciudad en ciudad junto a su guitarra acústica. Las experiencias que fue viviendo entonces le animaron a componer canciones hasta que en 2001 grabó su álbum debut, Not the Way E.P. -justo después de los atentados del 11 de septiembre-. Después fue ganando algo de fama a base de tocar y tocar y finalmente ha conseguido cierta estabilidad como cantautor.

Aunque el próximo 8 de noviembre publicará un nuevo disco llamado Humor Risk -del que ya podemos escuchar “The Same Thing”, el primer single-, hoy vamos a dedicarle un tiempo a WIT’S END, una obra que publicó hace varios meses y que viene acompañada de buenas palabras de la crítica especializada. Ocho canciones componen este “Final del Humor”. ¿Lo escuchamos?

“County Line” es la encargada de iniciar este CD. Los primeros compases ya nos sugieren que esto no va a ser una recopilación de momentos alegres. El video oficial refleja la rutina de las largas horas de viaje de una ciudad a otra, aunque también hay otros videos dedicados al consumo de heroína que tampoco rechinan con el mensaje de la canción. Se trata de una primera canción que ya crea un ambiente muy intimista, muy languido. Un ambiente que sigue manifestando “The Lonely Doll”, que incluye arreglos más brillantes, con algo más de luz. Una especie de caja de música y una melodía al más puro estilo nana vertebran un tema tranquilo y para disfrutar en soledad.

Y es que la soledad es uno de los detonantes de este álbum. El propio McCombs ha confesado que a la hora de crear las canciones que componen este trabajo se basó en los momentos en solitario “que todos pasamos”, y de la sensación de volatilidad que todos tenemos con la felicidad, por ejemplo. Así, con canciones como “Buried Alive”, los sentimientos se llevan al extremo. ¿Qué pasaría si fuésemos enterrados vivos? “Nada”, responde, “mientras nuestra alma quede intacta”. Se trata de uno de los cortes más destacados del disco, con melodía y mucho feeling de por medio. Me ha gustado sobre todo la parte instrumental del final, muy barroca.

Cualquiera diría que la siguiente canción, “Saturday Song”, es ideal para animar un sábado, día tradicionalmente dedicado a la fiesta. Los acordes disminuidos y tristes dominan en una composición cargada de tristeza y de pesimismo. Demasiado monótona y cargante como para escucharla con buen ánimo. “Memory’s Stain” inicia con un piano desbordado por el recuerdo y por la influencia de la música clásica. No me gustan mucho los fraseos que Cass hace en algunas líneas de voz, pero poco a poco el ritmo que crea la base musical te va atrapando, llevándote hacia un pasaje imaginario, a un recuerdo lejano que pronto se rompe por la realidad. Son más de siete minutos que hay que saborear, eso sí, inundado en la tristeza.

“Hermit’s Cave” comienza con algo de ritmo de percusión y alguna guitarra acústica alegrando nuestro oído, pero pronto acaba decayendo hasta un intimismo quizá excesivo, dominado por la voz del artista y que te sumerge de sentimientos pesimistas. “Pleasant Shadow Song” es, como su propio nombre indica, un tema agradable de escuchar, pero lleno de sombras. Parece como si las melodías te acariciasen, pero al final de la canción te das cuenta de lo tremendamente triste que te hace sentir. Aliviado, sí, pero con los ánimos por los suelos.

Y para cerrar el álbum nos topamos con “A Knock Upon The Door”, un tema de más de 9 minutos cargado de arreglos -que hay que agradecer al productor Ariel Rechtshaid, que repite papel en el próximo disco- y, como es habitual en este LP, de decadencia. Los arpeggios de guitarra acústica y los sonidos de oboes y faggots le dan un toque más agradable a una canción que, de por sí, es todo un deleite escuchar.

En líneas generales WIT’S END es un disco lleno de solemnidad, de madurez y de tristeza. Mejor no saber qué clase de momentos vivió Cass mientras componía estos temas, pero a nosotros nos queda un legado sentimental muy verdadero y muy apropiado para escuchar en los momentos difíciles. No obstante, no creo que sea adecuado para celebraciones. Tampoco era su propósito. He aquí, pues, un fragmento de música triste y bien hecha, para quien la desee gustar.

Fecha de lanzamiento: 26/04/2011
Discográfica: Domino Records
Compra el disco: Desde su web oficial
Escucha el disco: En Spotify o Grooveshark
Tres canciones destacadas: “County Line”, “Buried Alive”, “A Knock Upon The Door”

La expectación ante el nuevo disco de Dream Theater ha sido inmensa, aunque no sé si esta vez ha sido por la enorme calidad de sus músicos y la gran obra que entre todos pueden conseguir o por la marcha de Mike Portnoy. Y es que el baterista no solo se limitaba a tocar su instrumento -que de por sí no es nada desdeñable-, sino que era una parte muy importante en el mecanismo de composición de la banda, así como de gestión de conciertos y de imagen global. Mike Portnoy es todo un símbolo dentro del mundo de los bateristas y, aparte de ser miembro fundador de Dream Theater, aportaba las ganas e ilusión que tantas veces se echan en falta en las grandes formaciones.

Para resumir todo el drama, llegó un momento en el que Portnoy le propuso a sus compañeros un descanso para que la banda recargara las pilas y volviera con ideas frescas. Estos no aceptaron y decidieron continuar sin él, muy a su pesar, por cierto. Tocaba buscar sustituto y Dream Theater, después de unos últimos años de consolidación y de captación de fans, estaba en la cuerda floja. Y así lo refleja la portada de esta nueva obra, A Dramatic Turn Of The Events. Tras una búsqueda de baterista centrada en lo mejor de lo mejor, Mike Mangini ocupó el puesto de Portnoy y todo comenzó a rodar de nuevo. Pero todo se tenía que cuidar muy bien porque el invento podía resultar mal para el grupo.

Todo este contexto explica por qué el nuevo disco de Dream Theater no aporta nada nuevo a lo que ya conocíamos de ellos. Sin la mente creativa de Portnoy ejerciendo de director de orquesta, el grupo ha apostado por un sonido clásico, con canciones que seguro gustarán a sus seguidores. Si hablamos en términos de cine, el conjunto ha preferido no arriesgarse, crear un blockbuster para asegurarse el éxito. Es más, el propio Portnoy ha ratificado la teoría de un productor que afirmó que, tras estudiar el álbum, había llegado a la conclusión de que se había utilizado como molde el Image and Worlds, uno de los más aclamados discos del grupo, para crear esta obra. Esto es lo que escribió Mike en respuesta al autor del artículo:

Gran y acertado post. Me di cuenta inmediatamente de todo lo que escribes tras la primera escucha del álbum… y lo encontré increíblemente extraño. Si son detalles intencionados, entonces creo que es una idea muy buena… Sin embargo, si es un intento desesperado por re-escribir secretamente el pasado… mmm, entonces no está tan bien… Creo que solo ellos [los miembros de Dream Theater] sabrán las razones de estas semejanzas.

No sé hasta qué punto habrá tantas similitudes objetivas, pero a mí a simple escucha no me lo parece. Encontramos canciones muy complejas como para comentarlas pormenorizadamente, pero hay una péndulo estílistico que oscila en torno al metal con todas las letras (“Bridges In The Sky”) hasta llegar a los momentos más calmados y melódicos que Dream Theater jamás haya escrito (“Far From Heaven”). Un buen punto a favor del sonido del CD es el protagonismo que se le ha vuelto a conceder a John Myung y a su portentoso bajo, algo que contrasta con la batería que, en ocasiones, pasa a un segundo plano.

Sobre el papel de Mike Mangini hay que romper una lanza a su favor. En mi opinión, Mangini es más baterista que Portnoy, es decir, tiene más recursos técnicos que la banda puede aprovechar en el futuro, pero creo que no tiene la misma capacidad compositiva que tenía el anterior baterista. En otras palabras, creo que el concepto de batería puede dar un paso más con Mangini detrás de los platos, pero eso puede hacer que Dream Theater se convierta en un entramado musical demasiado técnico e innaccesible para el público, que requiere de canciones con gancho para volver a escucharlas. De hecho, espero que el marcianismo técnico de los dos primeros minutos de “Lost Not Forgotten” se quede en el futuro en pequeñas pinceladas y no en rutina.

En definitiva, A Dramatic Turn Of The Events es un buen disco de metal progresivo, pero que no supone un paso más en la trayectoria de un grupo con 26 años de historia. Nos quedaremos con la duda de si Mike Portnoy habría conseguido colocar esta obra entre lo más destacado del año.

Fecha de lanzamiento: 13/09/2011
Discográfica: Roadrunner Records
Compra el disco: Desde su web oficial
Escucha el disco: En Spotify o Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Lost Not Forgotten”, “Bridges In The Sky” y “Breaking All Illusions”

Seguro que todos hemos tenido la sensación de estar escuchando un grupo y pensar que viene de una época anterior porque sus canciones tienen un aire añejo. Sin embargo, nos llevamos una sorpresa al comprobar que, efectivamente, el disco se ha publicado este mismo año.

Y algo parecido a eso, mucho menos exagerado, claro está, me ha sucedido con Father, Son, Holy Ghost de Girls. Sus once canciones están cargadas de influencias clásicas; desde los Beatles a Depp Purple o Led Zeppelin. Y todo ello remozado en una mezcla de pop vintage, pero que suena muy fresco y cuidado. De hecho, cualquiera diría que se ha grabado en una oficina convertida en un estudio al uso.

Éste es uno de esos discos que deberían servir para definir el buen pop, la música fácil de escuchar, agradable, que no tiene fecha de caducidad y no los de otros artistas que no hacen otra cosa que dañar la imagen de un género que respira más allá de Rihannas, Justin Biebers o Britney Spears’. No tengo nada en contra de los artistas que acabo de nombrar, pero considero que su música no es para nada perdurable y sigue una corriente hecha con un fin, sin ir más allá. Que la producción de sus discos tiene calidad, sí, pero su música en la mayor parte de las ocasiones está vacía. Y se nota cuando uno escucha un álbum como este Father, Son, Holy Ghost.

El propio grupo lo dejó intuir seleccionando “Vomit” como primer single de la placa, una canción llena de recuerdos, inundada por el hammond y por unas guitarras que destilan nostalgia. Y aunque parezca que la cosa empieza animada con una playera “Honey Bunny”, la verdad es que dura poco la diversión. Más bien podríamos considerar el CD como una muestra de pop ideado en otra época y basado en la tristeza.

Girls no se complica a la hora de hacer canciones. No han creado un estilo nuevo, pero han sabido adaptarlo a los nuevos tiempos, darle un giro distinto a lo que fueron, por ejemplo, los Beatles -comparaciones aparte- y crear atmósferas de música para disfrutar, para paladear tranquilamente. Claros casos de ello son temas como “Just A Song”, simple, íntima y emotiva o “My Ma”, una de las piezas más destacadas del álbum por su sabor a viejos tiempos y su traslación al presente, aparte de una letra que reflexiona sobre hacerse mayor y buscar el sentido de la vida de uno mismo que da que pensar. Porque el pop no solo está hecho para bailar, sino para disfrutar del lado más amigable de la música. Eso no implica que el pop no pueda ser triste o melancólico, y a las pruebas me remito.

Del lado más técnico hay que decir que esta obra tiene un sonido muy cuidado y una producción -a cargo de Doug Boehm- excelente. Me ha gustado especialmente el tratamiento de las guitarras, muy limpias y con detalles muy elegantes. También hay que resaltar el buen empaste de la voz de con las líneas de bajo (compruébese con “Alex”).

En definitiva, es un disco que hay que escuchar.

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Tres canciones recomendadas

“Alex”, “Just A Song”, “Forgiveness”

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Hace algunos meses tuvimos a los estadounidenses de Wye Oak como nuestra recomendación semanal en Under, de ahí que era prácticamente obligatorio que asistiéramos a su primer concierto en la Ciudad de México el pasado viernes 26 de agosto; y no sólo porque habían sido una de nuestras recomendaciones, sino porque el grupo ha venido ganando bastante reconocimiento con su nueva producción Civillian, editada el pasado marzo a través de Merge Records.

