Comercialmente hablando, hay un antes y un después de Teen Dream en la carrera de Beach House. Y es que si bien el grupo nunca apostó por la ruta fácil para su entrega de 2010, sí supo conservar y expandir en ella sus mejores cualidades, al punto de que hasta el día de hoy es considerada por muchos como su mejor producción. La calidad de esta placa también les trajo una gran exposición en los medios, algo con lo que la banda, adoradora del misterio, no parece estar muy contenta, al menos de acuerdo con las primeras entrevistas que han dado para promocionar su nuevo intento, que sale a la venta justo el día de hoy.

Quizá por ello parecen haberse refrenado un poco en Bloom. Y es que mientras Teen Dream era toda pasión adolescente, en esta nueva entrega la banda parece haber viajado a esferas más etéreas y subliminales, envuelta en capas de misterio rebosadas con órganos de todas las texturas y colores, baterías que entran y salen según los requerimientos y la voz de Victoria Legrand quizá un poco más aguda de lo habitual y menos dominante.

Hay que decir sin embargo que a primera vista esta placa no se separa del sonido que el dúo ha venido trabajando desde sus inicios. De hecho, podríamos decir que Beach House no  apuesta por la innovación en esta entrega. Y sin embargo, una concienzuda revisión de las canciones, acompañada del regreso de sus anteriores producciones a nuestra lista de reproducción, nos mostrará que el grupo no ha permanecido totalmente inmóvil en cuestiones auditivas ni estéticas. Porque con cada nuevo paso los de Baltimore han sabido pulir su sonido hasta abandonar las oscuras profundidades y el sonido lo-fi de sus primeros discos, ofreciendo a cambio un sonido más trabajado, mejor producido y ligero en sus más recientes álbumes.

De hecho, una de las palabras que podrían ayudarnos a definir este disco es etéreo. Porque mientras Teen Dream era muy terrenal en sus fijaciones, este trabajo flota por nubes y atmósferas alejadas del piso, un sentimiento que se ve reforzado tanto por los coros como por los órganos, sintetizadores y teclados de texturas ligeras y la capacidad de la banda para llenar cada segundo de manera elegante, pero también para saber callar en el momento preciso.

Curiosamente, el track con el que abre la placa es quizá el que menos nos ayudaría a definirla. “Myth”, que seguramente han estado escuchando en eterna repetición como yo desde que la banda lo ofreció como adelanto de la producción, es apasionado, cargado y mucho más grave que el resto de sus compañeras. Tiene además un ritmo mucho más fácil de digerir, algo que, conforme vayamos avanzando en el disco, nos daremos cuenta que no es la norma sino la excepción.

Hay por supuesto joyas que brillan en medio de tracks más cerrados y crípticos, no tan inmediatos. Entre estos está “Wild”, en el que el dúo recupera la tradición de bandas como Cocteau Twins e incluso hace caso de agrupaciones contemporáneas como School of Seven Bells para formar un tema un poco más estructurado y rítmico, en el que la guitarra de Alex Scally parece responder a la voz de Legrand mientras la batería lleva la electrónica en el fondo.

También sobresale el tema que parte a la mitad a la producción: “Troublemaker”, una melodía a medio ritmo llevada por la guitarra de Scally con algunos tonos de órgano en la que Victoria canta anhelantemente: “Some day out of the blue it will find you. Always, always a face to remind me: Someone like you, someone like you, someone like you (Algún día te va a encontrar de repente. Siempre, siempre una cara que me recuerde a alguien como tú…)”.

En este rubro también está la encantadora “On The Sea”, comenzada por un pianito juguetón y que sube en intensidad mientras Legrand anuncia el final; al igual que “Irene”, melodía que juega con diversas intensidades a lo largo de sus seis minutos de duración, pulsando saturada algunas veces y contenida en otras hasta llegar a su parte oculta, el track complementario “Wherever You Go”.

Entre los tracks medianos, que no malos, están “Other People”, con una estructura mucho más tradicional y un apasionado comienzo cortesía de Victoria; “The Hours”, en la que Scally luce sus habilidades con la guitarra; el dream-pop de altos vuelos contenido en “New Year” y finalmente “Wishes”, que sobresale gracias a su poderoso (en el mundo de Beach House por supuesto) solo de guitarra y una segunda parte muy juguetona que sabe a despedida.

Finalmente, el track más flojo a mi parecer es “Lazuli”, canción que no me gustó desde que lo pusieron como adelanto y que me pareció más flojo todavía al estar rodeado de dos cartas fuertes como lo son “Wild” y “Other People”.

Finalmente hay que decir que, con todo y sus ganchos, esta es definitivamente una producción a la que es necesario escuchar con atención, paciencia y en repetidas ocasiones para develar sus secretos, pues no es tan inmediata como su anterior disco. Algo que bien puede ser la respuesta de la banda a tanta exposición mediática, llegada precisamente luego del triunfo de Teen Dream. Así, Bloom se muestra mucho más atmosférico y críptico, enganchado en su propio deleite más que en las opiniones o visiones del mundo exterior.

En él, la voz de Victoria y sus teclados preguntan, responden y complementan de manera perfecta a las guitarras de Scally, que a su vez ofrecen cuestionamientos y soluciones a asuntos cercanos a lo celestial, apoyado en la batería y las cajas de ritmos de Daniel J. Franz (baterista en su tour). Porque Beach House flota en nubes en este intento, revoloteando en un mundo propio al que sólo tienen acceso aquellos capaces de comprender sus signos y compases.

Esta cualidad etérea es sin duda una de las mayores fortalezas de este disco, que también ofrece un sonido no renovado pero con trucos diferentes, quizá habilidades mejor aprendidas o tal vez mejor producidas. Y es que, a pesar de que la entrega definitivamente no contiene ninguna novedad sonora, y a que hay momentos en los que alcanzas a distinguir algún acorde o progresión utilizados en el pasado, en ningún momento sientes que este álbum sea la segunda parte de cualquiera de sus anteriores discos.

Ahora, la pregunta que tal vez se estén haciendo aquellos que todavía no han escuchado la producción es: ¿es mejor que Teen Dream?. La respuesta es un rotundo no. Tal vez sea la producción excesivamente pulida, sus mismas cualidades volátiles o la falta de disposición de la banda para el cambio, pero por momentos pareciera que falta algo con lo cual asirse a la tierra para dejar de ver tanto blanco y azul.

Claro que esto no significa que el disco sea malo. De hecho, en él podemos encontrar la calidad a la que nos tienen acostumbrados este dúo. Hay momentos brillantes, acordes tremendos y voces fuera de este mundo. Porque en Bloom Beach House ha sabido verter sus mejores atributos, en esta incasable búsqueda por la melodía (que no la canción) perfecta. Al final es un hecho que no les gustan las estructuras, las etiquetas y mucho menos quieren convertirse en una banda demasiado importante.

La conclusión a la que podemos llegar es que Bloom es un buen regreso, que no necesariamente les gustará a todos, es verdad, pero que sabrá premiar a aquellos con la suficiente paciencia y disposición para subir y permanecer en otras alturas. Beach House es una banda fina y elegante en lo mejor de estos términos, y ahí está esta nueva producción para probarlo.

Fecha de lanzamiento: 15/05/2012
Discográfica: Sub Pop y Arts & Crafts en México
Compra el disco: en Subpop y Arts & Crafts.
Escucha el disco: en Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “Troublemaker”, “Wild” y “On The Sea”

La portada del nuevo disco de Spiritualized ha dado mucho de qué hablar desde que se dio a conocer. Hay quien la relacionaba con algún tipo de símbolo relativo a la medicina o a la salud y también quien la interpretaba como una simple tapa provocativa y burlona. En realidad, creo que ambas opciones pueden combinarse y podría sacarse una conclusión válida para explicar la razón de ser de este diseño.

Jason Pierce, el líder de la banda, está viviendo una etapa complicada. Mucho ha cambiado desde los años 80, en los que era el vocalista de Spaceman 3. Por aquel entonces, no tenía ningún problema en reconocer que consumía -muchas- drogas. Más tarde, en el 2005, sufrió una doble neumonía que le hizo perder mucho peso y que incluso le provocó varias paradas cardíacas.

En la actualidad, y justo mientras grababa Sweet Heart, Sweet Light, el propio artista confiesa que ha estado sometido a sesiones de quimioterapia. No ha mencionado qué enfermedad padece en concreto, pero, sin duda, ha debido hacerle madurar. Y eso se nota en todas las canciones del álbum.

La orquestal y preciosa introducción “Huh?” nos pone en antecedentes: es un disco serio ante todo. Eso no quita que “Hey Jane” sea un corte muy rockero y animado, con unos coros femeninos muy en la onda del pop yé-yé de los años 60. Poco antes de la mitad, la felicidad se corta de repente y renace un tema que parece distinto, pero que acaba desembocando en el mismo estilo happy.

“Sometimes I wish that I was dead” (“Hay veces que desearía estar muerto”) es la primera frase que Pierce pronuncia en “Little Girl”. El resto de la letra parece ir encaminada hacia un lado más divulgativo, como tratando de darle una lección sobre la vida a esa “pequeña chica” que da nombre a la canción. En lo musical, se trata de un tema muy tranquilo y orquestado, que bebe directamente de las baladas del rock clásico. El resultado es todo un acierto.

Podríamos dividir esta nueva placa en dos partes; una con canciones que superan, de media, los siete minutos, y otra con cortes de duración más convencional, en torno a los tres o cuatro minutos. Justo estos últimos son aquellos más sosegadas y sentimentales. De entre todos ellos, destaca sobre todo “Freedom”, en el que Pierce canta con una sensibilidad especial. Los arreglos de guitarra acústica, el piano, la guitarra eléctrica y el simple ritmo de batería que acaba irrumpiendo, hacen de este tema uno de los más destacados y brillantes del CD. De los temas lentos también destacaría “Life Is A Problem”, en el que las orquestaciones están especialmente logradas. Tiene un aire muy banda sonora de película que resulta interesante.

Del otro lado, de las canciones más animadas, me quedaría con “Headin’ For The Top Now”, que mezcla una buena base guitarrera con mucha experimentación sonora. El problema, que comparte con sus otras compañeras, es su quizá excesiva duración. Casi ocho minutos y medio de una base musical que cambia realmente poco es más típico del minimalismo que del rock clásico, y acaba dando la impresión de que sobran minutos. No sucede lo mismo con la pista que cierra el disco. “So Long You Pretty Thing” es bastante calmada. La mayor parte del tiempo, la voz de Pierce está acompañada por la dulce voz de una chica, que le da un toque diferente y más sentimental. Pero, sin duda, lo mejor de este último tema es el giro que se produce a partir de la mitad. Al fin y al cabo, la dinámica es, junto con una buena composición, el secreto para crear canciones largas y fáciles de escuchar. Y esta canción es un excelente ejemplo.

En definitiva, Sweet Heart, Sweet Light es una obra madura, llena de momentos de gran lucidez e inspiración por parte de Jason. Además, la propuesta musical en sí misma invita a la reflexión más que al disfrute de cortes directos, algo lógico si tenemos en cuenta la situación personal del líder de Spiritualized. Por eso, se trata de un disco que hay que digerir poco a poco. Solo así se puede disfrutar de la gran cantidad de detalles que contiene cada canción. La gran pega es que quizá, quitando lo que “sobra” de cada tema, podrían haber salido otros cortes muy interesantes.

Fecha de lanzamiento: 16/04/2012.
Discográfica: Domino Records
Compra el disco: En la web de Spiritualized
Escucha el disco: en Spotify, NPR, Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Little Girl”, “Freedom”, “So Long You Pretty Thing”

Alguien con una personalidad menos inquieta que la de Jack White hubiera celebrado tranquilamente los primeros 10 años de vida de su banda principal sin preocuparse por nuevos proyectos o colaboraciones alternas. Sin embargo, el que hasta el año pasado fuera la mitad de una de las agrupaciones más afamadas de la anterior década no sólo se dedicó a ganar fama con de The White Stripes, sino a producir y colaborar con diversos artistas como si la vida le fuera en ello, convirtiéndose en el camino en una de las personalidades más reconocidas y admiradas del rock actual.

Inquieto, extravagante y un notable guitarrista. Estos son algunos adjetivos que nos sirven perfectamente para definir a White. Uno más sería ecléctico, palabra que también nos puede ayudar a describir Blunderbuss, la nueva entrega del músico que finalmente ha decidido abandonar los alias para tomar las riendas en este, su primer álbum solista. Aunque apegándonos a la realidad, lo cierto es que esta placa no es necesariamente un trabajo en solitario. El artista contó con la ayuda de gente como Ruby Amanfu y su ex-esposa Karen Elson, entre un aproximado de 18 personas, para armar este primer intento de 13 temas que, más que ser una nueva vuelta de tuerca al sonido del músico, representan un camino lleno de paradas conocidas e influencias ya utilizadas que rinde tributo al pasado en el muy particular estilo de White.

No obstante, sería injusto decir que el músico no ha sabido reinventarse para esta nueva entrega, pues en ella Jack ha dejado de lado la aspereza de los Stripes aunque sin abandonar de todo la estruendosa guitarra. También ha sabido rescatar las influencias blues y de las bandas de rock de los 70 sin la agresividad de The Dead Weather, además de agregar el blues y el rock & roll a la mezcla pero en una manera mucho más pulida que la que ya nos había presentado con The Raconteurs.

Así, el músico salta de ritmo en ritmo sin demasiado ánimo de cohesión. Por ejemplo, “Missing Pieces” ofrece un giro funk con algo de progresivo y hasta un solo de guitarra en el medio, un instrumento que por cierto, aunque sigue apareciendo de manera frecuente en la placa, ya no ocupa el primer lugar, especialmente en la segunda parte de la misma, cuando el piano toma la batuta para llevarnos entre sus melodías. Además de éste, aquí aparecen además de manera frecuente numerosos órganos y teclados, mandolinas, clarinetes, percusiones y por supuesto los recurrentes del rock: bajo y batería.

El ritmo cambia con “Sixteen Saltines”, melodía que de manera lógica fue elegida como uno de los sencillos de presentación, pues nos acerca más al White agresivo y gritón de los White Stripes, aunque con una producción mucho más cuidada y clara. White baja el tono en “Freedom at 21”, con un picoso y pegajoso ritmo que acompaña con unas vocalizaciones de espíritu hip-hop.

Nasville llega para cambiar el ritmo en “Love Interruption”, melodía en la que el cantante se hace acompañar de Ruby Amanfu en las vocales para ofrecer una visión de rechazo al amor acompañada de buenas dosis de blues y un poco de ritmo country, para presentar de este modo una cara diferente de la producción. Este mismo espíritu también aparece en “Blunderbuss”, melodía construida de manera muy básica con algo de violín y un ritmo baladesco que complementa de manera perfecta el mal parido engaño de que habla la canción.

Y es que, en este punto, el escucha la tiene muy difícil para no considerar a este como un álbum de ruptura amorosa. El músico de hecho terminó su matrimonio con Karen Elson a mediados del año pasado y, aunque ambos aseguraron haber quedado en buenos términos e incluso Karen colaboró con sus vocales en este disco, es imposible no pensar, al escuchar las melodías, que a White le afectó de alguna manera la separación, aunque él insista en lo contrario.

Y es que hasta este punto todas las canciones tienen como tema principal la parte oscura del amor. Desde la perspectiva del amante en “Blunderbuss”, la un poco misógina burla a la mujer liberada del siglo XXI en “Freedom at 21”, el sufrimiento que trae el amor y la necesidad de evitarlo a cualquier costo en “Love Interruption” y la de algún modo terrible seguridad de una adolescente que tiene a otro encandilado en “Sixteen Saltines”; todo dice: estoy dolido, y en un volumen muy alto.

Y qué decir de “Hypocritical Kiss”, la canción con la que continúa este álbum y que ya con su nombre nos dice por dónde va la cosa. Con el piano por compañero, White explora nuevamente el blues, el folk y el rock más tranquilito para crear un tema muy adulto pero no por ello menos disfrutable. Estos mismos con ritmos vertidos en el piano, que continúa como protagónico, ayudan a vestir la primera parte de “Weep Themselves To Sleep”, que ya en su segunda contiene uno de los solos distorsionados que White nos regaló en la primera parte de la placa y que ayudan a darle un giro diferente a una melodía, en la que el intérprete parece escupir a la cara, más que cantar, la adolorida letra.

EL rock & roll viene a levantar el ritmo en “I’m shakin”, tema en el que el cantante utiliza los recursos de la época dorada de este género, incluso en la letra y los coritos femeninos que entran para producir una melodía muy del tipo de The Black Keys (quienes utilizan recursos muy parecidos, aunque con resultados no necesariamente similares, en su más reciente placa, El camino).

El mismo género, pero en un espíritu más de Mick Jagger y los Rolling Stones, es usado en “Trash Tongue Talker”, mientras que “Hip (Eponymous) Poor Boy” se va por el lado del cabaret chusco y burlón. Ya para “I Guess I should Go to sleep”, White regresa con el espíritu country para dar un sabor viejo oeste de cantina a la melodía y acompañar así la un poco irónica letra de la canción.

En este punto el disco va perdiendo ya su fuerza, ofreciendo una especie de ensayo contenido en “On and On and On”, tema en el que hasta la guitarra se ofrece de manera pura y directa, sin ninguna distorsión. Finalmente, la placa termina con “Take Me With You When You Go”, un pastiche auditivo que a mí me recordó al momento final de una obra escolar, cuando se reúnen todos los niños para cantar y tocar juntos lo que por separado estuvieron presentando durante la función.

Con un inicio mucho más directo y rockero, un intermedio melodioso, adulto y sureño y un final extremadamente tranquilo y casi de ensayo, Jack White demuestra en Blunderbuss que es incapaz de casarse con un solo género y que su paleta musical no solo es amplia y variada, sino que además le permite dirigir a los músicos sin quitarles la inspiración o la capacidad de improvisar.

Este álbum sin duda está bien construido y es disfrutable gracias a las diferentes facetas que el originario de Detroit demuestra en su construcción, pues salta de un género a otro teniendo sólo como hilo conductor su voz, que unas veces se ofrece en altos tonos mientras que en otras se presenta juguetona: ya sea rapeando o haciendo dúos con sus contrapartes femeninas.

Sin embargo, también hay que decir que por momentos, y especialmente al final, la diversidad hace de este un disco un poco débil, pues carece de la fuerza que ha sido una de las marcas registradas de White en todas sus agrupaciones, esa agresividad que sin ser demasiado seria tenía a todos moviendo la cabeza a la par de sus canciones.

Creo que los incondicionales de Jack White van a disfrutar este disco, e incluso aquellos con un espíritu más adulto y gustosos de melodías como las de The Black Keys, por ejemplo. Sin embargo, los demasiado casados con alguna de las agrupaciones del guitarrista encontrarán este disco un poco pesado y demasiado insustancial, especialmente si no comparten la adultez decepcionada del amor que parece ser la tónica del álbum, le guste a White o no.

Al final, lo que es un hecho es que aquí se alcanzan a reconocer las habilidades que han puesto a este hombre en las alturas del rock actual. No es un álbum perfecto, por momentos sabe a demo, pero lo que es cierto es que Blunderbuss no dejará indiferente a nadie.

Fecha de lanzamiento: 24/04/2012
Discográfica: Third Man
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Spotify .
Tres canciones destacadas: “Missing Pieces”, “I’m shakin” y “Sixteen Saltines”

Encontrar el camino musical más adecuado no es una tarea fácil para ninguna banda. Los cambios de formación o las constantes pruebas en diversos estilos musicales suelen ser las trazas que marcan la hoja de ruta de muchos grupos. Se persigue, en definitiva, un equilibrio que satisfaga a los integrantes de la formación y al público que escucha sus canciones.

Tuvieron que pasar más de cinco años hasta que Chromatics dio con la clave. El guitarrista Adam Miller es el único de los componentes originales que permanece en esta banda del noroeste de Estados Unidos. Con dos discos publicados, que sonaban a caballo entre el rock independiente y el post-punk, y una formación distinta, Miller decidió darle un giro musical al grupo. Night Drive, de 2007, fue el primer paso en la nueva trayectoria de Chromatics. En él, hubo guiños a artistas como Juan Atkins, Mirage o Joy Division e incluso una versión del “Running Up that Hill” de Kate Bush. El cambio de sonido era patente, aunque seguía guardando algunas reminiscencias de los orígenes.