El lugar elegido para su debut en México fue El Imperial, un antro/bar ubicado en la colonia Condesa que desde hace unos meses ha comenzado a albergar eventos más o menos íntimos como este. Ahora, si he de ser sincera, a mí francamente no me gustan los antros convertidos en lugares de concierto. Debo decir que ya hemos (¿he?) tenido suficiente con la porquería de acústica y visión que es el Pasagüero, como para desear “más alternativas” del tipo. Además, francamente no entiendo porque, teniendo un lugar tan bonito y bien acondicionado como el Lunario, los organizadores insisten en meternos a bares y antros que obviamente no están pensados ni diseñados para funcionar con conciertos bien planeados.

Y digo esto porque El Imperial tiene como única ventaja el ser un lugar “intimo”. El escenario está casi al nivel del público lo cual, si bien es cierto que te permite acercarte y ver bien desde casi todo el recinto, también tiene la desventaja de no darte una distancia apropiada ni para el sonido ni para evitar a los fotógrafos, que en esta ocasión no tuvieron a alguien que les informara que el público no había ido a verlos a ellos, de ahí que estuvieron prácticamente la mitad del concierto (algunos hasta más) tapando la visión de los que estaban hasta adelante. Y quiero aclarar que no tengo nada en contra de los profesionales de la lente, pero ciertamente ser profesional implica no sólo saber apretar el botón en el momento correcto sino aprender y respetar las reglas no escritas de aquellos que militan en esta profesión.

Obviamente, al ser este lugar una casona adaptada para bar/lugar de conciertos, el sonido también dejó mucho que desear, pues por momentos estaba demasiado saturado, algo que fue notorio en los temas más prendidos del grupo principal de la noche. En fin, lo cierto es que el bar no es un lugar feo y supongo que debe ser agradable para una noche de antro, pero yo realmente espero que algún día los organizadores de eventos en México se pongan las pilas y comiencen a buscar alternativas decentes que realmente funcionen como lugares de concierto.

La noche comenzó de manera formal poco después de las 23:00 horas con el grupo abridor: Yellow Yesterday, que a mí, y creo que lo mismo le pasó a buena parte de la concurrencia, simplemente me pasó de noche. Siempre he cuestionado la calidad de las bandas de este país y la verdad es que el viernes me di cuenta de que el gran problema de las agrupaciones mexicanas no es que tengan influencias, sino que no las trabajan a su favor, pues es inevitable pensar en una copia tercera región de algún grupo famoso cuando escuchas a uno de estos grupos. Este fin de semana me pasó lo mismo: los escuché y me quedé pensando en que suenan igual a los otros abridores mexicanos que he visto en conciertos de este tipo (y créanme, he visto muchos). No hay ambición ni ganas de hacer algo diferente, no hay agallas para utilizar las influencias y construir algo nuevo, todos esperan sonar a Belle and Sebastian, Broken Social Scene o similares. Y la verdad es que es una lástima porque obviamente pueden agarrar un instrumento.

Después de casi una hora de presentación, los abridores bajaron del escenario para permitir el acomodo de los instrumentos de la banda principal. Así, pasaditas las 12 de la madrugada salieron Andy Stack y Jenn Wasner para comenzar su primera tocada en la capital mexicana. Lo primero que hay que resaltar es que el grupo no utiliza músicos de acompañamiento o sonidos pregrabados: son sólo ellos dos en escena, lo cual es notable pues son capaces de hacer el ruido de una banda completa sin más añadidos que una guitarra, la batería y los teclados.

De hecho, su presentación en vivo es mucho más shoegaze y menos folk que sus discos. Una paleta de sonidos intensa que lo mismo relaja en los momentos más suaves que te permite mover la cabeza con absoluta decisión en los momentos más prendidos. Stack no sólo brilla como un multi-instrumentalista capaz al combinar sus tareas de baterista y tecladista sin fallar un sólo momento; además tiene la suerte de contar con una compañera musical de la calidad de Wasner, quien no sólo es una guitarrista competente que presume sus instrumentos cada dos canciones, además cuenta con una voz de terciopelo que personalmente me parece una de las mejores características de este dúo.

La banda arrancó la noche con “The Alter”, el segundo tema de su más reciente producción en la que de hecho estuvo enfocada este concierto, pues la banda tocó prácticamente más de la mitad de la misma en su presentación de esa noche. Hubo algunas elecciones de discos pasados como “My Creator” o “For Prayer”, pero en general la banda se enfocó en su último larga duración, algo lógico si pensamos que se encuentran en plena promoción del mismo.

Jenn no paró de hablar en todo el concierto, asegurando que estaban muy contentos de estar aquí y que nunca, en sus sueños más locos, hubiera imaginado que algún día tendría la oportunidad de tomar una guitarra, vivir de hacer música y tocar en la ciudad de México. También mencionaron que habían hecho un viaje muy largo para llegar con nosotros pues venían de Escocia; y que habían pensado mucho en los temas que iban a tocar en su primera presentación, pero que al final habían decidido dejar sus canciones más viejas para la próxima ocasión.

Desafortunadamente el conjunto no es de los que cuentan con un grupo devoto de seguidores en este país, pues al final de la presentación ya se podía oír en el fondo el murmullo de aquellos que obviamente iban sólo de antro o simplemente por estar ahí, pero que no estaban presentes para escuchar realmente la música de este dúo. Su presentación duró un poquito más de una hora, en la que hubo bastantes aplausos y uno que otro convencido, aunque es justo decir que no existió unanimidad, probablemente porque la banda es muy nueva en México y corear las canciones era algo bastante difícil.

Además estaba el asunto de la saturación y mala ecualización del sonido, lo que siempre poner un alto a los deseos de cantar con los músicos. Sin embargo, y a pesar de ello, debo decir que la banda pasó con buenas notas este primer examen en tierras mexicanas. Dos músicos sencillos, bien confiados en sus habilidades musicales y capaces de utilizar sus influencias personales para el bien de su agrupación es lo que vimos este pasado sábado 26 de agosto en la ciudad de México. Ojala la banda cumpla su promesa y regrese pronto a nuestro país. Por lo pronto queda el recuerdo de una buena noche de viernes, con sus pequeñas fallas, pero en general con un buen sabor de boca.

Setlist:

• The Alter
• Holy Holy
• Plains
• Hot As Day
• My Creator
• Dogs Eyes
• Civilian
• Fish
• Tema nuevo
• That I Do
• Take It In
• For Prayer
• I Hope You Die
• Doubt

Han pasado muchas cosas en los cinco años que han transcurrido desde que se publicase Stadium Arcadium. Mucho se habló de que fue uno de sus peores discos y que ya Red Hot Chili Peppers no lograría levantar cabeza. Sin embargo, media década después y tras varios rumores que apuntaban a la separación, parece que la salida definitiva del grupo de John Frusciante ha dejado las aguas calmadas.

Nuevos aires para la banda que han traído consigo un nuevo disco, I’m With You, y una nueva etapa que sus propios integrantes parecen afrontar con ilusión, aunque todavía más los millones de seguidores de todo el mundo. Ahora es tiempo de valoraciones, de juzgar si el cambio de guitarrista le ha sentado bien, igual o peor a la banda, de si este cuarteto de Los Ángeles será capaz de conquistarnos de nuevo con canciones como “By The Way”, “Otherside” o “Californication”.

Para escuchar este trabajo he preferido no tener en cuenta sus discos anteriores para simular así qué pasaría si este álbum llegara a mis manos sin yo saber a qué grupo pertenece. Obviamente es difícil no reconocer el estilo de Red Hot Chili Peppers, pero considero que es más importante escuchar el disco hoy, con la mentalidad musical de hoy, para posteriormente apreciar si ha habido evolución o no. No creo que sea útil empezar a escuchar I’m With You pensando “By The Way era mucho mejor” o “Me gustaba más “Dani California””. ¿Comenzamos?

La primera canción de este I’m With You es “Monarchy Of Roses”. Tiene un inicio experimental, dando la sensación de que el grupo se está preparando para empezar a tocar. El efecto de la voz tampoco hace pensar que sea algo convencional. Sin embargo, tras varios versos el tema coge otro color, mucho más distendido, más alegre y con una onda disco muy bailable. A lo largo de los segundos se van alternando las partes experimentales con las “normales”, dando como resultado un efecto alivio muy interesante. Por cierto, primera canción y primer solo de guitarra de Josh Klinghoffer, bastante acertado. Lo mejor de la canción es la fuerza que gana al final.

“Factory Of Faith” es el segundo corte de este nuevo trabajo. El bajo es lo primero que entra en acción, quedando en un primer plano durante el resto de canción, una canción con unas estrofas medio rapeadas bastante extrañas y con un estribillo que no termina de convencer. Sin embargo, la cantidad de detalles que vamos escuchando hacen entretenida la escucha.

El siguiente tema en llegar es “Brendan’s Death Song” y lo hace con un arpegio de guitarra acústica muy bonito y la voz de Kiedis con mucha calidez y templanza. Conforme pasa el tiempo la canción va ganando ritmo y la melodía de la voz nos va arrastrando poco a poco hasta llegar a la parte instrumental, muy tribal. Destacaría especialmente los “ie ie” del final, que en concierto deben ser espectaculares cantados por el público. Es muy comercial, aunque puede llegar a resultar algo cansina si no te gusta la melodía principal.

“Ethiopia” vuelve a contar con una línea de bajo protagonista y un ritmo a destiempo que queda muy resultón junto a la línea de voz. Su ritmo y su esencia étnica atrapan desde el principio. Muy buen tema. “Annie Wants a Baby” es muy dinámica, tiene muchos cambios y tiene arreglos de guitarra que compaginan perfectamente con la voz.

“Look Around” tiene un estilo que mezcla el funk con un ritmo dance, al que también contribuye la línea de bajo. Su punto álgido es el estribillo, nada difícil de aprender y que seguro funciona bien entre los seguidores, aunque las estrofas son bastante pegadizas. Me gusta la parte instrumental, en la que se relaja el tempo y la guitarra juega un poco con los acordes.

Sobre el single “The Adventures Of Rain Dance Maggie” ya hemos hablado en Cuchara Sónica. Como single cumple perfectamente con la tarea de agradar desde la primera escucha. “Did I Let You Know” tiene una base rítmica muy de vacaciones en las Bahamas, con una batería que bien podría considerarse de reggaeton, aunque poco tiene que ver con ese estilo musical. Me gusta mucho su aire optimista, su estribillo melódico y la colaboración de Michael Bulger a la trompeta.

“Goodbye Hooray” empieza fuerte con una guitarra eléctrica ligeramente distorsionada y una base rítmica contundente, en la que Flea se despacha a gusto con slap incluido. La estructura de la canción evoluciona rápidamente, con cambios constantes, siendo un track que prácticamente se escucha solo hasta que llega una parte muy relajada, que sorprenderá y agradará.

En “Happiness Loves Company” encontramos a un invitado especial: el piano. Este instrumento, junto con la batería, el bajo y la voz conforman una mezcla que suena a una especie de rock clásico de cabaret. ¿Raro verdad? Sí, pero muy interesante de escuchar.

Aunque por el título podríamos haber deducido lo contrario, “Police Station” es la balada del disco. Me gusta que todos los instrumentos se distingan tan claramente -también hay piano, por cierto-, por lo que hay que destacar la labor de producción y sobre todo la buena composición para que todo suene tan armonizado. “Even You, Brutus?” es un compendio de influencias del blues, del jazz y del funk que consiguen una canción original y con un ritmo que nos hará mover el cuerpo.

“Meet Me At The Corner” inicia con un lead de guitarra muy relajado y nos lleva hacia una canción muy suave y muy natural. Es quizá en la que más protagonismo tiene Josh, también es cierto que coincide en que el bajo pasa a un segundo plano. Por último encontramos “Dance, dance, dance” que va en la onda optimista de “Ethiopia”, pero con un poco menos de brillo y de gancho. Creo que, para llamarse así, le falta un poco más de ritmo. Aún así, es un buena tema.

Como hemos podido comprobar se trata de un disco muy completo. Catorce canciones dan para mucho y Red Hot Chili Peppers han sabido improntar en cada corte una influencia y un sonido distinto. Desde un punto de vista industrial, hay que decir que este I’m With You es muy comercial y seguro que funcionan bien sus ventas. Sin embargo, también hay partes bizarras y que solo podrías esperar de un grupo como éste.

Por eso, ahora sí, si comparamos con discos anteriores nos daremos cuenta de que hay una evolución hacia un sonido más agradable, que tira mucho hacia el pop, pero siempre manteniendo el gusto por la música, la calidad en las composiciones y la elegancia en la ejecución. Recordamos que los músicos que forman Red Hot Chili Peppers tienen mucha experiencia y la música parece salirles sola.