Con Kill For Love, sin embargo, Chromatics ha dado un nuevo salto dirigido a estilos como el synthpop o el new wave. Probablemente os suene mucho “Tick Of The Clock”, uno de los temas que componen la banda sonora de la aclamada película Drive, gracias a la que también descubrimos “Real Hero” de College y Electric Youth. Tras el gran impulso promocional que supuso aparecer en el largometraje del director Nicolas Winding, la banda estrenó Kill For Love, que contiene diecisiete interesantes canciones.

El primero de los cortes en sonar es “Into the Black”, una versión del clásico “Hey Hey, My My (Into the Black)” de Neil Young, pero con el estilo menos rudo y más depurado de Chromatics. No es fácil conseguir que un tema tan rockero como el original suene tan bien con una máscara tan pop como la que le aplica la banda de Adam Miller. Poco tiene que ver con este particular homenaje la siguiente en la lista, “Kill For Love”, que sin duda agradará a los seguidores de M83. La voz reverberada de Ruth Radelet y el fondo sintético recrea un ambiente muy ochentero, agradable y muy bailable.

Algunas de las canciones más destacadas de este disco son “Back from the Grave”, que tiene melodías realmente cautivadoras y que va muy en la línea de la comentada “Real Hero”, “Lady”, un acercamiento muy acertado hacia la música electrónica minimalista con un estribillo soberbio, “At Your Door”, que explora patrones armónicos orientales y los combina con un ritmo que realza la bonita línea vocal.

Otros temas no menos importantes son la instrumental “Broken Mirrors”, que bien podría haber sido incluida en la banda sonora de Drive, “These Streets Will Never Look The Same”, donde una base de guitarra eléctrica puede llegar a recordar a la famosa “Eye of the tiger”, aunque después la voz sometida a un harmonizer -un efecto que combina el tono original con variaciones cromáticas para crear una nueva armonía- y los sintetizadores nos dejen claro que no tiene mucho que ver con ella, o la excelente “The River”, hecha para disfrutar de la preciosa voz de Ruth, del piano y de todos los arreglos que tiene.

En líneas generales, Kill For Love nos ofrece una hora y media de música elaborada cuidando cada detalle, midiendo cada efecto y cada cambio de ritmo. Como en todo disco de pop, encontramos canciones más pegadizas que otras, pero, tal vez, la virtud que destacaría de la obra es su valor como conjunto. Se trata de un disco que se deja escuchar de principio a fin, que te atrapa y no te suelta hasta el final. Kill For Love no está compuesto por solo dos singles buenos, sino por diecisiete brillantes canciones.

Podéis escucharlo íntegro a continuación:

Fecha de lanzamiento: 26/03/2012.
Discográfica: Italians Do It Better.
Compra el disco: En la tienda de su discográfica.
Escucha el disco: en SoundCloud o en Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Into the black”, “Lady”, “The River”

Sabemos que uno de las temáticas que mejor manejan los miembros de The Magnetic Fields es el tema del amor, bah, para ser más específicos, el principal y único miembro medular de la banda, Stephin Merrit, quien recientemente ha sido reconocido como una influencia tal que amerita que salga una película enteramente dedicada a sus habilidades para la composición y para generar el tipo de música que genera, para decirlo rápidamente. Canciones surrealistas dedicadas al amor, al desconsuelo, con un sonido entre encantador e hipnótico, clave que también sirve para entender a la última placa aparecida de la banda, Love at the Bottom of the Sea.

El disco tiene ese toque que nos recuerda a placas tan importantes de la banda como 69 Love Songs (1999), sólo que aquí la variedad de sonidos es un poco más limitada y tenemos una variedad de temas que recurren a los sonidos de teclados pop con melodías que se acercan al sonido de los pequeños juguetes, de las publicidades divertidas, casi como si todas las letras se encontraran tenidas de un gusto satírico y paródico que, encima, se ve reforzado por lo que sale de los instrumentos del conjunto. Claro, ponerle la etiqueta de “Synth Pop” como se ha hecho no agota las posibilidades de la banda, mucho menos llamarlas sencillamente indie… Hay algo de los Magnetic Fields que supera cualquier posible categoría.

Las canciones son cortas, con un innegable espíritu pop: de dos minutos, dos minutos y algo, con voces escondidas detras de cámaras y efectos, fuerte aparición de los efectos de los teclados, algo que rápidamente nos recuerda al sonido de finales de los setenta y principios de los ochenta de bandas como Devo o Suicide, esa cosa entre alegremente paródica y totalmente desesperada sin llegar a tomar la forma de otras bandas Dark y New Wave ya entrados en la década de este tipo de sonidos por excelencia, esa que empieza y termina con Reagan y Thatcher: digo, estamos como en un estado posterior, es claro, a la influencia de las bandas recién citadas o a conjuntos consagrados que dejaron su marca en el pop de una manera contundente sin convertirse por eso en antecedentes de este tipo de sonidos — pienso en Duran Duran, por caso, o en la lectura que los propios Devo tuvieron a lo largo del citado período, o a bandas menores como Oingo Bongo: está presente ese mismo espiritu, como mínimo —.

Vayamos a los temas: “Andrew In Drag” es una excelente canción que narra el enamoramiento de un hombre dedicado a seducir mujeres quien, de repente, se enamora del travesti Andrew — un hit de la placa, sin duda—; o de temas que ya desde el título nos dejan con la impresión de que vamos a visitar los lugares menos visitados del amor: “The Machine In your Hand” o “All She Cares About Is Mariachi”. Claro, también tenemos que hablar de las canciones que proponen temáticas por demás interesantes: “God Want Us To Wait”, por caso, es una canción enfocada en una niña que no tiene mejor forma que contener los intentos de su novio por meterse en los pantalones que mediante las descargas de una muy cómoda máquina.

No creo que estemos frente al mejor disco de Stephen Merritt y su banda, pero estoy seguro de que este regreso al sonido de los sintetizadores es una gran apuesta por parte de la banda: escuchar a Merrit hablar acerca de su obra — revisen el link más abajo — nos deja la sensación de que estamos frente a un hombre que prioriza el trabajo por sobre cualquier presentación en vivo o cosas por el estilo, un hombre parco dedicado a su producción artística… Un disco de The Magnetic Fields, por más que no sea el mejor, le gana al mejor disco de cualquier otra banda, me parece.

Fecha de lanzamiento: 06/03/2012.
Discográfica: Merge Records.
Compra el disco: Desde Amazon.
Tres canciones destacadas: “Quick!”, “Your Girlfriend´s Face” y “Andrew In Drag”.

Aunque The Shins siempre han sido una banda de lento cocimiento, los cinco años que pasaron entre el lanzamiento de su aclamado Wincing The Night Away y su más reciente producción Port of Morrow, editado el pasado 20 de marzo, fueron una dura prueba para todos sus fans, quienes no sólo se cansaron de oír sobre los preparativos de lo que en ese momento todavía era un “posible” nuevo disco, además tuvieron que escuchar y presenciar el rompimiento entre James Mercer y sus antiguos compañeros (que por momentos no fue nada fácil, como podrán recordar).

Y es que, aunque todos hubiéramos más o menos sabido que Mercer era básicamente el creador de todo el concepto, siempre es lógico pensar que no es sólo el líder de una banda el responsable de lo bueno y lo malo de un disco, sino que esta tarea es compartida entre el miembro más visible de una agrupación y el resto de sus integrantes (y si no, ahí está lo que queda de los Smashing Pumkins para probarlo).

De hecho, Port of Morrow ha venido a confirmarnos este hecho. Y es que si bien la placa contiene las letras pensantes que ya son marca registrada de Mercer, la música por el contrario ofrece una mirada sumamente diferente a lo que The Shins nos había acostumbrado hasta ahora, con sus antiguos integrantes. Esta producción de hecho contiene un sonido mucho más alegre, burbujeante y pop que el que aparecía en sus anteriores intentos, con todo y que por momentos hay elementos que nos permiten reconocer a esa banda indie que nos cautivó por primera vez hace ya más de una década.

Hablando de colaboradores, el más importante por su definitiva influencia en el disco ha sido Greg Kurstin, quien no sólo intervino en la producción sino en la composición y arreglos de la placa. El angelino es una cara conocida del mundo musical aunque no en el espectro del rock o el indie (lo que quiera que sea que englobe este género convertido en tal hace tan sólo unos años) sino en el del pop. Por su consola ha pasado gente de la talla de Kyle Minogue, Britney Spears, el nuevo hit discotequero llamado Foster the People, Kesha y Kelly Clarkson, por mencionar algunos, algo que de entrada ya da una pista muy clara de hacia dónde va esta placa.

Primero que nada hay que notar una producción extremadamente cuidada. Y no es que en los anteriores discos sonara mal, es sólo que tenía un cierto aire “indie, hágalo usted mismo” que en esta ocasión ha desaparecido totalmente para traer un sonido de estudio profesional que ha ayudado a darle soporte a los cambios que han aparecido en su música.

También hay una energía diferente en la misma, muy lejana a la suave melancolía que adornaba sus anteriores canciones. Esta es notable desde el inicio lleno de efectos de “The Rifle’s Spiral”, la melodía con la que abre esta producción. Con un sonido electrónico-rockero mucho más marcado, la canción se desgrana poco a poco sin perder jamás el ritmo para acompañar las reflexiones de James sobre la violencia religiosa y un aparente destino marcado por tus circunstancias.

Mercer ha hablado en varias entrevistas de los cambios personales que acompañaron la composición de esta producción, entre ellos su matrimonio y el nacimiento de sus hijas, además por supuesto de la partida de sus antiguos compañeros y la formación de Broken Bells. Todo esto, según ha dicho el mismo James, le ha permitido sentirse cada vez más cómodo con su voz y su papel de líder, algo notorio en “Simple Song”, tema en el que le da vuelo a las notas altas y a las guitarras tipo rock vieja escuela para conseguir la que sin duda es una de las mejores canciones de la placa (curiosamente esta es una de las melodías en las que Dave Hernandez colaboró con su guitarra, algo realmente para ponerse a pensar).