Creo que es un álbum digno de escuchar con la intención de disfrutar de una hora de música trabajada y muy bien ejecutada. Será uno de los discos del año, no sin polémica.

Fecha de lanzamiento: 29/08/2011
Discográfica: Warner Bros
Compra el disco: Desde su web oficial
Descarga el disco: En la Web
Escucha el disco: En iTunes
Tres canciones destacadas: “Brendan’s Death Song”, “Ethiopia”, “Did I Let You Know”

Hay bandas que prometen, que no son demasiado famosas pero que tienen un futuro prominente. De esas hay muchísimas dando vueltas que pueden llegar al mainstream a través del clásico single que pega en las radios y termina sonando en todo el globo o tienen que luchar un poco más para que su música se haga escuchar dando shows y shows. Los chicos de One Night Only son una agrupación de rock alternativo indie de Inglaterra que ya lanzaron un álbum en el 2008 y que, tiempo más tarde, presentaron un álbum homónimo con unos cuantos tracks que valen la pena ser escuchados.

La producción abre de una manera muy potente con “Say You Don’t Want It” que se trata de un single con todas las letras. Un track que logra pegarse en la retina auditiva de nuestro cerebro que es básicamente lo que debe hacer un sencillo. Tiene mucho de britpop pero con mezclas sintéticas que lo hacen único y un ritmo con un coro que dan ganas de bailar. Veamos, no son unos innovadores al mejor estilo Kurt Cobain. No vinieron a cambiar el sonido de la música actual y revolucionar, pero lo que hacen lo hacen bien.

El problema de One Night Only no es su música, que es bastante interesante, sino sus letras. En oportunidades me gustó lo que escuchaba mientras que en otras que reciten cosas como “Where am I supposed to go, I’m hoping that you won’t say no” en “Chemistry” me hacen pensar que no tienen demasiadas ideas líricamente hablando. La música no sólo son sonidos, sino también poesías expresadas a través de la letra.

Hay una que otra cosa que nos hace dar vuelta y prestarle atención al disco. “Never Be The Same” es una de esas canciones que logra llamar la atención porque empieza de una manera más que interesante. Lenta, muy lenta y con George Craig cantando sobre las nubes oscuras que hay sobre su cabeza y la lluvia que vendrá. Es un lindo tema de estadio que se vuelve muy indie (cosa que me encanta) a medida que va adentrándose con mucho sentimiento.

Después llega “All I Want” que parece un tema armado. El problema acá es que ya lo he escuchado y, con esto, no me refiero a que sea un plagio ni nada parecido. Siento que cada parte de esta canción, desde las letras hasta los riffs, punteos, batería y hasta el coro, que dice “All i want is something to believe in”, fueron tomados de otro lugar. Ya he escuchado esto en la música. Si bien no hay que innovar todo el tiempo, tampoco sacar temas de cajas donde otros artistas estuvieron hurgando.

One Night Only, de One Night Only, no está nada mal. La realidad es que su música mejoró muchísimo desde su primera producción y hay una que otra joya que hace que el disco valga la pena pero todavía tienen que seguir encontrando su propio sonido. Como dije más arriba, ya no quedan demasiados Cobains en el mundo de la música que puedan venir a partirnos la cabeza y, de un día para otro, desaparecer.

Habiendo dicho esto, recomiendo el disco de One Night Only. No les cambiará la vida, pero es un álbum muy bailable, con sintetizadores preciosos por momentos y tracks muy bellos, como con el que abren la producción.

Fecha de lanzamiento: 23/08/2010
Discográfica: Mercury Records
Compra el disco: en la página de la banda.
Tres canciones destacadas: “Forget My Name”, “Say You Don’t Want It”, “Nothing Left”.

El misterio es uno de los mejores amigos de la música. Si bien es cierto que a los fans y allegados a este arte nos encanta saber todos los detalles detrás de un tema, una producción o un artista; también es cierto que no hay nada peor que enterarse que tu canción favorita fue compuesta para el perro del cantante o que tu álbum preferido no habla de lo que tu creías que hablaba.

Hace un par de años este misterio era parte fundamental en la música de Marissa Nadler, quien nos sorprendió y encantó con su lírica evocativa y su voz de dejos profundos en su tercera placa discográfica Little Hells, un disco con el que logró despegarse de cualquier moda e incluso separarse de la personalidad de sus anteriores producciones al incorporar sonidos electrónicos, capas superpuestas e invitados como Simon Pace (de Blond Redhead) para lograr un producto perfectamente acabado y pensado que puso al mundo del indie a sus pies.

Desde entonces muchas cosas han pasado. La primera es que la cantante decidió abrazar más fuertemente la independencia y editar, con la ayuda de sus fans, su nueva placa discográfica, a la que curiosamente le puso un titulo homónimo. Para financiar su lanzamiento, la Nadler inició un proyecto de donación que de hecho superó ampliamente las expectativas de la propia cantante, gracias a lo cual pudo grabar, masterizar y mezclar a su propio gusto este nuevo intento.

Lo segundo que hay que tomar en cuenta es que Marissa parece haber dado un paso atrás en su decisión de crear pasajes más elaborados para volver a la limpia producción de sus primeros discos. Descubrimos además que han desaparecido los acordes densos de su anterior intento, pues se nota una nueva ligereza que ha permeado en los temas a pesar de su construcción lenta y cuidadosa.

Esto es producto no sólo de su cambio de disquera sino de los sucesos en la propia vida de la cantante, pues la Nadler decidió aprovechar este álbum homónimo para revisar su vida amorosa y musical a la luz de sus primeros 30 años de vida. Así tenemos a una nueva Marissa, dividida entre el amor y un corazón roto, la americana y el folk con un poco de percusiones, guitarras, cuerdas y pianos, pero en todo momento conservando las líneas simples y cuidadas de sus primeros intentos y no tanto las elaboradas de su anterior producción. Finalmente, el asunto que es más obvio al escuchar este disco es que la intérprete decidió abandonar los ropajes de contadora de historias para recrear sus letras en primera persona.

Si bien es indudable que es una letrista muy capaz, lo cierto es que buena parte de la magia etérea y cautivante de anteriores intentos estaba en esa capacidad para recrear pasajes e historias que parecían sacados de un libro de sagas y no del diario de una adolescente. Con esto no quiero decir que la cantante nos la ponga fácil, pues aún en primera persona es capaz de dibujar líneas poéticas que muy pocas cantantes de hoy pueden lograr. Sin embargo, al final esta nueva franqueza y corazón abierto suenan un poco extrañas, pues la ponen demasiado cerca de sus pares del rock y el pop que para todo utilizan el “yo te amé, yo te odio, yo te quiero, yo me muero”.

El disco arranca con “In your Lair, Bear”, tema que conserva algo de la poesía y los arreglos de su anterior placa, pues incluye guitarras eléctricas, vibráfono, percusiones y cuerdas para sustentar una especie de retiro espiritual de cinco minutos, en el que la cantante nos lleva ese lugar al que todos vamos al momento de enfrentar un rompimiento, cuando todo lo que queremos es silencio y soledad.

Ya para el segundo y tercer tema, sin embargo, descubrimos una nueva faceta en el arte de la Nadler. Aunque de construcciones diferentes, ambos temas son en letra mucho más directos y abiertos que lo que le hemos escuchado nunca antes. “Alabaster Queen” es una balada folk enguitarrada que podría ser demasiado enducolorada si no fuera porque la voz de la Nadler, tremendamente sugestiva pero al mismo tiempo melancólica, logra levantar la canción. “The Sun Always Reminds Me Of You” por otro lado es un tema mucho más construido y en la mejor tradición de Mojave 3, en el que Marissa se abre el corazón y saca los sentimientos de nostalgia y extrañeza ante un mundo que debe ser vivido sin el ser amado.

La artista continúa revelando pasajes amorosos de sus 30 años de vida en “Mr. John Lee Revisited”, un tema en el que además reafirma su vena de contadora de historias, pues esta canción es una continuación de la historia que comenzó con “Mr. John Lee”, tema que se incluía en su segundo álbum y en el que fantaseaba un poco mórbidamente con las posibilidades de acabar con un triangulo amoroso de manera fatal. Sin embargo, Marissa deja que la realidad gobierne esta segunda parte y aprovecha para contarnos qué pasó con los actores de dicha historia, a través de acordes gentiles de guitarra y una pizca de instrumentos como la guitarra eléctrica, el vibráfono y los sintentizadores.

Continuamos con una excepción dentro del disco, pues en “Baby I Will Leave you in the Morning” Marissas retoma el tono operístico para labrar un tema de abandono que desafortunadamente no termina de cuajar. Con mejores resultados aunque con un tópico bastante parecido aparece “Puppet Master”, una canción evidentemente enemiga de lo radial con sabor a country y un poco de cabaret en la que la intérprete celebra su decisión de librarse del mal amor y el maestro titiritero que ha controlado su vida por tantos años.

En contraparte, “Wind Up Doll” regresa al sonido etéreo de antaño y la elaboración de historias de fantasmas y amores cinematográficos al relatar la segunda parte de uno de los temas de Ballads of Living and Dying titulado “Box Of Cedar”, en el que nos presentó la historia de una mujer cuyo marido va a la guerra y regresa en una caja de cedro. Para la segunda parte, Marissa se hace acompañar de algunos instrumentos y vocalizaciones como aquellas que adornaron su segundo disco, todo para hablar de la vida de la misma mujer mientras ésta intenta volver a encontrar el amor.

La sorpresa llega con “Wedding”, una canción que no necesita demasiada explicación, pues ya desde el título sabemos que lo que busca la Nadler es una boda con la cual concretar su amor. Afortunadamente, las cosas no llegan a lo extremadamente cursi, gracias sobre todo al sonido sexy y rico de la melodía, en la que hacen su aparición las percusiones, los sintetizadores y el vibráfono para completar así la excepción en el disco en cuanto a lírica y sonido.

Para “Little King” la cantante regresa a las líneas simples con guitarra, algo de banjo y bajo, además de una historia que recrea la separación de dos posibles almas gemelas. Le sigue un ensayo de dos minutos llamado “In a Magazine”, en el que la cantante reconoce a un viejo amante en las páginas de una revista. Finalmente, tenemos “Daisy, Where Did You Go”, que termina en la mejor tradición Marissa Nadler al completar una evocación hacia una vieja amiga y otra vida a través de cautivantes acordes de guitarra folk y sus vocales reproducidas al infinito.

De nueva cuenta estamos ante un álbum que requiere paciencia y oídos abiertos para captar sus texturas. Una placa por momentos desconcertante, pues no parece ofrecer la misma riqueza auditiva que Little Hells pero no por ello menos interesante. La cantante ha dado con este álbum homónimo un paso atrás y revisado su vida, estilo, deseos y amores para comenzar un nuevo capítulo sin el peso de los fantasmas y pequeños infiernos que la habían acompañado hasta el momento.

Con una primera parte más ligera, y una segunda mucho más centrada en sus antiguos artilugios, la Nadler logra nuevamente cautivar a los oídos sin gran esfuerzo y con excelente técnica, a pesar de los momentos de incertidumbre que sus instantes más honestos pueden llegar a causar.

Es cierto que este álbum carece por lapsos de la grandeza de su anterior placa, sin embargo, no por ello es un mal intento. De hecho, si comparamos a esta mujer con sus pares de todo el mundo, para quienes la brillantina, las plumas y el amor desesperado son todo en la vida, la Nadler sale muy bien librada en el intento de cantar de manera directa las preocupaciones y nostalgias de su corazón, gracias sobre todo a su voz siempre etérea y única cargada de significados y capaz de transmitir en una línea todo el sentimiento de una canción.

Si les gustó Little Hells seguramente van a disfrutar de este disco. Si no han escuchado antes a Marissa Nadler, este es el momento de tomar los audífonos, subirle al estéreo, armarse de paciencia y conocer a una mujer de voz hechizante y sin igual. Personalmente puedo decir que, aunque me decepcionó un poquito en temas como “Alabaster Queen”, en general este álbum me dejó con muy buen sabor de boca y el deseo de explorar sus vericuetos por un buen rato pues, a pesar de todo, creo que el misterio todavía no ha sido completamente revelado.

Fecha de lanzamiento: 14/06/2011
Discográfica: Box of Cedar Records
Compra el disco: en la página de la cantante.
Escucha el disco: en Bandcamp.
Tres canciones destacadas: “Puppet master”, “In your Lair, Bear”, “Mr. John Lee Revisited”.