Hay momentos como “It’s Only Life” en los que Mercer recurre a la balada tipo Shins aunque con variaciones y una personalidad más dinámica. En esta por ejemplo hay un cierto sentimiento badlydrawnboyiano a la vez que de canción de Plaza Sésamo, todo para adornar su falseto de grandes alturas y una letra que es una lección de vida para un amigo al que es necesario darle un poco de amor duro.

“September” también va por este rumbo, aunque con una instrumentación más clásica que definitivamente trae a la mente a la vieja formación del grupo. Por el rumbo baladesco también va “For a Fool”, sin duda una de las más obvias de la placa incluso en su letra, en la que Mercer nos explica que: “fui tomado por un tonto, sí lo fui, porque era un tonto”.

“40 Mark Strasse” deja la auto tortura indie para hablar de uno de los recuerdos de Mercer cuando recorría de niño las calles alemanas, país en el que vivió por algunos años. Aparentemente, 40 Mark Strasse es el apodo de la calle donde los soldados estadounidenses ubicados en la base aérea de Ramstein podían buscar prostitutas y, aunque el James niño no entendía muy bien de qué se trataba ese lugar, para este disco le pareció interesante crear una historia detrás de esas mujeres.

Finalmente en el área de baladas está “Port of Morrow”, melodía con dejos de R&B en el que el líder de la banda se destapa jugando con su voz y utilizando tonos agudos que hacen difícil creer que sea él el que está cantando. Una rica instrumentación ayuda a hacer más completo este tema en el que el músico explora su ateísmo.

En cuanto a las canciones más movidas sobresalen “Bait And Switch” con un ritmo groove de influencias rockero-sesenteras que marcan muy bien la nueva faceta de escritor de Mercer, quien ya como un adulto en forma se arriesga a cantar tópicos más de su edad como en este caso, en el que centra la historia en un hombre mayor que ha caído enamorado de una jovencita.

“Fall of ‘82” se refiere a su paternidad con un encanto de metales y un poco de Plaza Sésamo que no puede evitar proclamar orgullo en cada nota. Finalmente la mejor: “No Way Down”, comienza como un clásico tema pop hecho para los charts, muy bien instrumentado y con cada paso cubierto de la regla para una canción pop perfecta. Un intermedio fantástico y un coro pegajoso sin embargo ocultan detrás la preocupación del cantante por la decadencia de la industria manufacturera americana, haciéndonos cantar de “manera muy alegre” cosas como: “Acostúmbrate al polvo en tus pulmones”. Y es que hay que decirlo, aunque este álbum rezume pop por todos lados, eso no significa que The Shins se hayan vuelto blandengues, pues detrás de la brillantina todavía hay mucha sustancia para sostener la música.

Es un hecho que, aunque aquí y allá todavía hay elementos del viejo ritmo del grupo, este nuevo álbum nos ha traído un sonido renovado que podrá hacerles extrañar, a sus viejos fans, a la banda que hace cinco años alcanzó los charts sin necesariamente pertenecer al mainstream. No obstante, Port Of Morrow se destaca por su dinamismo que permite escucharlo de principio a fin sin cansarse un momento y presenta una renovación tanto en forma como en ritmos a la que vale la pena darle una oportunidad.

El asunto con esta placa es que representa la vida de Mercer en este momento y por eso hay que aplaudirle, pues en vez de recuperar viejas glorias ha decidido crecer y reflejar en su música sus preocupaciones y visiones de adulto en lugar de permanecer en la adolescencia eterna. Por ello, realmente no podemos considerar a este disco como el fin de la pausa en la trayectoria de la banda sino como el comienzo de algo nuevo. De ahí que en su contra podríamos decir que no supera o siquiera explora nuevos movimientos dentro del camino de The Shins y que por momentos suena demasiado superficial en sus vestiduras pop, haciéndonos extrañar la introspección por la que antes caminaba la banda.

Al final, todo nos regresa al principio de esta reseña, en la que hablaba de aceptar a The Shins como la banda de un solo hombre, con todo y que en el pasado no lo hubiéramos sentido así y que por ello nos duela la separación y la transformación. Y si lo aceptamos así, entonces también tendríamos que aceptar que ese hombre creció y cambió, y que tal vez este sea el último eslabón en la cadena de una banda que alumbró el camino indie por toda la década pasada. Y sin embargo, la despedida no podía ser más agradable que las diez canciones que de manera fluida y brillante ocupan el tiempo de esta gran grabación.

Fecha de lanzamiento: 20/03/2012
Discográfica: Aural Apothecary
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Spotify y Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “No Way Down”, “Bait and Switch” y “Simple song”

La música sorprende, pero no engaña. Nadie se atrevería a decir, después de escuchar a The Soul Jacket, que estamos hablando de un grupo nacido en Nigrán (Pontevedra) y con un fuerte vínculo a aquella zona gallega. Se reirían de ti. Lo más probable es que les identifiquen como un grupo de muchachos procedentes de Ohio (Estados Unidos), por decir un territorio estadounidense, que sobresalen mezclando el rock sureño con blues, soul y ecos del country. Si esta última sensación era más que obvia durante sus EP’s y numerosos directos, la primera escucha de Wood Mama, debut discográfico de este grupo injustamente desconocido, confirma la segunda teoría. Señoras y señores, han hecho un trabajo estupendo. Tiempo al tiempo.

Todo comenzó en ocho años. Tras mucho esfuerzo y dedicación, The Soul Jacket ya puede presumir de su primera criatura musical, un disco redondo y compuesto por 11 canciones, que desde “Revolutionists”, apertura del  mismo, hasta “Nah nah nah”, corte final, exhiben el arte de Tony López (voz), Jorge Mizer (guitarra), Alberto Gregorio (guitarra), Jann Zerega (bajo) y Mauro Comesaña (batería).

Lo grabaron en directo durante 10 días en octubre de 2011. Para ello se fueron a Cantabria, a Guitartown Recordings, gracias a la inestimable ayuda y olfato de Hendrik Röver (Los Deltonos).  Con anterioridad, casi se encerraron durante año y medio en su local de ensayo, bañado por la brisa atlántica. Sólo hace que ‘Wood Mama’ se escuche en todas partes (tiene licencia Creative Commons) para compensar tan buen rock & roll.

Lo teníamos para escuchar en Spootify, habíamos leído las elogiosas reseñas de más de un medio con respecto a la salida del disco y hasta teníamos detalles de su salida mucho tiempo antes de que viera la luz a principios de marzo. Ahora, mis muy queridos, ha llegado el momento de dar nuestra opinión del último disco de Bruce Springsteen, sí, Wrecking Ball.

A ver, vayamos al contexto: la sociedad norteamericana, en los últimos tiempos, ha entrado en un profundo estado de decepción luego de que el gobierno demócrata de Barack Obama no haya hecho otra cosa que continuar la política republicana en muchísimos ámbitos y, encima, vaciar de contenido, de carga sentimental, una serie de representaciones medulares a la política muy apegadas a los Civil Rights de los sesenta: vease la participación o la iconografía “obamesca” que apareció en el momento en que el citado presidente asumió su mandato. Todo eso sin carga emocional, sin deseo social, hueco. A raíz de este tipo de situaciones, podemos observar la aparición de diferentes producciones en el campo de la cultura popular que apuntan a esta decepción, desde películas hasta libros y, claro está, música: en Wrecking Ball se escucha la frustración de alguien fuertemente ligado a la vida política norteamericana.

Bruce “The Boss” Springsteen siempre ha estado ligado a este tipo de conexiones entre la música popular y la vida social y política norteamericana. Sólo para marcar un hito, su disco más vendido, Born in the U.S.A. (1984), contiene uno de los éxitos más notables de su carrera operando, al mismo tiempo, como una fuerte crítica a la política del gobierno republicano de la época con respecto al trato de los veteranos de guerra. Ironías del destino, el propio Ronald Reagan usaría el mismo tema para su campaña de re-elección. Existen muchas líneas de conexión entre este disco y el último aparecido: si bien los dos son críticos con la sociedad norteamericana, el primero tenía un tono más celebratorio, Wrecking Ball, por el contrario, porta un tono triste, casi a título de responso.

Primera conexión con el disco de 1984: el fuerte reverso a la gloria localista de “My Hometown”, último tema de Born in the U.S.A., en “Death to my Hometown”, un tema en donde persiste la crítica a todo ese mundo “anti-norteamericano” que se apoderó del “good old neighbourhood” de New Jersey… Esos mismos monstruos que acechan y que arruinaron el pueblo natal. Con un tono que recuerda mucho a las canciones irlandesas que hacen las veces de responso, este tema como todo el disco estará acompañado por fuertes coros que compiten con la voz del propio Springsteen y que también permiten entender toda la tónica de la placa a la manera de algo oscuro, siniestro, vaciado.

Dos cosas, entonces, para considerar el álbum: el sonido a final, a responso, y el gusto a revancha, de fuerza ejercida en contra de los popes de la economía, verdaderos responsables de esta debacle de la cultura norteamericana. Por eso, tenemos “We Take Care of Our Own” y el propio “Wrecking Ball”. Mientras el primer tema muestra un gusto por la renovación del clásico sonido de Springsteen mezclado con un aire definitivamente pop — logro del productor Ron Aniello —, el segundo es un Springsteen más clásico, también volcado a la guitarra como todos los temas de la placa, pero no por eso sin tener una marcada impronta de sonidos de la época — es más, el tema me recuerda un poco a “Dancing in the Dark”, de Born in the U.S.A., también —.

Sonidos nuevos hay, claro, eso lo veníamos diciendo, pero no por eso se pierde esta sensación oscura que insiste en cada uno de los temas: ahí está la genial “My Depression”, con las guitarras de Tom Morello para acompañar, y “Rocky Ground”, que también tiene una fuerte participación de lo vocal y hasta un rapeo incluído.

Jon Stewart, el famoso periodista y conductor norteamericano, fanático él del Boss, escribió para la Rolling Stone en una nota exclusiva:

En el nuevo álbum de Springsteen, Wrecking Ball, los personajes no están buscando un escape — ellos sólo quieren trabajo. Con potentes canciones populistas como “Death to my Hometown” y “Jack of All Trades”, Springsteen pinta una Norteamérica en donde “el banquero engorda/ y el trabajador enflaquece”. Springsteen quiere que las nuevas canciones relaten “lo que pasa en la fábrica social en la que se ha convertido el mundo de nuestros días”.

Con sonidos renovados, con el mismo espíritu de lucha que siempre lo ha identificado, con cierto aire de decepción y melancolía — a mi juicio, la sensación global que ha producido el mandato de Obama —, defensor de la vida del hombre medio norteamericano, Springsteen lanzó un disco sólido que, es muy probable, tenga tantas buenas reseñas por llegar en el momento justo y, encima, sorprender con un sonido renovado. En definitiva: es un buen disco como para seguir escuchando por mucho tiempo, a los fanáticos les va a encantar, a los que no lo escucharon tanto, los va a atrapar; a todos, les va a dejar cierto gusto amargo en la boca, pero ya un poco más alejados de lo estrictamente musical… ¿No?.

Fecha de lanzamiento: 06/03/2012.
Discográfica: Columbia Records.
Compra el disco: Desde Amazon.

Tres canciones destacadas: “My Depression”, “We Take Care of our Own”, “Jack of All Trades”, “Death to my Hometown”

Para cerrar, una entrevista reciente hecha al Boss en relación a su nuevo disco.

Los conciertos siempre constituyen experiencias únicas por la posibilidad de ver en acción a tus artistas o grupos favoritos, visualizando y escuchando en vivo esas canciones que tanto te apasionan para guardar cada minuto en el baúl de los recuerdos, recuperando posteriormente esas sensaciones en posteriores escuchas. Pueden decepcionar, simplemente agradar, funcionar como una especie de descubrimiento si conocías poco a quienes actúan o, como en el caso de Sharon Jones & The Dap-Kings, elevar la ya de por sí alta estima musical que tenías por ella y por ellos hasta una categoría insuperable, esa élite cercana a los dioses y a los reyes.

No se trata de una exageración o del sensible fruto de la empatía. Son conclusiones a las que uno llega tras degustar en el Circo de Price de Madrid ante cerca de 2.000 personas una lección básica de música soul en estado puro con una voz portentosa, una interpretación gestual extremadamente sincera en cada tema y la adorable sintonía con unos músicos impecables, virtuosos, a la altura de una mujer única.

Uno alucina al saber que esta maravilla humana de 54 años trabajaba como funcionaria en un cárcel del estado de Nueva York y sólo lleva una década publicando discos, o lo que es lo mismo alegrando nuestros oídos, con The Dap-Kings. Su presencia, magnetismo y capacidad vocal recuerda a las más grandes de siempre, incluyendo a esa Aretha Franklin que ella considera la reina del soul, y de no conocer sus raíces pensaría que es la hermana secreta de James Brown por su fogosidad sobre el escenario, característica de la locura más cuerda que se conoce. Acompañada por ocho instrumentistas y dos coristas, cada cuál más soberbio, Sharon Jones tardó muy poco en conectar con unos espectadores sedientos de esos sonidos estilísticos tan habituales en los 60 y los 70 que pocas formaciones y nombres, como los aquí presentes, han sabido trasladar, regenerar hoy en día.

Mucho soul y gotas de funk provenientes de aquella época musical constituyen la base artística de Sharon Jones & The Dap Kings, aunque su autenticidad se aleja de cualquier copia porque les sobra identidad. Tardaron un ratito en calentar motores, sin que esta progresión estuviese exenta de calidad, y enseguida llegó una ‘jam session’ constante que incluso provocó la subida al escenario de un espectador que se marcó un baile con Jones. Las estrellas de la noche centraron su repertorio en Soul Times!, álbum más reciente formado por rarezas y caras B, pero tuvieron tiempo (ganas nunca les faltaron) de destrozar caderas o causar múltiples tortícolis mediante ‘hits’ como “100 days, 100 nights” o “How do I let a good man down”.

El concierto, que rondó las dos horas, fue un entusiasmo infinito, incluso cuando cayeron lágrimas en nuestras almas por esas personas que ya se han ido, principalmente la madre de Sharon (falleció hace pocos días). En el ámbito musical, recordaron a Amy Winehouse (The Dap-Kings grabó con la británica el estupendo ‘Back to black’), Etta James y Withney Houston antes de una despedida en la que los asistentes se quedaron con las manos rojas de tanto aplaudir. Con los pies doloridos tras tanto baile y el placer posterior a un orgasmo sonoro, volví exhausto a casa.

En la música la elegancia no se puede buscar, pero sí encontrar. Un artista no puede decidir ser elegante porque probablemente acabaría siendo un bufón de sus propias intenciones. Se trata de una virtud que aflora, sin más. O se tiene o no se tiene.

¿Qué sucede cuando unimos la elegancia con una dilatada experiencia profesional? Que, con toda seguridad, te hayas topado con Mr.M, el nuevo disco de Lambchop. Después de más de veinte años dedicados a la música, el líder creativo de esta banda de Nashville, Kurt Wagner, ha conseguido encontrar la fórmula mágica para la difícil tarea de expresar sensaciones con sus canciones.

Mr. M es su primer trabajo en cuatro años y el número once en su carrera de discos de estudio. Una de las principales ventajas de su escucha es que no requiere de una predisposición determinada para darle al play. Hay grupos que asociamos a nuestros días tristes y otros a los que son todo lo contrario y, por ello, tendemos a reservarlos para esos momentos concretos. Sin embargo, da igual tu estado de ánimo porque esta nueva obra de Lambchop te embelesará de principio a fin. Tiene un aura melancólica que imbuye todos los cortes, aunque más bien diría que se trata de un espíritu de blues mezclado con jazz. Cada atmósfera recreada, cada arreglo instrumental y cada nota de voz suenan a través de un filtro de serenidad, paz y buen gusto.

Así, es inevitable sentir placer ante una canción tan preciosista como “Gar” que, no requiere de ninguna línea vocal para cautivarte durante casi seis minutos. Podría considerarse una pieza excelente de smooth jazz, lounge e incluso americana, pero, sobre todo, es un pasaje hacia un viaje de la imaginación.

El tono triste con el que empieza la sección de cuerda de la primera canción del álbum, “If Not I’ll Just Die”, podría incitarnos a pensar que vamos a escuchar un corte lacrimoso y sumido en la desesperación, pero entonces irrumpe la masculina voz de Kurt Wagner y con ella inicia un auténtico tema de jazz que rezuma elegancia por todas partes. Unos sentirán nostalgia y otros rememorarán la música que se hacía en los años 50. Al fin y al cabo, la sensación final es la misma: estamos escuchando algo grabado mucho tiempo atrás. Pero no, pertenece a un disco que salió a la venta el pasado 21 de febrero.

No solo de sonidos clásicos vive Mr. M. Uno podría pensar que se trata de un CD elaborado para contentar a los seguidores tradicionales de Lambchop, pero al escuchar temas como “Gone Tomorrow” percibimos una frescura que dará seguro una cálida bienvenida a aquellos que no conociesen a al grupo. Es una canción larga que pivota entre el folk alternativo y los arreglos de jazz que se deja escuchar muy bien hasta la primera mitad, momento en el que la banda experimenta con total libertad. Es, eso sí, una experimentación coherente y bonita.

Temas como “Mr.Met” dejan entrever una influencia de la música clásica que se refleja en un resultado muy grandilocuente, pero simple e íntimo a la vez, siempre con el jazz y el folk presentes. Por otro lado, los seguidores de James Blake amarán “Kind Of”, que explota la balada tranquila y triste que tan bien le ha funcionado al artista inglés.

En líneas generales se podría decir que Mr.M es un disco de interior, y es que prácticamente la única pega que puede sacársele es que no se puede disfrutar en el metro o caminando por la calle porque el ruido tapa el magnífico trabajo de Lambchop.

Fecha de lanzamiento: 21/02/2012.
Discográfica: Merge Records.
Compra el disco: Desde su web oficial.
Escucha el disco: en Grooveshark, NPR y, en algunos países, en Spotify.
Tres canciones destacadas: “If Not I’ll Just Die”, “Gar”, “Kind Of”.

Hace exactamente un año estábamos hablando del álbum debut de Tennis, esta banda conformada por los esposos Alaina Moore y Patrick Riley que apareció de la nada a mediados de 2010 para poner en nuestros oídos melodías enducoloradas de interminables coritos y suspiros garantizados.

En su momento comentábamos que historias del tipo de la que dio origen a esta agrupación siempre causan suspicacia, pues no dejan de parecer un intento para vender al más puro estilo de la viejo industria. Sin embargo, en el caso de Tennis la leyenda viene acompañada de mucha médula, algo que pudimos confirmar un año atrás y que ahora hemos reafirmado luego de escuchar su segunda producción discográfica publicada el día de ayer.

Young & Old llega a nuestros reproductores exactamente un año y un mes después con la misma vibra azucarada del primer intento. Sin embargo, el dúo no tuvo en esta ocasión la inspiración de un viaje marítimo para componer sus diez temas sino un montón de viajes por avión y carretera realizados durante la promoción de su primer disco. Además, el ahora trío (pues el dúo de esposos ha reclutado al baterista James Barone) contó con la ayuda de una carta fuerte de la producción indie actual: Patrick Carney, quien consiguió anotarse el año pasado otro éxito con la más reciente producción de su banda, The Black Keys, titulada El Camino.

¿Pero qué tanto influyó Patrick en el sonido y composición de esta nueva producción? De entrada es importante notar que el sonido lo-fi que la banda utilizó en su primer intento sigue existiendo, sólo que con una producción mucho más pulida y nivelada, obviamente producto de la colaboración de Carney, que permite notar cada instrumento de manera clara y no sólo la voz de Alaina y la guitarra del otro Patrick, como solía pasar en Cape Dory.