Haciendo música desde hace ya 10 años, hoy os presento una banda que no he tenido el gusto de conocer hasta disfrutar de su último trabajo. Se trata de Leprous, un grupo noruego, natural de Notodden, que la semana que viene lanzará su obra más reciente: Bilateral.

A lo largo de esta década de carrera ya han puesto 3 discos en el mercado, todos ellos con muy buenas críticas, aunque tal vez no han llegado a llamar la atención todo lo que deberían. Eso seguramente cambie con su cuarto trabajo. No sé por qué se ha elegido ese título para el disco, pero bien podría ser una referencia al ataque bilateral que nos produce escucharlo, con una mezcla entre varios estilos, principalmente rock progresivo y rock alternativo, que funciona a la perfección y que reúne en sus composiciones temas que son fácilmente escuchables y disfrutables tanto por los amantes de la música más rara y exclusiva como por los amantes de temas más comerciales.

En Bilateral podemos escuchar elementos tan técnicos y a unos músicos tan virtuosos que por momentos creeremos que estamos escuchando a Dream Theather. Unas voces realmente sorprendentes que en ocasiones suenan muy a Muse pero que no se quedan ahí y sobrepasan con creces a los británicos. Y también unas composiciones que recuerdan a Shining, otro grupo noruego que se desenvuelve muy bien en el rock experimental. Pero veamos en detalle que puede ofrecernos Leprous con Bilateral.

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La obra abre con la canción que da nombre al disco, “Bilateral”, que comienza de forma muy enérgica y con un grito muy a lo Queen al que inmediatamente se le incorporan sintetizadores para pasar a una parte más progresiva. Según evoluciona la canción vemos que no se trata de un álbum progresivo, al menos no en su totalidad, ya que se combinan a la perfección partes muy comerciales y hacen que de entrada este primer corte sea accesible a cualquier persona que quiera disfrutar de la buena música.

“Forced Entry” es un tema de 10 minutos de duración que nos sorprende con un inicio que cuenta con unos efectos de teclado realmente eléctricos y enigmáticos a los que rápidamente se incorporan las voces claras de Tor Oddmund Suhrke, vocalista de la banda. Aunque no lo mencioné en la primera pista, la batería destaca no sólo debido a la técnica y ejecución que podemos escuchar a lo largo de todo el tema, sino también a los marcados cambios de ritmo. Del vocalista se podría decir lo mismo. Muchos cambios de registro, y cuando alarga las voces o intenta llegar a los agudos, lo consigue dando la sensación de que puede realizar su trabajo a la perfección, y al menos en estudio el aspecto vocal del disco es sublime. El efecto que escuchábamos al principio se irá repitiendo a lo largo del tema y será el hilo conductor que irá dando paso a los diferentes pasajes, siempre progresivos. A la mitad, la guitarra nos deleitará con una serie de espectaculares solos que llevan la canción a un nuevo nivel, y que acompañados por la percusión hacen que con lo poco que va de disco ya nos quitemos el sombrero. El bajo también destaca en varios de las partes, especialmente al finalizar el primer tercio, donde nos toparemos con unos segundos lentos y relajantes.

“Restless” también abre con teclado, pero esta vez de una forma mucho más sosegada. La batería, a ritmo constante, da paso a una línea vocal que bien podría pertenecer a una canción de Muse, como comenté anteriormente. Tras unos cuantos versos el ritmo cambia radicalmente y la canción parece convertirse en uno de los hits de grupos que triunfaron en el pasado como P.O.D. o Evanescence, un rock muy comercial. Afortunadamente se trata de un amago, y la banda opta por incorporar nuevos elementos, sobrecargando la línea vocal de este corto tema que a mi juicio no ha estado al nivel de las dos grandes composiciones que abrieron el disco.

“Thorn” es la prueba definitiva de que estos chicos van a dar mucho de qué hablar en los próximos meses. Tras una peculiar introducción con un sonido similar al de una trompeta comienza un tema en el que las voces apenas parecen leídas, y a las que tras recitar varias frases se le incorporan el resto de instrumentos, al ritmo de una melodía creada en torno al sonido que escuchábamos en el inicio de la canción. Un pequeño puente en guitarra nos da un respiro e inmediatamente se vuelven a incorporar las voces, esta vez algo más duras. Se trata de un tema con marcados cambios de ritmo y en los que la musicalidad se logra gracias a elementos que hemos escuchado anteriormente: una batería constante que sabemos cambiará de ritmo, una guitarra que parece querer salirse de su línea e improvisar solos, y un teclado y sintetizadores que contribuyen a la atmósfera y perfecta armonización del resto de instrumentos. Esta vez hay que añadir los toques avantgarde y vanguardistas que dan los pequeños dibujos que hace la trompeta

“Mb. Indifferentia” no dejará indiferente a nadie. Unas notas de piano sobre una producción que hace sonar los altavoces como si se tratara de una canción antigua dan el paso a una composición en la que primeramente llama la atención el bajo, además del propio teclado. Se trata de un tema muy melancólico en el que el cantante parece que vaya a arrancar a llorar. La guitarra parece acompañarle con su sentimiento, y por momentos parece darle el relevo e incluso hacer un dúo con él. En otras ocasiones ésta, totalmente transformada y convertida en acústica, sencillamente da la entrada a las voces, que siempre estan acompañadas pero llegan a destacar tanto que parecen estar cantando a capela, algo que contrasta con los últimos momentos, donde los tonos llegan tan alto y la canción se vuelve tan enérgica que la melancolía se convierte en esperanza y en superación

Cambio radical. Es al sobrepasar el ecuador de esta obra cuando nos tomamos con “Waste Of Air”, un tema que realmente parece consumir nuestro aire ya que es pura energía y puro virtuosísmo. El grupo parece reinventarse y nos muestra una composición que si no llega a ser porque es bastante dura, podría haber salido de alguno de los discos de Dream Theater. La canción es tan diferente que las voces se vuelven irreconocibles, claramente forzadas y cambian hasta en la producción. Sin embargo, eso no quita que escuchemos unas ideas que van camino de convertirse en marca de la casa, ya que han estado presentes durante los temas anteriores.

“Mediocrity Wins” comienza con una de nuevo chocante introducción que comienza tras el final en seco del corte anterior. La producción parece mejorar por momentos, y nos encontramos con un tema en el que podemos apreciar a la perfección todos los instrumentos, tanto individualmente como funcionando perfectamente en armonía. Durante los 6 minutos se hace bastantes experimentos vocales que van desde los susurros hasta las partes más limpias y claras del álbum, pasando por los efectos que disfrazan completamente al vocalista.

Un fade out nos mete directamente en otro tema que abre muy a lo Dream Theater. “Cryptogenic Desires” dura tan sólo 3 minutos, pero éstos son suficientes para disfrutar de una interesante composición que mezcla la tranquilidad del piano con la fuerza de la batería y rasgados de guitarra, y que encima tiene una línea vocal bastante pegadiza. Todo ello sobre una base muy progresiva, y en la que no puedo dejar de mencionar al vocalista, una de las grandes sorpresas de éste álbum.

“Acquired Taste” se presenta como un medio tiempo que abre con un piano y un batería que utiliza mucho los platillos. Según evoluciona escuchamos que, sin quitar protagonismo a éstos elementos, se incorpora una guitarra muy machacona a la que más tarde seguirá el propio teclado. Las voces llegan de nuevo muy alto.

“Painful Detour” cierra el disco mezclando muchos de sus elementos. La primera parte es completamente progresiva, y podemos encontrar momentos en los que la canción suene relajada y otros en los que la batería y voces le proporcionan una fuerza y potencia destacables. Se trata de un tema de 8 minutos, algo que si bien no llega a resultar excesivo, sí que creo que habría tenido mejor cabida en otra posición. Aunque eso no quiere decir que nos aburramos, y de hecho al finalizar nos quedamos con ganas de escuchar alguna canción más. Éste último tema aporta también alguna parte en la que destaca completamente una marcada guitarra rítmica que es rasgada una y otra vez e introduce una nota speed en este Bilateral. Respecto a la guitarra solista, destacable de nuevo, y la forma de poner el punto final, en piano, es sublime.

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Aunque no hay punto de comparación, he de decir que escuchar este disco me ha producido una sensación parecida a la que me produjo Opus Eponymous de Ghost, y eso es algo muy bueno. La mezcla de estilos, esta vez tirando más por la parte progresiva y dejando un poco de lado partes más duras —aunque las hay—, hacen que disfrutemos a la vez del metal más progresivo y a la vez de un rock muy fresco. La producción si cabe es aún mejor que las propias composiciones, y en prácticamente cada canción podemos escuchar a la perfección cada uno de los elementos que las componen. Escuchad este álbum con unos buenos altavoces o auriculares y disfrutaréis de una experiencia plena. Una experiencia que sin duda os dejará con ganas de escuchar trabajos anteriores, ya que Bilateral es toda una sorpresa.

Fecha de lanzamiento: 22/08/2011
Discográfica: InsideOut Music
Compra el disco: Amazon
Tres canciones destacadas: “Forced Entry”, “Thorn”, “Waste Of Air”

Imagen: Bjørn Tore Moen

Hace unas semanas os revelábamos la lista de canciones del primer trabajo en solitario de Simen Hestnæs, más conocido bajo el pseudónimo de ICS Vortex. Tal y como prometíamos, hemos podido disfrutar de éste álbum unas semanas antes de su lanzamiento y a continuación me dispongo a explicaros por qué nos ha parecido sumamente interesante.

Simen fue para muchos la parte que realmente destacaba del Dimmu Borgir de trabajos como Spiritual Black Dimensions o Puritanical Euphoric Misanthropia, que alejaban al grupo del black metal convencional añadiendo voces limpias y de ópera, y lo acercaban más a un estilo propio en el que reinaba la velocidad, la orquestación, y la limpieza de producción. Fueron unos trabajos con mucha fuerza, pero que con el paso de los años acabaron con el despido no sólo de Simen sino de otra de las partes claves del grupo, su teclista Mustis. Recordaré los días antes de la codicia y la industria de la música acabaran reinando en Dimmu Borgir, dice el vocalista.

Desde entonces se especulaba con un posible proyecto en solitario, aunque hasta hace bien poco no había nada en claro, y las apariciones de Simen en el mundo de la música se limitaban a cortas colaboraciones en grupos como Borknagar, donde volvía para hacerse cargo de las labores de bajo en directo y para grabar las voces en una canción. 2011 supone un año especial para el, ya que no sólo se ha anunciado su regreso como miembro oficial de éste grupo, Borknagar, sino que en unos días verá el lanzamiento de su primer disco en solitario, Storm Seeker, el cual os detallo a continuación:

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“The Blackmobile” es el tema que pudimos escuchar de adelanto, y que en apenas 3 minutos nos demuestra lo que nos va a ofrecer el trabajo. Toda una declaración de intenciones en la que sorprende su similitud con otros trabajos de black metal moderno, y en la que sin duda destaca la voz de nuestro protagonista, en un tono más agudo de a lo que nos tenía acostumbrados últimamente, algo que no escuchábamos desde Puritanical Euphoric Misantrophia o incluso antes. Pese a tener todos los elementos de un grupo como pudiera ser Dimmu Borgir —antes de incorporar tanta orquestación—, también reina un ambiente muy rockero, con unos riffs y solos de guitarra -01:55- clásicos del género. La canción esta en todo momento acompañada por los efectos de sonido de éste blackmobile, que la verdad, suena muy bien.

“Odin’s Tree”, el árbol de Odín nos ofrece una canción algo más lenta que la anterior pero con la misma fuerza y también muy melódica. Las voces de Vortex no son tan agudas, y esta vez usa varios registros a lo largo de todo el tema. Un tema del que son protagonistas, junto con tal vez la batería y la guitarra, muy armónica, que irrumpe entre verso y verso. Llegando al final encontramos un gran sólo de guitarra, aunque lamentablemente no destaca ya que queda en un segundo plano, detrás del resto de elemetos. El final me ha parecido genial.

“Skoal” cambia de tercio. De primeras se ve que se trata de un medio tiempo. El comienzo me recordó mucho a algún tema de Sheol de Naglfar, y a los pocos segundos podemos escuchar una melodía muy limpia a la que se incorpora la voz, de nuevo muy aguda, del protagonista. A los riffs limpios se les suman, muy en el fondo, melodías en teclado que suenan mucho al sonido que popularizó Deep Purple, el de los órganos Hammond.