Esto es claro en melodías como “It All Feels The Same”, en la que la batería se escucha de principio a fin llevando el ritmo de una semi-balada de comienzos tropicales pero que termina rindiendo tributo a influencias diferentes. Y es que el segundo punto a notar es que si bien todavía es notorio el influjo de gente como The Beach Boys, este segundo intento se va más bien por el lado del pop clásico aderezado con un poco de rock and roll y el sonido motown.

También hay nuevos instrumentos como el órgano y la pandereta, que vibran en este primer track. Asimismo hay una nueva fuerza en la batería que ha venido a renovar su sonido y que aparece en baladas como “My Better Self”, la medio monótona “High Road” o en la movida “Travelling”, en la que este instrumento es acompañado por un órgano que definitivamente invita a bailar.

La batería también lleva el paso de “Petition”, tema en el que aparecen algunas de las características más reconocidas de esta agrupación: los “ohohohos” y coritos de mujeres enamoradas que contribuyen a formar otra de las joyas que Tennis ha logrado en este nuevo intento.

Canciones como “Origins” también recuerdan mucho a su primer disco: estribillos y coritos pegajosos y guitarras al más puro estilo de los años 50 y 60, sin embargo, la banda se las arregla para hacerla sonar diferente y fresca, convirtiéndola de hecho en uno de los mejores temas de la placa.

“Robin” y “Dreaming” ofrecen altas dosis de azúcar aunque con resultados muy diferentes, pues la primera funciona en su mermelada mientras que la segunda, un poco más distorsionada, ofrece buenos instantes aunque no convence del todo. Esta distorsión también la podemos escuchar en menor medida en “Take Me To Heaven”, una melodía de gran emoción que nos enseña cuánto ha crecido el estilo de este par desde su debut el año pasado; y por último en el track que cierra el álbum: “Never to Part”, otra melodía apasionada en la que las vocales de la Moore lucen en todo su esplendor.

En cuanto a las letras, si bien estas conservan todavía una que otra referencia a esa experiencia marítima que dio origen a la banda, en general son un poco menos abiertas y más tiradas a la reflexión amorosa y a retomar los cambios que sin duda habrán vivido desde que saltaron a la fama. Por ejemplo, “Travelling” habla de los nervios de empezar una relación, mientras que “My Better Self” toca la certeza de que no siempre sabes bien dónde estás parado pero al menos hay alguien que te comprende.

Musicalmente la banda ha expandido su sonido conservando muchas de las características de su primera placa. Y el asunto es que sus melodías fluyen tan fácil que por segundos tiendes a pensar que no hay nada detrás de los acordes. Sin embargo, la gran maestría de Tennis radica precisamente en eso, en lograr, con elementos aparentemente muy simples, melodías bonitas y fáciles de digerir, que no te cansan pero que al mismo tiempo puedes encontrar interesantes si sabes cómo escucharlas. Sus nuevos trucos, como instrumentos diferentes, una producción más lograda y un sonido expansivo más distorsionado y atrevido, también han ayudado a darle un aire de novedad a la producción.

Ciertamente, y al igual que con su primer disco, la banda no está descubriendo el hilo negro ni ofreciendo una propuesta vanguardista o única. Pero de hecho en eso reside la genialidad de Tennis: en recobrar el pasado sin hacerlo sonar repetitivo.

Finalmente, Young and Old ofrece una cara ligeramente diferente pero tan azucarada como su primera producción. Ciertamente el grupo ha perdido un poco de la inocencia que nos conquistó en ese intento, sin embargo, su música sigue siendo tan agradable y disfrutable como siempre. En resumen, con todo y uno que otro pero, el dúo de esposos ha conseguido salir avante del siempre tenebroso segundo álbum. Si no te gusta demasiado el azúcar o la música pop más cursi de la mitad de siglo pasado, seguramente este álbum no es para ti. Pero si, como yo, disfrutaste el primer intento de Tennis, cálzate el zapato más cómodo, ármate con un poco de paciencia para los inevitables baches del camino y disfruta de este nuevo viaje en delicioso tecnicolor.

Fecha de lanzamiento: 14/02/2012
Discográfica: Fat Possum Records
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “Origins”, “Petition” y “Traveling”

The Twilight Sad tomó por asalto el mundo de la música en 2007 con el lanzamiento de su primera producción, Fourteen Autumns & Fifteen Winters, un álbum que mostraba las fortalezas de un sonido único inmerso en los géneros del shoegaze y el rock, alimentado por el fuerte acento, las letras oscuras y vocalizaciones profundas de James Graham. El cuarteto también ganó fama por sus ruidosas presentaciones en vivo, una cualidad que por cierto comparten con otras agrupaciones escocesas como Mogwai, de quienes se han pronunciado grandes admiradores y con quienes han compartido giras en numerosas ocasiones.

Era de hecho la propuesta musical de este grupo una de las grandes influencias para el trío que, sin embargo, ahora ha decidido darle una vuelta de tuerca a su sonido para su tercera producción discográfica, No One Can Ever Know, álbum que oficialmente sale a la venta el día de hoy y del que ya hemos venido hablando con bastante emoción aquí en Cuchara, pues sus primeros adelantos nos mostraban un interesante nuevo acercamiento a su música. Ahora, ya con la producción en nuestros reproductores, podemos asegurar que el cambio ha traído buenas noticias.

Lo primero que hay que recordar es que sus primeros lanzamientos se distinguían por un sonido lo-fi muy intencional, pues el trío utilizaba casi exclusivamente instrumentos antiguos en la grabación. También era notoria la pared de notas reverberadas y sumamente intensas que daba peso a cada una de sus canciones y que se complementaba con la oscuridad de las letras de Graham.

Y el asunto es que, aunque si bien su sonido sigue siendo negro como la noche, las influencias electrónicas le han dado una nueva cara mucho más refinada y menos saturada. Los escoceses decidieron llevar al estudio una serie de sintetizadores análogos rusos y baterías electrónicas para combinarlas con las guitarras llenas de efectos de Andy MacFarlane. No obstante, y al contrario de lo que pasó en sus dos primeros discos, éstas se han quedado en esta ocasión al fondo del telón y no como protagonistas de la obra.

Así, este conjunto de canciones ofrece una mezcla entre la oscuridad del primer álbum y la intensidad del segundo pero con un nuevo acercamiento. En lugar del mazazo directo a la cabeza, esta vez el trío comienza poco a poco y sin demasiada estridencia, retomando influencias como las de Nine Inch Nails, Depeche Mode e incluso The Cure y Joy Division para crear melodías sombrías pero también con un aura pop más amable y menos cruda que en sus anteriores producciones.

Aquí hay sencillos muy obvios como “Alphabet” o “Another Bed”. La primera tiene una vibra totalmente thecuresca con unos sintetizadores sacados de las épocas más brumosas de Depeche Mode, aunque también sigue sonando a The Twilight Sad gracias sobre todo a la excelente voz de Graham, quien cierra diciendo “I was hoping on a good day that you would be mine (estaba esperando que un buen día serías mia)”. “Another Bed” por otro lado suena más industrial, con influencias de gente como Trent Reznor y compañía en sus sintetizadores atiborrados y un cierto aire de indiferencia en las vocales.

En el departamento de la saturación también hay buenas opciones, aunque la producción de Andrew Weatherall (quien también ha trabajado con gente como Primal Scream y Beth Orton) le ha puesto, como ya dijimos, una cara mucho más fina y menos cacofónica a la propuesta. En esta área tenemos canciones como “Dead City”, con su sonido electrónico de hechuras industriales y un ritmo más movido que también es lo más cercano a su anterior placa que podrán escuchar en esta ocasión.

“Sick” trabaja con acordes repetitivos y contenidos en capas lineales de vibra misteriosa e influencias joydivisionescas, las cuales también son notorias en “Don’t Move”, una canción que sin embargo suena mucho más dura, prendida y saturada, con un solo de guitarra intermedio y coros a dos voces que le dan un aire de novedad al asunto.

Los acordes de sintetizador que llevan la melodía de “Nil” también pagan tributo a lo más oscuro de Joy Division, sin embargo, al mismo tiempo conservan el sello de este trío. El resultado es definitivamente uno de los mejores temas de la placa.

La banda rinde homenaje a las capas superpuestas y la cacofonía de anteriores intentos en “Don’t Look at Me”, uno de los temas que tal vez recuerdan más a su segunda propuesta, aunque realmente le falta algo del poderío de esas melodías. “Not Sleeping” ofrece una especie de descanso atmosférico introductorio para “Another Bed”, que como ya dijimos es de los temas más fuertes de la placa. La agrupación cierra duro con “Killing it in the Morning”, melodía de influjos Nine Inch nailescos y un tono un poco más atiborrado y energético.

Así llegamos al final de este conjunto de nueve canciones que por su número podría sonar breve, sin embargo, tenemos temas de cuatro, cinco y hasta seis minutos de duración para compensar el número de tracks. En favor de este disco debo decir que nunca te cansa, pues fluye de principio a fin ofreciendo pequeños cambios de ritmo, superposiciones y melodías para formar un álbum completo, algo que de hecho fue la intención de la banda desde un principio, pues pensaron esta producción como un conjunto de canciones y no sólo como una colección de melodías.

Ahora, si bien el grupo ha utilizado mucho del rock ochentero como inspiración para esta producción, su sonido conserva el sello lóbrego y particular de sus inicios, aunque actualizado y mejor producido. Es cierto que por momentos parecen más fríos y menos apasionados, pero también hay que resaltar que hubo disposición para el cambio y para tomar riesgos que pudieron haber salido muy, pero muy mal.

Debido a que el álbum se filtró hace ya una semana, las opiniones en la red respecto a esta nueva placa también han comenzado a fluir. Y me ha llamado la atención que a muchos parece haberlos decepcionado, por considerarlo un intento flojo y sin la belicosidad de antaño. Esto sobre todo debido a que Graham y compañía han abandonado las capas superpuestas y extremadamente saturadas de su segunda producción, una cualidad aparentemente perfecta para aquellos a quienes les gusta el rock duro y ruidoso y no las sensibilidades de las bandas modernas.

Es decir que, a aquellos a quienes les gustaba esta banda por esas cualidades, este álbum les sonará suave y sin ninguna fibra. Sin embargo, a aquellos que saborearon más las canciones de su primer intento, o que apenas están conociendo a estos escoceses, esta nueva producción les va a encantar. Personalmente he estado escuchando el disco ya desde hace varios días y me parece de esos álbumes que crecen conforme los vas oyendo más y más.

Es muy cierto que esta vez The Twilight Sad ha abandonado el rock directo y sin cortapisas para producir un sonido mucho más fino que incluso en algunos momentos alcanza las esferas del pop. Sin embargo, en el intento han salido bien librados al conservar su personalidad y al mismo tiempo renovar su propuesta musical con nuevos elementos.

Así, No One Can Ever Know es el gran regreso de una de esas bandas que parecen trabajar siempre al margen del mainstream con audiencias pequeñas y cautivadas; y de las que no te cansas de preguntar por qué no son más famosas o más reconocidas. Repito que habrá quien prefiera el rock duro y sin cortapisas de su anterior intento, sin embargo, la inmediatez y atractivo de este nuevo ofrecimiento merecen una larga oportunidad.

Fecha de lanzamiento: 6/02/2012
Discográfica: Fat Cat Records
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Spin.
Tres canciones destacadas: “Dead City”, “Alphabet”, “Nil”

Desde el boom surgido en la blogosfera el pasado verano a raíz de “Video Games”, Lana Del Rey ha vivido lo bueno y lo malo de ser una artista viral sin un disco de estudio en el mercado. Por un lado, la admiración llegó a convertirse en hype mundial y muchos le deparaban un futuro prometedor. Por otro, la decepción y el odio brotaron después de que se supiera que la cantante era hija del multimillonario Rob Grant. Su poco acertada actuación en Saturday Night Live tampoco ayudó a limpiar su imagen y pronto empezó a ser tachada de producto artificial. No era difícil imaginarse a “papi” comprando a golpe de billete todo lo necesario para convertir a su hija en una estrella de la música. La polémica estaba servida.

Ante un panorama así, cuesta ponerse a escuchar tranquilamente las doce canciones que componen la edición estándar de Born To Die, pero es inteligente hacerlo como si de un disco más se tratase. Si intentamos ser objetivos con la mayor parte de música que nos llega, ¿por qué no serlo con la propuesta de esta señorita? O nos gusta o no nos gusta, solo hay que invertir algo más de 49 minutos, que es el tiempo que suman todos los temas. ¿Lo escuchamos?

“Born To Die” es la elegida para inaugurar la placa. Ya todos hemos tenido la oportunidad de escucharla y de ver los tigres del videoclip. Con respecto al resto de cortes, se trata de una de las canciones más acertadas del disco: buen estribillo, buenos arreglos y cambios de registro vocal que le dan una interesante dinámica.

Hablar de “Blue Jeans” o de “Video Games” a estas alturas se torna poco necesario, sobre todo porque son tan famosas que cada uno tendrá su propia opinión. Ambos temas tienen unos estribillos muy pegadizos, unas estrofas sensuales y una producción muy cuidada.

“Off To Races” se ha convertido en una de las favoritas del público en los conciertos de la artista. El secreto está en un registro de voz más agudo que el habitual que dibuja melodías empalagosas a la par que pegadizas. Una pequeña dosis de ritmo a caballo entre el R&B y el hip hop, y tienes una canción pop decente, pero que pasaría desapercibida en la era Adele.

“Diet Mountain Dew” recurre también al patrón rítmico del hip hop para presentarnos a una Lana Del Rey que juguetea con un logrado estribillo que se repite hasta la saciedad. A pesar de ello, tiene un toque distintivo que la hace destacar de entre todas las demás. Podría ser otro buen single.

Comenzando con una reminiscencia de “Bitter Sweep Symphony” de The Verve llega “National Anthem” que, comparado con el anterior corte, nos empieza a aburrir. La sensualidad y los tonos susurrantes ya van saturando, pero, afortunadamente, cuenta con un estribillo distinto que resucita el espíritu coral de “The Wall” de Pink Floyd. Justo después suena “Dark Paradise”, un tema pop pegadizo, con ritmo, pero bastante ramplón.

“Radio” sigue el buen patrón melódico de “Born To Die” y, aunque no alcanza su grandiosidad, es uno de los tracks más acertados del disco porque combina lo mejor de Lana, con un estribillo muy chill out que conquista a la primera escucha. No obstante, “Carmen” estropea la buena sensación que nos había dejado “Radio”. Simple, plana y aburrida.

Con “Millior Dollar Man” la cantante intenta recrear el ambiente gangster del Nueva York de los años 60, pero puede más el tedio de una voz que ya no da más de sí y que no muestra nada más llamativo ni cautivante. Aparte, la temática de “chica buena quiere a chico malo” es demasiado explotada en el resto de canciones y con este tema se supera el límite aceptable. ¿Adivináis de qué trata “Summertime Sadness”? ¡Sí, chica buena quiere a chico malo! Aun con la redundancia, tiene cierto gancho que recuerda a la manía persecutoria de Lady Gaga de repetir ciertas frases en sus canciones.

Y para cerrar el álbum nos topamos con “This Is What Make Us Girls”, una oda al feminismo que clama por la independencia de las mujeres. En lo musical es un tema que vuelve a tirar de los recursos del R&B y del hip hop para darle ritmo y que incluye un buen estribillo. Es fácil de escuchar.

Born To Die no es un mal disco, pero no puede compararse con el talento y la frescura que en este instante encontramos en el mundo del pop. No solo es que Adele sea muy superior en todos los sentidos, sino que hay muchos otros nombres que podrían eclipsar este debut. Si cala o no ahora es un asunto que dependerá del público. Lo que está claro es que no podrá seguir viviendo de tres buenos singles para siempre.

Fecha de lanzamiento: 30/01/2012.
Discográfica: Interscope Records.
Compra el disco: en iTunes.
Escucha el disco: en Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “Born To Die”, “Diet Mountain Dew” y “Radio”.

Contrario a lo que se suele decir con cierta frecuencia, en los ’90 se produjeron discos brillantes, a los que muy pocos proyectos de la última década se han podido acercar en cuanto a calidad, profundidad, originalidad y concepto. A finales de octubre de este mismo año escribí un artículo sobre el “Dynamo” de Soda Stereo, disco que fue publicado en el año ’92 y el “Outside”, disco del que hablaré hoy, fue publicado en el ’95.  En ningún caso considero que los ’90 haya sido una década excepcional ni tampoco sufro de ningún tipo de fanatismo por aquellos años, de hecho, creo que fue un período de transición un tanto gris,  aunque iluminado con intensidad por algunos diamantes imprescindibles.

La Conjunción Fundamental

Después de los buenos resultados obtenidos en la Berlin Trilogy (Trilogía de Berlín) conformada por los discos “Low”, “Heroes” y “Lodger”, el tiempo que pasó hasta que David Bowie y Brian Eno se volvieran a juntar, pareció una eternidad. La carrera de Bowie, por momentos, llegó a parecer más una secuencia de tics nerviosos que una búsqueda de identidad, mutación camaleónica o intento de innovación, pero si en algún instante podemos encontrar una arriesgada, aunque acertada, estabilidad en su trabajo antes del “Outside” fue durante los años en que se aplicó a estos tres trabajos.  Ya se podía apreciar como Brian Eno aportaba algo más que criterio en su colaboración para dichos proyectos, pero no de una forma unilateral, sino que la conjunción de dos mentes y sensibilidades envidiables daba lugar a la creación de sonidos más que interesantes.  No me olvido de Ziggy Stardust y los viajes al espacio que tanta relevancia han tenido en el proceso de Bowie y el mundo de la música en general, pero personalmente me quedo con el “Outside”, un disco diferente en casi todos los sentidos, que además abrió múltiples puertas de percepción para un sinnúmero de músicos y creadores.

El Sonido del Azar y un Concepto No Lineal

Uno de los aspectos más interesantes en cuanto al proceso de creación del proyecto, es el hecho de que no había ni un solo tema compuesto antes de entrar en el estudio. Con métodos inspirados en los de la música aleatoria que compositores como John Cage experimentasen a mediados del siglo pasado, el proyecto “Outside” fue tomando forma in-situ, teniendo como referencia un concepto construido por personajes, imágenes sugerentes  y una trama que se debe escuchar entre líneas. El mismo Bowie lo definía así: “El álbum es sobre la atmósfera” (en este caso sonora y contextual a la época). “Es sobre el sonido de 1995”.  Tengamos en cuenta que la trama gira alrededor de una visión distópica de fin del siglo XX, donde la fragmentación social, el hambre espiritual y el neo-paganismo se revelan generando fenómenos como el “Art Crime” (traducido sería algo así como “Crimen – Arte” o tal vez “Arte del Crimen”) y dando lugar a la aparición de personajes como Nathan Adler, protagonista de esta historia.  Nathan Adler pertenece a un departamento gubernamental creado para investigar el fenómeno del “Art Crime” y decidir si un determinado asesinato es realmente arte o únicamente un burdo acontecimiento delictivo. En esta trama particular encontramos a Nathan Adler investigando los extraños acontecimientos detrás del  “Asesinato Arte-Ritual de Baby Grace Blue”, de 14 años de edad.

Siguiendo con las palabras de Bowie: “Los personajes y la narrativa son sólo el esqueleto.  La textura musical es la carne y la sangre.”  Con estas afirmaciones podemos descubrir una clara intención de generar un proyecto que se alimenta a sí mismo. Un ejercicio de canibalismo regenerativo que se esconde detrás de las palabras.  Puede que a partir de esta última visión hayan decidido subtitular el proyecto como “A non-linear Gothic Drama Hyper-Cycle”.  (No me atrevo a traducirlo.)

Es importante destacar que a pesar de que la historia transcurre detrás de un manto de letras, precisamente son las letras de este disco uno de los elementos que lo abastecen de una identidad única.  Hemos visto cómo el azar juega un papel trascendente en el proceso creativo, y el texto no está exento de dicho elemento de aleatoriedad.  Mientras Brian Eno proponía maneras de sortear las estructuras y el sonido de los personajes, Bowie introducía párrafos de texto en su Mac, generando así ideas sorprendentes y conjugaciones enrevesadas (parecido a la clásica técnica collage) con la  ayuda de “Verbasiser”, un software personalizado, creado por no sé quién, no sé cuándo, no sé dónde.