“Dogsmacked”. Curioso título y curiosa canción. Con unas melodías muy melódicas que se podrían comparar con alguna de las de los clásicos In Flames, se nos ofrece una canción en la que Simen explora nuevos registros, y en la que hay constantes cambios en cuanto a la percusión. La velocidad también cambia por momentos según nos aproximamos al final. Para mí, uno de los temas destacados del trabajo.

El harmónico con el que comienza “Aces” nos introduce en un tema que sigue la tónica de los anteriores, aunque tal vez en este predomine más la guitarra, que aunque como en el resto de canciones acompaña al tema durante toda su duración, va apareciendo muy regularmente en forma de harmónicos que casan a la perfección con la línea vocal.

“Winward” aporta, si cabe, una nueva forma de cantar al álbum, aunque sólo en unos cuantos momentos. Parece que Simen simplemente se dedique a cantar, sin forzar lo más mínimo la voz, y obviando su tono, los agudos bajan mucho y podemos disfrutar de algo más habitual en otros cantantes. Destacable es de nuevo el uso de órganos en el fondo, la atmósfera conseguida, y el riff que abre la canción. ¡Ah! Y por supuesto los solos que podemos encontrar pasando de la mitad y al final. Otro muy buen tema.

“When Shuffled Off” comienza con una línea vocal que se divide en los dos canales del estéreo, jugando con el volumen en su inicio. Éste medio tiempo agrupa gran parte de los registros que podremos escuchar en el disco, y tal vez sea el mejor si queremos hacer un preview de lo que Vortex puede ofrecer como cantante, aunque las partes son tan cortas y separadas que no nos harán apreciarlo. Además, en varias ocasiones podemos escuchar lo que parece un grito que se funde con los teclados, resultando en un efecto muy interesante, y por qué no decirlo, raro.

“Oil In Water” abre con una voz enlatada, producto del uso de efectos, y que sorprendentemente desemboca en una canción en la que la producción de las voces es realmente limpia. Limpia si no fuera porque parece que de vez en cuando se modulara, tal vez en un intento de representar lo que pasa cuando vertimos aceite sobre el agua. Aquí si que podemos ver quién es Vortex. Respecto a la base musical, se trata del tema más progresivo del trabajo, algo que aporta frescura ya que, sobre todo los primeros temas, parecieron tener demasiadas cosas en común.

La canción que da nombre al disco, “Storm Seeker”, comienza con una introducción que también podría haber sido sacada de un disco progresivo. Grupos como Yes o Porcupine Tree se me vienen a la cabeza, y poco a poco nos introducimos en el tema más sinfónico y melódico del trabajo. De nuevo hay que quitarse el sombrero ante la voz y la producción de esta, de nuevo muy limpia, y esta vez no enturbiada por el sonido del resto de elementos. “Storm Seeker” cuenta con varias partes, muy diferenciadas. Se comienza con una intro puramente instrumental, para continuar con la entrada de la voz que cambiará de forma durante varios pasajes. A la mitad una melodía en guitarra nos dará unos segundos de respiro, para volver a una línea vocal con varias capas y varios registros, que de nuevo se interrumple con la entrada de la guitarra acústica. Señor Simen, éste tema podría haber aparecido en un disco de hace varias décadas. Buen trabajo.

Entramos en la recta final del disco. “Flaskeskipper” retoma las guitarras púramente rockeras que perdimos de vista en los temas anteriores. Un riff memorable abre una canción a la que se incorpora una voz de una forma muy peculiar. Lo hace repitiendo las mismas líneas, en lo que parece ser un intento de imitar ese efecto que hemos oído en tantas ocasiones. No hay forma de explicarlo, y tendréis que esperar a oírlo para sacar vuestras conclusiones.

Éste corto tema culmina en la que es la última canción del disco: “The Sub Mariner”. Como comprobaréis desde el principio, se trata de algo totalmente nuevo que no habíamos podido escuchar antes en el disco —aunque tal vez si en alguno de los proyectos de Dan Swanö—. Lo que creemos que es una introducción comienza de forma muy eléctrica, y parece sacada de un juego del Spectrum o de algún sistema de 8-bit. Poco a poco se van incorporando más efectos de sintetizador, aunque lamentablemente no nos lleva a ningún lado. En mi opinión, al disco le falta una canción con la que culminar este interesante “The Sub Mariner”.

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Storm Seeker es una interesante obra en la que podemos disfrutar de un Simen “ICS Vortex” Hestnæs que no habíamos oído nunca. No sólo me refiero a las voces, que en parte debido a la producción, puede que no suenen tan, digamos, sinfónicas como en otros trabajos, sino a las composiciones que aquí encontramos, que a veces nos hacen sorprendernos con los gustos del artista.

Pese a contar con ésta voz, la mayor parte del tiempo no nos acordamos de bandas como Dimmu Borgir, principalmente porque Storm Seeker no es un disco de black metal sinfónico, sino un experimento más bien centrado en un metal melódico que a veces suena bastante rockero. Como habéis podido leer en el rundown, también se incorpora cierto sonido setentero gracias a la utilización de lo que parecen órganos Hammond, aunque salvo en contadas excepciones como la canción que da nombre al trabajo, no nos sentimos allí, obviamente por el resto de elementos.

Hay muy buenas ideas, y de hecho aunque aquí abajo os recomiendo tres de los mejores temas, me ha sido realmente difícil elegirlos debido a la gran calidad de las composiciones y a las ideas que éstas aportan. Si sois seguidores de Simen, si os gusta el metal melódico, pero también si os gustan los nuevos experimentos y las melodías rockeras incorporadas a lo que parece una evolución del black metal, no dejéis de escuchar el disco. Quedaréis, cuanto menos, satisfechos.

Fecha de lanzamiento: 22/08/2011
Discográfica: Century Media
Compra el disco: Amazon
Tres canciones destacadas: “Dogsmacked”, “Oil In Water”, “Storm Seeker”

Tercer y último día de festival, y como es habitual, Tuska Open Air abría sus puertas una hora más tarde, dándonos la posibilidad de descansar y recuperar fuerzas para lo que nos quedaba, y cerraba también una hora antes, por si álguien tenía ganas de celebrarlo en alguna de las afterparties que cada día se celebraban en la capital finlandesa después del festival.

Para muchos el día empezaba con la actuación de Impaled Nazarene, aunque con la resaca de los grandes conciertos que pudimos ver el día anterior muchos ya teníamos la sensación de tener los deberes hechos, y en mi caso sólo estuve presente de pasada para ver que tal. Y, ¿qué puedo decir? Se trata de un grupo finlandés, viejo conocido por muchos, que tiene nada más y nada menos que 11 álbumes en su haber, todos ellos cargados de metal extremo no únicamente en sus composiciones, sino también en sus letras, que en varias ocasiones han sido censuradas. Si bien no soy partidario para nada de la censura, estos tíos sí que se han pasado a veces. Pero bueno, eso no quita que ofrecieran un buen espectáculo, o eso parecía, con un líder realmente volcado en la actuación, como acostumbra.

Kvelertak

Rápidamente me desplace al escenario en el que se celebraría uno de los conciertos que más sorprendió del festival, y tal vez el más espectacular. Se trataba de la actuación de los noruegos Kvelertak. Este grupo, del que ya os hablé una vez, hace uno de los estilos más raros y originales de la actualidad, lo que la convierten en una banda única. Se trata de una mezcla entre black metal, punk y los riffs más rockeros que os podáis imaginar.

Ya me lo habían dicho, pero tenía que verlo por mi mísmo: su directo es sencillamente impresionante. Con tan sólo un trabajo en su discografía, la organización decidió cederles el segundo escenario, EMP Stage, durante una hora entera. En ese tiempo no solo tocaron cási la totalidad del disco, sino que bajo un sol abrasador ofrecieron un espectáculo digno de quitarse el sombrero. Primero, los guitarristas no dejaban de mover y lanzar sus guitarras al unísono, en una bonita coreografía, cada vez que tocaban una de sus rockeras melodías. Segundo, su cantante principal y frontman, Erlend Hjelvik, no dejaba de moverse por el escenario, en el que trepó por uno de los laterales y llegó a subir 10 metros de altura mientras cantaba. Los encargados no le quitaban el ojo de encima, y no era para menos. Minutos después, y en plena canción, bajó con el público para agradecer a los fans un apoyo que era claramente propiciado por su potentísima actuación.

De nuevo en el escenario, los nórdicos volvían a sorprendernos ya que en mitad de una de las canciones Hjelvik levantó en vilo a uno de los guitarristas, que se encontraba tocando un sólo, y lo movió a la izquierda del escenario sin que esto afectara a la canción. Nadie quería que la fiesta terminase, aunque lo hizo, nada más y nada menos que con el showman lanzando su micrófono atrás y tirándose sobre la gente, que lo cogió y lo iba moviendo de un lado a otro cual balón de playa. El concierto acabó con un público entusiasmado y un cantante que había desaparecido entre él. Más tarde, en la noche de Helsinki, podríamos verle en un conocido local, junto con el resto de la banda, bebiendo para celebrar la grandísima actuación. No puedo esperar para verlos de nuevo en Wacken Open Air.

Meshuggah

El primero de los tres grupos que tocarían en el puesto de honor que supone el Radio Rock Stage eran los suecos Meshuggah. Se trata de una de esas bandas que siempre he querido escuchar más a fondo ya que creo que tienen el potencial y las suficientes buenas ideas para destacar sobre otros grupos, y además hacen un estilo que particularmente me atrae mucho. Una especie de thrash metal que casi llega a death, con toques modernos y realmente técnicos.

Con un sonido muy fuerte que hacía girarse incluso a los que no atendían al concierto, abrian con el que es uno de los clásicos de la banda, “Rational Gaze”, del disco Nothing, publicado en 2002. El set duró algo más de una hora en la que se tocarían otros nueve temas, siempre bajo el sol abrasador del que por supuesto la banda se quejó como muchas otras, pero sin que eso afectara a un espectáculo que si tuviera que resumir a una palabra, sería potente. Éste cerraba con la que es para mí la mejor canción del grupo, “Future Breed Machine”, que define lo que es Meshuggah.

Shining

A pesar de coincidir en media hora con Meshuggah —y con la firma de autógrafos de Amon Amarth— tuve tiempo de pasarme a ver a Shining, que tocaban en el nuevo escenario Club Stage. Se trata de uno de los muchos grupos que utiliza el nombre Shining para autodenominarse, pero en éste caso me refiero a la banda de black / death sueca. Cargados de controversia ya que en el pasado han protagonizado escenas que involucraban automutilación en el escenario, la música de este grupo se caracteriza por crear una gran atmósfera sobre una base puramente black.

En ocasiones y debido a esa atmósfera podríamos decir que estamos escuchando composiciones que tienen mucho que ver con Opeth, aunque por supuesto salvando las distancias. En el poco tiempo que estuve, he de decir que de nuevo el sonido de la sala me sorprendió, y el del grupo también. Tras una de las canciones, alguien en las primeras filas gritó algo así como ¡Córtate! al cantante, a lo que éste respondió en un tono serio Córtate tú. Nosotros sólo hacemos esas cosas para reírnos de la gente como tú, que luego nos imita. Un grupo que sin duda se toma bastante en serio su música.

Amorphis

La actuación de los locales Amorphis estuvo protagonizada por el buen sonido y la buena respuesta del público ante el Radio Rock Stage. Se trata de un grupo que ha lanzado disco hace muy poco —The Beginning Of Times—, y que a lo largo de sus trabajos se ha ido posicionando como una de las mejores opciones para escuchar un metal melódico muy fresco, y distanciado de estilos algo menos accesibles que ellos mismos han tocado en el pasado.

Entre las piezas que nos ofrecían se podía escuchar “Sky Is Mine” y “You I Need”, de sus dos últimos trabajos y que por lo visto habían estado sonando en las radios finlandesas desde que fueron lanzadas. Una de las cosas que me sorprendió del concierto, que en todo momento fue bueno aunque sin llegar a sorprender en mi opinión, fue la inclusión en el setlist de “Into Hiding”, una canción que tiene más de 15 años, del álbum Tales from the Thousand Lakes.

Turisas

Entramos en la recta final, y lo hacemos con un grupo que supuestamente tiene unos directos tremendos. Lamentablemente, éste no lo fue. Turisas son un grupo moderno, con tan sólo 3 discos en su haber, y que a la vez es uno de los más populares hoy en día en Finlandia. Aprovechando el tirón de otras bandas que mezclan folk con metal, la puesta en escena fue realmente espectacular, con un escenario cargado de banners y banderas que representaban el artwork de su última propuesta Stand Up And Fight, y con un grupo al completo que estaba caracterizado para la ocasión.

Desde el principio, con las primeras notas de “To Holmgard and Beyond”, el público podía comprobar que la orquestación, que en parte estaba grabada, y los teclados y acordeón de la mano de Netta Skog no disponían del volumen adecuado, quedándose muy atrás de las guitarras y arruinando gran parte de la gracia que tiene la banda. Afortunadamente y con el paso de las canciones, los técnicos de sonido solucionaron los problemas, justo para hacernos disfrutar de los temas más animados, que llegarían al final del concierto. Si bien el sonido no acompañó en todo momento, el público si lo hizo, y prácticamente todos los asistentes se apostaron delante del EMP Stage para disfrutar del espectáculo.

Amon Amarth

¿Amon Amarth cerrando el festival de metal más grande de los países nórdicos? Bueno, una de las palabras que va unida a la banda sueca es nórdicos, pero he de confesar que cuando supe que ellos cerrarían el festival, me sentí algo decepcionado. No me malinterpretéis, me gustan Amon Amarth, pero no hasta ese punto. Sin embargo, he de decir que disfruté del concierto como un enano.

Los suecos tocaron un total de 18 temas, y en la mayoría de ellos hicieron enloquecer al público, que entraba y salía del mosh pit como podía. Al tratarse de un grupo bastante duro y del último concierto del festival, los encargados de seguridad estaban muy atentos a este mosh pit, con el que como ya os conté el primer día, me quito el sombrero. No sólo por los encargados de seguridad, siempre atentos a que nadie se hiciera daño, sino por los propios participantes, que estaban más preocupados de los demás que de ello mismos. Durante todo el setlist se celebraron unos cuantos wall of death —la gente se divide en dos partes y ambas cargan entre ellas—, y el último de ellos abarcó absolutamente toda la longitud del escenario. Impresionante.

Respecto al concierto, el sonido fue muy bueno desde el principio, aunque tal vez las canciones de Amon Amarth no son lo suficientemente variadas, y además el cantante tuvo algún problemilla con un micrófono inalámbrico que no quería funcionar. No fue problema para que se interpretaran canciones como “Destroyer Of The Universe”, “Guardians Of Asgaard” o “The Pursuit Of Vikins”, con la que cerraron. Al calor que hacía a las 9 de la tarde en Helsinki se sumaba el fuego y la pirotecnia que la organización había preparado en el escenario, y que culminaba con una lluvia de chispas que dejaba al público cansado pero satisfecho. Había terminado, un año más, Tuska Open Air.

Como conclusión, y como ya dije, reitero que Suvilahti ha sido un muy buen sitio para celebrar este decimocuarta Tuska, y que la ausencia de zonas verdes se ha cubierto con un sitio más amplio y que además dispone de sombras y lugares de descanso para los asistentes. El ambiente no ha cambiado: muy buen rollo, buena música y ésas cosas que sólo pasan en Finlandia. El año que viene volveré sin duda, y espero volver a haceros una crónica del que para mí es uno de los mejores festivales del mundo. Pero antes, toca visitar el pequeño pueblecito de Wacken, cerca de Hamburgo, donde ya ha empezado la duodécima edición de Wacken Open Air, festival en el que ahora me encuentro y del que espero hablaros en las próximas semanas.

Imágenes: Amelie Lund

Para entender a The Horrors, además de saber que hacen un estilo post-punk que mezcla lo alternativo con, en oportunidades, el estilo gótico (sí, así como se leen), hay que tener claro que la mayoría de sus integrantes, sobre todo Rhys Webb, Faris Badwan y Tom Cowan, quienes son los amigos que terminaron formando la agrupación, tenían un gran interés por dos estilos musicales: el garaje de los 60s y la música oscura de la misma época. Teniendo esto en cuenta se puede entender por qué la agrupación se llama como se llama, tiene el look que tiene y eligió los pseudónimos que eligió.

Lo mejor que hace esta agrupación es mezclar los sonidos de todas esas viejas bandas misteriosas precursoras y sacar algo que logra llamar muchísimo la atención junto con una lírica que, por momentos, está llena de interesantes frases. The Horrors nació en Southend, Inglaterra, hace seis años y si bien lograron causar mucha curiosidad no sólo por su música sino también por la vestimenta, los apodos y el arte que giraba alrededor de la agrupación que acompañaba su música “oscura”, nadie sabía dónde terminarían ni dónde se dirigían pero, después de este tiempo parecen haber encontrado un interesante rumbo y un sonido propio cosa que, como sabemos, en muchísimas oportunidades es para muchos imposible.

Strange House, su primera producción que fue lanzada en el 2007, se sintió rara. No mala, sino rara. Era un disco conceptual que logró llenar las expectativas y logró levantar un hype importante entorno a una banda de post-adolescentes que prometía. Cuando llegó Primary Colours había mucho, muchísimo, que demostrar. Este disco, que llegó en el 2009, tenía un aire muy melancólico pero, al mismo tiempo, mantuvo ese oscurantismo y euforia con el que habían nacido.

Y así es como llegamos a Skying que, en un primer momento, no me terminaba de convencer pero que no quería que así fuera. “En muchas oportunidades la primera escucha no me resultó interesante de muchos discos que, más tarde, terminaron siendo mis favoritos”, pensé. Quise darle más oportunidades y, aunque no tenía tantas ganas, le seguía dando play a mi reproductor. Menos mal que así fue, porque después de haberlo hecho unas cuantas veces llegué a la conclusión que Skying es un gran avance en su carrera. Tanto que podría decir que The Horrors es una de las agrupaciones más importantes que hay dando vueltas no sólo por el sonido que lograron crear a través de estos años de evolución sino también a la poesía de sus letras.

El juego se abre con “Still Life” que fue el primer single de Skying que, básicamente, se trata de un tema excepcional. ¿Por qué? Porque aquellos que no hayan escuchado anteriormente a The Horrors se enamorarán con la canción. Simple pero, al mismo tiempo, con todo lo necesario para poder meterse en nuestro cerebro y quedarse ahí dando vueltas unos días llamándonos la atención. Diciendo “aquí estoy”. Sintetizadores, un órgano angelical y un bajo que marca el ritmo constantemente. Hasta algo de britpop (no, no se puede escapar a los orígenes) que, por momentos, me hacen recordar a Stone Roses con el Monkey Man a la cabeza.

“Changing The Rain” abre la producción de una manera correcta con ritmos tribales hasta que llega Joe Spurgeon con una batería muy funk que vale la pena escuchar con detenimiento y desgranar. Pero la cosa continúa con “You Said” y algo de amor por el que Faris implora: “You gotta give me love, you gotta give me more”. Por momentos los sintetizadores y las guitarras psicodélicas toman el protagonismo como sucede en “I Can See Through You” mientras que, en otras oportunidades, aparecen raras trompetas que nos harán pensar que estamos ante una obra clásica, como sucede en “Endless Blue”.

Una de las obras de arte que lograron crear en Skying es, sin lugar a dudas, “Moving Further Away”. Este track mezcla lo mejor de The Horrors. Los sintetizadores voladores, el groove único que sólo ellos saben crear, una base de batería magnífica que acompañará durante toda la canción para, modificarse por momentos pero sólo para darle ese toque horroresco. Si a todo eso lo metemos en una licuadora junto con la voz de Badwan lo que saldrá es la masterpiece de la producción.

Hay que tener algo muy claro. Skying, de las tres producciones que lanzaron los chicos de The Horrors*, es la primera que ellos mismos produjeron. ¿Qué significa esto? Que hubo absolutamente cero influencia que proviniera desde fuera de la agrupación. En muchas oportunidades esto es una gran contra pero, en muchas otras -y esta es esa ocasión-, esta es una gran elección que les permite a los integrantes de la banda conectarse como nunca y generar sonidos únicos desde la base.

Esto es The Horrors, agrupación que junto con Arctic Monkeys, están marcando el sonido de una generación.

Fecha de lanzamiento: 11/07/2011
Discográfica: XL
Compra el disco: en la página del grupo.
Tres canciones destacadas: “Still Life”, “Moving Further Away”, “Dive In”.

MyGrain

Para abrir boca comenzamos con MyGrain, locales de Helsinki que realizaron un buen directo en el Inferno Stage. Se trata de un grupo con bastante potencial en el terreno del death metal melódico, aunque lamentablemente, y al menos en mi opinión, no terminan de convencer con sus canciones. Tienen puntos que nos hacen quitarnos el sombrero y otros que parecen no encajar del todo, quedando descolgados y afectando al resto de las composiciones. En directo la cosa parece mejorar, y mucho, ya que los guitarristas no dejan de lucirse a lo largo de las piezas. Respecto al vocalista, no tiene problemas en cantar de la forma más salvaje o pasarse a registros más modernos y cercanos al metal más comercial.

Witchery

La última parte del show que ofrecieron MyGrain se solapaba con Witchery, banda sueca que realizaba su puesta en escena en el segundo escenario másm grande, EMP Stage, y que hacía a Sharlee D’Angelo ponerse por tercera vez detrás de un bajo, ya que había tocado el día anterior con Arch Enemy y Spititual Beggars. Su mezcla de estilos, últimamente más enfocada a un thrash bastante agresivo pero siempre sin dejar partes más clásicas de lado, sorprendía a muchos, aunque todavía no había llegado toda la gente al festival y eso junto con el calor hacían que tal vez carecieran del apoyo suficiente para ofrecer un concierto con algo más de tirón. Aun así, y como se suele decir, thumbs up.

Epica

Tras la hora de concierto, los asistentes no teníamos que desplazarnos demasiado, puesto que al lado nos esperaba Epica. La banda, que toma el nombre de uno de los discos de Kamelot, hace un estilo de música muy similar pero que ha evolucionado a lo largo de sus 5 álbumes de estudio, y así lo demostraron durante una hora en el mayor de los escenarios. La cantante, Simone Simons, fue sin duda uno de los puntos fuertes del show, no sólo por sus voces, que aunque parecieron flojear al principio luego funcionaron a la perfección, sino por el espectacular vestuario con el que salió a escena.

Medeia

Antes de terminar Epica, quise pasarme a ver a los tampereños Medeia, que celebraban su actuación en el Club Stage, ideal para refugiarse de las únicas gotas de lluvia que cayeron durante el festival. Nunca los había escuchado, y había recibido comentarios dispares por parte de mis amigos, las cuales creo que puedo corroborar. Por una parte me habían contado que hacían un tipo de death metal con influencias modernas y en ocasiones bastante técnicas. Por otra, que sus canciones no acababan de convencer, y llegando a sus mejores partes volvían a desinflarse. Y así fue, aunque no deja de ser un grupo que seguiré de cerca ya que tuvieron partes realmente inspiradas. No todo lo técnicas que a mí me hubiera gustado, pero sin duda interesantes.

Moonsorrow

Moonsorrow era el siguiente plato fuerte del festival. Como locales ya habían tocado en anteriores ediciones de Tuska, aunque desde la décima edición en 2007 no lo hacían. Muchísima gente se congregaba en el Inferno Stage y alrededores para disfrutar de un concierto que, a pesar de durar escasamente 45 minutos, estuvo cargado de muchos momentos épicos, buena música y sobre todo buen hacer.

Saltaban al escenario con “Köyliönjärven Jäällä”, un tema de uno de mis discos favoritos de la banda, Suden Uni. La traducción podría hacerse por algo así como En el hielo del lago Köyliö, que viene a ser el lugar donde un sacerdote, que trataba de traer el cristianismo a tierras vikingas, fue asesinado a manos de un habitante de la zona. Su nombre era Lalli, y sus motivos, que el sacerdote había visitado a su mujer en su casa, y no había pagado ni la estancia, ni la bebida ni la comida.

Le seguirían otras 4 o 5 canciones, todas de larga duración, entre las que se echó en falta “Kylän Päässä”. Es una lástima que el sonido no fuera tan bueno como el de otros conciertos celebrados en Inferno Stage. Esto cansó a algunos de los espectadores, los cuales decidían ir a refrescarse o a coger sitio en otros escenarios. Sin embargo, se perdieron los mejores momentos del concierto, con un gran final que nos dejaba a todos con ganas de más.

Katatonia

Los siguientes en tocar eran Katatonia, un veterano grupo sueco que ha pasado por varios estilos musicales a lo largo de su carrera. A día de hoy son para muchos el mejor grupo de rock depresivo que se puede escuchar, y uno de los máximos representantes de lo que puede llegar a hacer una banda con un poco de trabajo.

Con unas composiciones siempre sorprendentes, los de Estocolmo nos brindaban un concierto que contenía muchos temas de sus últimos discos, y de hecho comenzaban con la apertura del último, “Forsaker”. Con ésta escuchábamos un sonido impecable y realmente potente en el que Jonas Renkse parecía poner demasiado cuidado con las voces: sonaban calcadas a las versiones de estudio, dando tal vez la sensación de que algo no terminaba de funcionar ya que la velocidad de las canciones era ligeramente más lenta que en estudio. Afortunadamente, a los pocos minutos nos olvidamos de ello y pudimos disfrutar de un concierto con muchos buenos momentos.

Wintersun

Llegaba la hora de elegir. ¿Los finlandeses Wintersun, o los japoneses Church Of Misery? Habiendo visto en anteriores ediciones a Jari Mäenpää, pero siempre entre el público y nunca tocando, decidí buscar una sombra en la parte trasera del EMP Stage y disfrutar del directo de estos nativos de Helsinki.

Como sabeis, Wintersun es el proyecto personal de Jari, por el que abandonó Ensiferum, y que de momento sólo tiene un disco de estudio. Su segundo trabajo, curiosamente titulado Time, lleva más de 5 años retrasado, y digamos que se puede decir que es el Duke Nukem Forever del metal finlandés. Aunque parece que finalmente verá la luz este año, y el grupo ya se ha animado a tocar alguna canción en directo, como “The Way Of The Fire”. ¿Cómo suena? Pues puramente Wintersun, una muy buena canción aunque al durar más de 10 minutos, puedo decir que disfruté más de temas como el mítico “Beyond The Dark Sun”, con el que comenzaban el directo.

De la actuación, se puede decir que sencillamente fue uno de los grupos que más gente reunió, y que es impresionante ver a una banda que ha demostrado tan buen hacer con tan sólo un disco. Jari Mäempää es toda una personalidad en el panorama musical finlandés, pero sin duda también lo es su batería, Kai Hahto, que no sólo es el mejor batería del país sino uno de los mejores del mundo.

Blind Guardian

Aproximadamente a las 18:30 de la tarde, los alemanes Blind Guardian saltaban al escenario principal para presentarnos varios de los temas de su último trabajo, At The Edge Of Time, que ya tiene un año de vida y ha cosechado muy buenas críticas. Dichas canciones me produjeron muy buena sensación, y sin duda me dejaron con ganas de oír más a fondo un trabajo que he escuchado tan sólo un par de veces.

Aunque algunos compañeros me indicaban que ya llevaba un tiempo así, también me sorprendía el nuevo look de Hansi Kürsch, que ha perdido varios kilos y ya no tiene el pelo largo. Me hacía mucha gracia que entre canción y canción se refiriera al público utilizando unas voces realmente forzadas, algo que contrastaba con su voz aguda en las canciones. Daba la sensación de que si ya de por si la mayoría de temas elegidos en el setlist eran rápidos estos sonaban aún más acelerados debido al rapidísimo ritmo de la batería. Parecían Blind Guardian on steroids.

Se tocaron canciones como “Welcome To Dying”, “Valhalla”, que terminaron alargando como suelen hacer, y por supuesto “The Bard’s Song”. Personalmente eché en falta “Born In A Mourning Hall”, pero lo compensaron con “Mirror Mirror”, que cerraba el concierto.

Enslaved

A pesar de que Ghost, grupo sobre el que hace poco publicamos un excelente artículo, tocaban en el Inferno Stage, decidí ir a ver al que ha sido uno de mis grupos favoritos durante los últimos años: Enslaved.

Para quienes no les conozcan, se trata de un grupo que desde sus inicios, hace aproximadamente 20 años, ha ido incorporando elementos progresivos a un black metal que desde el primer momento sonó diferente al de otras bandas. La culminación de su trabajo llega con sus dos últimos álbumes, Vertebrae y Axioma Ethica Odini, ambos con buenísimas críticas a nivel mundial. Aunque todo hay que decirlo: Enslaved no es para todos. Se trata de un grupo muy complejo, y para disfrutarlos hay que entender su música, algo que se puede hacer fácilmente dándoles una oportunidad.

Su directo en este decimocuarto Tuska giró sobre todo en torno a los últimos trabajos, y no decepcionó a sus incondicionales. Una de las sorpresas fue “The Voices”, perteneciente a Monumension, uno de los álbumes menos aclamados de la banda.

The Devin Townsend Project

El momento que todos estábamos esperando llegó poco después de las 20.30 de la noche. Hay que destacar también esto, porque si bien hasta ahora los horarios se habían cumplido a la perfección, Devin Townsend tardó algunos minutos en salir. Sin duda, la espera mereció la pena.

La apertura la hizo ni más ni menos que el grandísimo Ziltoid, que tras agradecer su presencia en esta edición del festival, explicó al público que pese a haber intentado convencer a los organizadores de volver a tener un concierto para él sólo, este año no había colado, y en cambio tendríamos que conformarnos únicamente con Devin Townsend. Y es que hay que recordar que el año pasado el canadiense tuvo dos setlists, uno en el que se interpretó en exclusiva el álbum Ziltoid The Omniscient y otro en el que interpretó temas de The Devin Townsend Project y otros trabajos en solitario.

Tras la breve introducción, la fiesta arrancaba con “Addicted!”, del álbum con el mismo título, del que se llegarían a tocar otras dos canciones, “Supercrush!” y “Numbered!”, las tres con la guapísima Anneke van Giersbergen ayudando a las voces. Tras unas cuantas canciones de antiguos proyectos como The Devin Townsend Band, Ziltoid volvía a hacer su aparición para brindarnos “By Your Command”, uno de los temas más populares del disco de ésta simpática marioneta.

Inmediatamente después Devin nos deleitaba con “Stand”, uno de los temas mas brutales de su última obra maestra, Deconstruction, y éste era seguido por la misma pieza que le sigue en el disco, “Juular”. Tal vez se echó en falta la aparición especial de alguno de los invitados del disco de estudio para estas piezas, aunque contar con la presencia de Mikael Åkerfeldt o Ihsahn era mucho pedir. “Colour Your World” nos recordaba que no sólo Ziltoid es una marioneta, sino que todos lo somos, y tras “Hyperdrive”, que está incluida tanto en ZTO como en Addicted, llegaba el colofón final con Deep Peace y su impresionante sólo.

Durante la hora y media de concierto el público estuvo muy participativo, haciendo varias clases de ola y siguiendo siempre el ímpetu de ese gran frontman que es Devin Townsend, que supo llevarse una vez más al público de calle. Verle interpretar los solos de guitarra a través de la pantalla gigante era impresionante, con una cara a la vez de satisfacción y empeño, y viendo como el canadiense parecía disfrutar aún más que el público.

Imágenes: Amelie Lund

El hard rock en su vertiente más melódica ha resultado ser una buena idea para conquistar las listas de ventas. Aunque hay muchos artistas que explotan sin mucho acierto un filón que pusieron de moda grupos como Nickelback, Creed y mucho antes Bon Jovi, se trata de un género que combina la contundencia del rock duro con la melodía más pegadiza del pop.

Sin embargo, para que una banda de este estilo conquiste al público hace falta la personalidad y el carisma de un buen cantante. La voz es la que marca la diferencia en estos casos. Aunque en 3 Doors Down la similitud entre Chad Kroeger de Nickelback y Brad Arnold existe por el mero hecho de que ambos cantan con voz rasgada, son vocalistas diferentes. Y el público sabe apreciarlo porque 3 Doors Down sigue en pie de guerra tras casi 14 años de carrera.

Hace escasos días salió a la venta el nuevo álbum de los estadounidenses. Se llama Time Of My Life y contiene doce nuevas canciones que, si queréis, podemos escuchar todos juntos.

La primera es la que da nombre al disco. Comienza con un efecto de paneo de guitarras que acaba desembocando en un riff bastante cañero. En líneas generales es una canción sencilla, con líneas de voz fáciles de aprender y con un estribillo que hará que a todo el mundo le quede claro cómo se llama el álbum.

El siguiente corte, “When You’re Young” puede recordar por el concepto musical a las canciones más lentas de Nickelback y por la temática a “When We Were Beautiful” de Bon Jovi. Sin embargo, la marca personal de 3 Doors Down está lo suficientemente presente como para disfrutar de un buen tema de rock comercial.

“Round and Round” es uno de las mejores canciones del disco. Y lo es no solo porque una vez que la escuchas es muy difícil quitártela de la cabeza, sino por el gran trabajo de guitarras que hay, con arreglos muy preciosistas y muy armónicos, con un Brad Arnold que demuestra su propia personalidad y con una estructura in crescendo que asegura la locura en los conciertos.

“Heaven” es una de las power ballads que seguramente aparecerá en el futuro en lo más alto de la popularidad en Spotify. No es una canción innovadora porque repite el patrón de balada rock que tanto se ha utilizado, es decir, estrofas con guitarras arpegiadas sin distorsión, una voz intimista y un estribillo que conquistará muchos corazones.

El siguiente tema, “Race For The Sun” deja claro que se puede hacer de un rock contundente de calidad con melodías comerciales. Tiene una base rítmica muy presente y una producción acertada, con muchos detalles interesantes. Además, es bastante breve y, ya se sabe, lo bueno si breve…

“Back To Me” es otra canción tranquila, que se acerca más al pop que al rock aunque son dos géneros entre los que siempre ha cabalgado 3 Doors Down. Podría ser otra power ballad, pero creo que no se puede equiparar a “Heaven”, a ésta le falta algo o quizá le sobra un poco de romanticismo.

A pesar de haber sido escogido como el single, “Every Time I Go” no es el tema más comercial del disco ni tampoco el mejor. Es más bien una canción de rock con aires nostálgicos que da la sensación de haberse hecho demasiado rápido. En mi opinión le falta un poco de tiempo de cocción, aunque hay quien gusta de comer cosas crudas, ¿no?

“What’s Left” comienza con un bonito arpegio de guitarra sin distorsión y gana fuerza poco a poco. La voz de Brad Arnold nos va arrastrando sin darnos cuenta hasta llegar al estribillo. La producción de este tema tiene arreglos muy ochenteros que recuerdan a artistas como Tina Turner. Me hubiese gustado escuchar una parte sin voz, en la que hubiese un solo de guitarra o un descanso en la letra.

Parece que “On The Run” intenta seguir la estela de “Round And Round” y la verdad es que se aproxima bastante a esa, para mí, buena fórmula. A este tema le cuesta un poco arrancar, pero cuando lo hace el resultado es magistral. Me gustan los detalles más duros de guitarra, que le dan mucha fuerza.

“She Is Love” es otra canción lenta, pero distinta a las demás. Aquí el bajo tiene mucho más protagonismo que en el resto de temas y eso ya le da otro enfoque. También me gusta la simpleza y el feeling que ofrece la batería. Es una canción tranquila que sorprende al final.

Y cuando parecía que ya no quedaba más por mostrar escuchamos “My Way”, un auténtico corte de rock duro. Se echaban de menos en el disco riffs como los que tiene este tema. Tiene mucha fuerza aunque se desinfle un poco con el estribillo. Sin embargo, tiene solo de guitarra y una estructura muy dinámica que la hace fácil de escuchar.

Por último llega Believer, otro corte rápido y contundente. Aparte de ser el más breve del disco es también el que mejor solo de guitarra tiene. Pero el estribillo no se queda atrás. 3 Doors Down había reservado un gran tema para el final. De lo más destacado.

Como hemos podido escuchar, hay de todo en este nuevo disco. Es cierto que se echan en falta más canciones como esta última o como “Round And Round” y no tanta tranquilidad, pero es parte del estilo de un grupo que siempre busca la balanza entre la comercialidad y el rock más duro.

Creo que es una buena pieza de rock melódico que gustará a propios y a extraños. Al fin y al cabo el objetivo de un nuevo disco suele ser mantener los seguidores antiguos y ganar nuevos, ¿no?

Por último, me gustaría destacar el sonido y la producción - a cargo de Howard Benson- de Time Of My Life. Es absolutamente exquisito. Desborda calidad por todas partes y ya solo por eso merece la pena escucharlo.

Fecha de lanzamiento: 19/07/2011
Discográfica: Universal Republic
Compra el disco: En iTunes
Descarga el disco: En la Web
Escucha el disco: En Spotify o en Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Round And Round”, “Heaven” y “Believer”

Peter Tägtgren es uno de esos niños prodigios de la música, y más concretamente del rock y del metal moderno, que todo el mundo ha escuchado. Puede que a lo más nuevos o poco interesados en el género no os suene, pero este señor no sólo tiene un grupo de renombre en la escena, Hypocrisy, sino que se las ha apañado para colar la electrónica y el tecno y acercarlos a los metaleros más puristas con Pain.

Yo no le he escuchado en mi vida… ¿seguro? Además de ser un multi instrumentista que aprendió a tocar la batería a la tierna edad de 9 años y que más tarde se pasó a otros instrumentos como el bajo, el teclado o la guitarra, Tägtgren es una de las personas que más colaboraciones ha hecho en este estilo de música, y no sólo eso, sino que además es un afamado productor e ingeniero de sonido solicitado por grandes grupos. Dejando aparte la amplia lista de colaboraciones, Peter ha producido discos de grupos como Enslaved, Amon Amarth, Children Of Bodom, Immortal o Dimmu Borgir.

Pero hablemos de Pain. Se trata de un grupo que nació para dar salida a las composiciones que se quedaban fuera de Hypocrisy porque chocaban con ese estilo de música, pero que como he dicho poco a poco y a lo largo de sus 6 trabajos ha ido creciendo hasta hacerse con un hueco en el panorama del metal actual. Hace unas semanas lanzaron su nuevo trabajo, You Only Live Twice, que reseño aquí, y que continua los pasos de Cynic Paradise, lanzado hace ya 3 años.

Después de escucharlo durante varias semanas, he llegado a la conclusión de que en efecto se trata de un buen disco, pero bastante diferente al material antiguo. Esta vez se nos esta ofreciendo un material que en ocasiones parece descartado directamente de las nuevas composiciones de Hypocrisy , aunque en todo momento tengan un toque bastante industrial. ¿Y eso es malo? Pues hombre, no, pero nos queda la sensación de que el material no es lo suficientemente bueno y original, y sobre todo, de que las canciones aquí incluidas no son tan pegadizas como la mayoría de las que se pueden encontrar en la ya larga discografía de Pain. Como veréis a continuación, el disco esta envuelto en una atmósfera muy orquestal, y esta vez destacan bastante los teclados. Es algo que siempre había estado presente en el grupo sueco, y junto con los sintetizadores eran parte protagonista en su discografía, pero esta vez se usan de una manera más obvia y que suena más a teclado: se han usado unos tonos bastante frecuentes en el metal melódico. Hagamos un rundown de las canciones que incluye el disco, y luego comentemos:

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El trabajo comienza con “Let Me Out”, que sorprende al empezar porque empieza con una introducción puramente tecno / máquina… Enseguida entra la batería y la voz, primero a gritos y después cantando de una forma bastante más calmada. En este momento nos acordamos de los también suecos In Flames, no sólo por la forma de cantar y composición sino por los efectos de sintetizador usados en el fondo. Salvando las diferencias, bien podría tratarse de una canción del grupo. En sus 4:30 minutos y de duración nos encontramos muchos cambios de ritmo, coros, y sintetizadores. No se trata de una canción con la pegada de otras que abrieron otros discos, como “Its Only Them” o “Save Your Prayers”, aunque definitivamente tiene todos los elementos de Pain.

“Feed The Demons” empieza de una forma muy orquestal y que contiene muchos elementos industriales, desde la producción hasta los elementos que nos encontramos. Una vez arrancamos nos encontramos con una canción a medio camino entre Pain y el grupo principal de Tägtgren: Hypocrisy. Y es que el estribillo es muy pegadizo, es uno de esos temas que triunfan en los directos.

Ahora una canción rápida. “The Great Pretender” sigue el mismo ritmo durante sus 4 minutos de duración, y tal vez se trata de uno de los temas más comerciales del disco. Orientada al rock gótico de The Sisters Of Mercy, de nuevo escuchamos algunos pasajes —1:08 a 1:20, por ejemplo— que suenan a In Flames, aunque esta vez increíblemente por la guitarra y no los sintetizadores. El estribillo es pegadizo y va acompañado por teclados, algo que destaca en la parte más calmada de la canción, donde además podemos encontrarnos con una pista vocal sobrecargada y fantasmagórica.

El comienzo del tema que da nombre al disco, “You Only Live Twice”, recuerda mucho a uno de los clásicos del grupo: “Same Old Song”. Durante la mayor parte de la canción las voces son limpias y su producción no esta tan sobrecargada. De hecho, son el elemento que lleva el peso del tema. Es un medio tiempo en toda regla, que de nuevo vuelve a ser muy orquestal.

“Dirty Woman” tiene uno de los riffs más rockeros y pegadizos de todo el disco. Todo en esta canción suena mucho a rock duro, y aunque sigan acompañándonos los teclados, han desaparecido casi todos los elementos de la cara techno de Pain. De hecho lo que mas soprende en la canción es escuchar Tägtgren cantando a gritos con un cierto tono a lo AC/DC. Un estribillo pegadizo completa la canción, oh dirty womannnn.

¿Quereis más? “We Want More” nos da precisamente más de Pain en una canción bastante rápida y que de nuevo sigue las directrices de antiguos trabajos del grupo. La canción acaba en fade out, y da paso al siguiente tema.

Pain nos tiene acostumbrados a incluir una versión en cada disco, aunque lo último que yo esperaba es que fuera “Leave Me Alone”, una cover de Sonic Syndicate. Todo tiene una explicación, y aunque se trate de una versión, las letras de la original, lanzada a mediados del año pasado, están escritas por Peter Tägtgren, que ha querido recuperarlas aquí. La canción esta en todo momento acompañada del teclado con el que comienza y acaba.

Una introducción de batería abre uno de los temas más duros del disco. “Monster” tiene todos los elementos del metal industrial, y al tratarse de una canción bastante dura de nuevo habrá partes, como el estribillo, que recuerdan a Hypocrisy. La guitarra es muy machacona y esta muy bien acompañada por los efectos de sintetizador.

“Season of The Reaper” trae algo nuevo. Comienza con una introducción ambiental, y después la batería da paso a un tema realmente interesante. Entra la guitarra, de nuevo acompañada por teclados y sintetizadores que la envuelven a la perfección. Se trata de un tema a media velocidad, tirando a lento, en el que volvemos a escuchar voces claras y a tener un ambiente muy orquestal. Pasando la mitad nos quedamos con una guitarra sola, cambiando el ritmo y la melodía de la canción, que parece recomenzar segundos después para acabar de nuevo con un fundido.

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Ciertamente, este You Only Live Twice es uno de los discos más duros de Pain en cuanto a sonido y a algunas de las composiciones, aunque no por ello se trata de uno de los mejores, al menos en mi opinión. De ahí la nota. No hay que dudar de la capacidad como compositor de Peter Tägtgren, puede que estuvieramos pidiendo demasiado. Como he dicho antes, la mayoría de discos de Pain incluyen canciones realmente pegadizas: “Its Only Them”, “Same Old Song”, “Zombie Slam”, “I’m Going In”… temas que eran verdaderos himnos y que no se podían contar con los dedos de las manos ya que predominaban en los álbumes. Aquí tenemos la sensación de que se ha perdido algo.

Este nuevo disco tiene partes realmente interesantes, pero no podemos decir que las canciones acaben de funcionar en conjunto, al menos no como lo hacían en cualquiera de los antiguos trabajos, salvo tal vez los dos primeros, en mi opinión los más flojos de la discografía junto con este nuevo disco. Sin embargo, el acercamiento a Hypocrisy es algo interesante. Si mezclaramos “Feed The Demons” o “Monster” con las canciones de uno de los últimos discos de la banda sueca, seguramente pasarían desapercibidas, ya que parecen canciones directamente extraídas de uno de esos trabajos. El que también funcionen aquí hace que nos planteemos cuanto se han acercado ambos grupos y como ha crecido Pain respecto a su hermano mayor. Resumiendo, se trata de un trabajo que gustará a los fans de Pain y del metal melódico en general, pero que nos deja con la sensación de querer escuchar algo de su material antiguo, o incluso algo de Hypocrisy. Las ideas son muy buenas, pero puede ser que les falte algo de desarrollo.

Fecha de lanzamiento: 03/06/2011
Discográfica: Nuclear Blast
Compra el disco: Amazon
Tres canciones destacadas: “Feed The Demons”, “The Great Pretender”, “Dirty Woman”

Death Cab For Cutie, cada vez que lanza una nueva producción, tiene una tarea complicada pero no imposible que es, básicamente, superar lo que ha hecho en sus anteriores lanzamientos. Esta vez, 15 años después de su nacimiento como agrupación, lanzaron Codes and Keys, que se puso a la venta el 31 de mayo pasado a través del sello Atlantic. Un álbum que luce, al menos, un poco más adulto que sus anteriores discos. Lógicamente esto no es, en principio, ni bueno ni malo sino, diferente. Vamos a ir viendo qué nos brindaron estos estadounidenses en su último LP.

A diferencia de Narrow Stairs, que fue el anterior LP que lanzó Death Cab For Cutie en el 2008 y donde lo que predominaban eran las guitarras y canciones un tanto emo (sé que DCFC no es emo, pero imagino que los que lo siguen saben a lo que me refiero) aquí lo que predomina son los sintetizadores, experimentación y esa lírica relacionada al amor de la que Gibbard sabe tanto hablar y relatar.

Antes que entrar en detalle del sonido de la producción, hay que saber que Codes and Keys fue influenciado fuertemente por Another Green World de Brian Eno y, según el mismo Ben Gibbard comentó, lo hicieron en una época de su vida donde la familia para ellos es lo más importante y que haber estado alejados por poco más de un mes no fue algo que les haya hecho bien. Además aseguró que no es un álbum lleno de guitarras sino más bien de teclados vintage y con mucho juego de paletas de sonidos pre-armadas.

Todo esto que hicieron los muchachos de DCFC generó que la producción sea diferente a su catálogo y presentó un sonido mucho más suave del que estamos acostumbrados aunque con melodías igual de pegadizas que lo que escuchamos habitualmente. Muchos arreglos, sonidos que se superponen y beats que nos darán ganas de mover el esqueleto. Todo sin perder la esencia que lograron generar todos estos años. Pero si bien el sonido sigue reconociéndose, es cierto que, desde que llegaron al mainstream y se hicieron conocidos en todo el mundo después del lanzamiento de Transatlanticism en el 2003, este es su disco más popero.

“You Are a Tourist”, uno de los cortes más interesantes de Codes and Keys tiene en el sonido la marca registrada de DCFC. Cuando lo escuchen se darán cuenta por qué lo digo. Una batería que, quizás, es el instrumento más importante del track, Gibbard entrando con esa voz de post-adolescente y un sonido que va conformándose poco a poco convirtiéndose en uno solo.

El piano es el protagonista en “Home is a Fire” y los sintetizadores los coprotagonistas que se llevan en galardón de oro en esta entrega de premios musicales. Es un tema tranquilo, pacífico y progresivo que te hace pensar que en algún momento explotará y terminarán con unos beats rítmicos como si se tratase de una canción electrónica. No lo es, es una especie de balada del siglo XXI.

La canción que le da nombre a la producción también es de las más bellas. Otro tema tranquilo con el sello de Death Cab For Cutie con repeticiones de la voz de Gibbard en el fondo y una batería con un ritmo constante y potente. También con mucha onda y un groove único. La frutilla del postre se lo llevan los violines que, vergonzosamente, se van uniendo a “Codes and Keys”.

Pero hay mucho más en esta producción de la cual no cambiaría nada no porque no haya cosas que no me agraden (siempre lo hay en los discos) sino porque en Codes and Keys muestra una evolución natural en DCFC que permite divisar el crecimiento no sólo como artistas y como expertos en lo que a la música respecta sino también como pesarosas. Lo que piensan, lo que les interesa y en lo que se preocupan los cuatro miembros de la agrupación de Washington se puede escuchar a través de sus letras y sonidos.

Fecha de lanzamiento: 01/05/2011
Discográfica: Atlantic
Compra el disco: Amazon
Tres canciones destacadas: “You Are a Tourist”, “Portable Television” y “Stay Young, Go Dancing”