Atmósferas, atmósferas y más atmósferas

Sin duda “Outside” es un álbum en el que el objetivo de relatar a través de la atmósfera como lenguaje se cumple con creces.  No es el primer proyecto de Bowie donde a este aspecto se le da relevancia, aunque no de una manera tan clara y bien lograda como en el “Outside”.  Recordemos que además de colaborar Brian Eno en la “Berlin Trilogy”, también estuvieron presentes Robert Fripp en “Heroes” y Adrian Belew en “Lodger”.  Estos dos músicos impresionantes, que después seguirían su “romance” en King Crimson llegando a grabar varios discos, fueron piezas fundamentales en la elaboración de un sonido que, sin saberlo, anticipaba de alguna forma el sonido conseguido en “Outside”.  Aunque ya no contasen con ellos en los ‘90, el resultado atmosférico no sólo termina de afianzarse, sino que además se materializa como un ente independiente que ocupa un lugar más que importante en la música popular de fines del siglo XX.

También es de agradecer que el curso que estos factores obligaron a tomar a Bowie como cantante haya sido tan enriquecedor para él y para todos los que nos atrevemos con este disco.  Nunca antes de este proyecto Bowie había interpretado líneas melódicas tan (hermosamente) disonantes como la de “Wishful Beginnings” o tan rocambolescas como la de “A Small Plot of Land”.  El ‘diabulus in musica’ (tritono) enseña los dientes constantemente, pero no asusta.  De hecho, no te das ni cuenta de que está ahí, lo que denota una construcción melódica inteligente que no carece de contenido emocional, es decir, que no sólo busca un resultado matemático sino que da la impresión de haber sido perseguido con gran intuición.

Fin de Siglo, Industria y Maquinaria Pesada

Además de las grandes atmósferas que hemos comentado, el proyecto funciona también gracias a  grandes contrastes. Si hablábamos de melodías disonantes, podemos también hablar de melodías más digeribles en temas como “Thru’ These Architects Eyes” o “Strangers When We Meet”.  Si encontramos atmósferas de textura onírica y dotadas de profunda oscuridad, encontramos en contraparte la brutalidad y el peso de la industria en el sonido de las guitarras de temas como “Hallo Spaceboy”o “The Hearts Filthy Lessons”.

A través de todo el espectro de timbres, matices y sensaciones ofrecidas en este disco puedo ubicarme fácilmente en un fin de siglo distópico, pero no sólo al final del siglo XX, sino también del XXI o cualquier otro, ya que podría decir que el sonido conseguido se siente temporalmente ambiguo.  Puedo saborear, sin esforzarme, la decadencia de fines del siglo pasado, pero también el olor desconocido de calles repletas de gente en  ciudades infestadas de vehículos voladores, de un futuro que puede que nunca llegue a existir.

Para terminar, sólo destacar que las piezas que componen esta maquinaria pesada de ruidos ordenados parecieran haber sido seleccionadas con especial cuidado. El cúmulo de talento de los músicos que participaron en el proyecto, podría cegarnos al leer sus nombres, así que recomiendo continuar leyendo con los ojos entreabiertos:  Carlos Alomar (Iggy Pop, Paul McCartney, Mick Jagger, Soda Stereo), Joey Baron (Bill Frisell, Fred Frith, Joe Lovano, John Zorn), Mike Garson (Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, No Doubt), por mencionar solo algunos.

A continuación adjunto un vídeo que encontré mientras divagaba por ahí, que contiene 40 minutos de material que no se incluyó en “Outside”.  Si disfrutas escuchando el disco, es más que probable que dicho material sea de tu interés.  Si no has escuchado nunca el disco, recomiendo escucharlo antes de pasar al vídeo.  Si no quieres ver el vídeo, no pasa nada, tampoco hace falta.  Si  tampoco quieres escuchar el disco, tú te lo pierdes.

The Black Keys son el tipo de banda que no esperas que obtenga jamás un éxito masivo, no porque no sean buenos sino porque su música es tan diversa, heterogénea y retadora que difícilmente calza con las convenciones musicales de la radio y los blog del rubro. Y sin embargo, fueron éstas las características que llevaron a Brothers, su anterior producción, a convertirse en un rotundo suceso de ventas y crítica, mostrando así que no hay nada escrito en estos asuntos de la música y que hasta la banda más extraña es capaz de obtener el éxito si ofrece algo de tremenda calidad.

La fama y fortuna que acompañaron a este lanzamiento del 2010 no pudieron sin embargo vencer la ética laboral y la disposición para el arduo trabajo del dúo compuesto por el guitarrista/cantante Dan Auerbach y el baterista y productor Patrick Carney quienes, más que dormirse en sus laureles, prefirieron regresar al estudio para armar, en tan sólo 40 días, su nueva producción titulada El Camino.

Un álbum que no comparte la inspiración blues, melancólica y relajada de su anterior producción, sino que viene a demostrar que a este trío le gusta retar al escucha. Y es que aquellos que se hayan acercado al grupo debido a las melodías de Brothers se las verán difíciles tratando de empatar esas vibras con este nuevo disco, en el que la banda ha dado una nueva vuelta de tuerca a su estilo para producir 38 minutos llenos de un rock and roll directo, pegajoso y mucho más ligero.

Las referencias al pasado continúan en este nuevo álbum, sólo que sacadas de otros lugares y recuerdos. El grupo no sólo toma elementos de sus primeros discos, también hace guiños a ritmos como el rock and roll, soul, garage, surf y un poco de blues, todos metidos en la licuadora para lograr un disco directo y simple que no por ello deja de tener sus misterios.

Sónicamente, este álbum sigue trabajando en el espectro lo-fi, con un ritmo rápido y sin complejos que te golpea la cabeza desde el primer segundo y continúa rebotando ahí aún después de que sus 11 canciones han terminado. La co-producción de Danger Mouse, quien regresó por sus fueros a petición expresa de la banda, permite apreciar además la potente batería, la excelente guitarra y la fuerza que transmiten los músicos en un producto totalmente amarrado y compacto que sigue una misma línea de principio a fin.

Aquí las influencias arriba mencionadas juegan un papel importante pues es en las melodías que El Camino tiene su mayor fuerza. El álbum apuesta por la rapidez, la urgencia y nulos momentos de descanso. No hay un track que permita relajarse, todos invitan a mover la cabeza y los pies en perfecta sintonía, haciendo gala de una de las principales características de este álbum que es la inmediatez.

Según ha revelado el mismo grupo, este álbum fue grabado prácticamente a partir de primeras tomas y sin ninguna idea pre-concebida. De ahí que tal vez por eso las canciones suenan tan fáciles de digerir, pues presentan un tipo de rock and roll clásico, pegajoso y guitarrero al que es muy fácil engancharse. Este es por ejemplo el espíritu detrás de “Lonely Boy”, una canción que no sólo hace uso de estos elementos sino que además presenta una letras sumamente sencilla, acompañada de coros pegajosos que abre con bombo y platillo esta nueva grabación.

Las influencias sesenteras y el groove hacen su aparición en canciones como “Sister”, Mind Eraser , “Dead & Gone”, en la que la banda le da paso a los sintetizadores como principal influencia; o “Gold On the Ceiling”, que utiliza además de dichos instrumentos un sólo de guitarra hacia el final, demostrando que son sus cuerdas las que se llevan los honores en esta producción pues, como cualquier buen rock and roll, las canciones de este álbum responden a este instrumento y sus caprichos.

La banda hace un descarado y juguetón guiño a Led Zeppelin en “Little Black Submarines”, tema que comienza con un folk mucho más acústico y termina con unos potentes riffs de guitarra y coros que recuerdan inequívocamente al tema más famoso de este cuarteto inglés.

Canciones como “Money Maker” y “Run Right Back” hacen gala de un rock poderoso y sin cortapisas en el que la banda abandona los coritos pop para poner más tuétano a la mezcla. Finalmente, en canciones como “Hell of a Season”, “Stop Stop” y “Nova Baby” la agrupación utiliza estos mismos elementos sólo que ahora sí aderezados con muchos coros pegajosos y hasta un solo de guitarra al final de la penúltima y última canción.

En cuanto a letras, hay que decir que la banda no hace uso de mayor profundidad. De hecho, el propio Auerbach ha dicho que éstas fueron compuestas para calzar con las melodías como complemento de las mismas y que de hecho no hablan de nada en particular o importante. Es así que tenemos muchas referencias al amor de manera bastante inocente y en diversas variantes, todo con referencia a las temáticas y palabras de la década a la que este álbum hace reverencia: los años 60.

En contra de este disco podría decirse que la profundidad ha sido dejada fuera, algo que, como dije al principio de esta reseña, va a chocar a aquellos que se subieron al carro de las llaves negras con su introspectiva y melodiosa producción anterior. Aquí no hay espacio para las tristezas, las cavilaciones o cualquier reflexión, pues desde el primer segundo el ritmo levanta tus pies en imperioso baile, dejándolos ir sólo hasta el último segundo del último track.

A su favor, debo decir que The Black Keys han sabido hacer un guiño al pasado sin sonar jamás fuera de moda, construyendo en el camino un disco pegajoso y de fácil acceso que permite brincar y festejar aún en el más oscuro invierno. Melodías simples pero bien hechas que reflejan la capacidad de esta banda para reinventarse y ofrecer un producto fresco a partir de cualquier influencia.

Insisto, habrá algunos a los que El Camino les sonará demasiado simple. Pero la mayoría quedarán conquistados al primer segundo por este ritmo lleno de testosterona que ofrece el mejor sonido que se puede escuchar hoy en día sin necesidad de hacer un viaje al pasado.

Fecha de lanzamiento: 2/12/2011
Discográfica: Nonesuch Records
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “Lonely Boy”, “Run Right Back” y “Gold On the Ceiling”

Un álbum doble es una prueba de fuego para cualquier artista, de hecho, la gran mayoría no salen bien librados de este tipo de aventureros intentos. Claro, está el grandioso álbum de los Smashing Pumpkins para probar lo contrario, pero hasta esa maravilla de 28 canciones tenía sus momentos bajos, y la verdad es que los tiempos en los que un artista podía vender más de 10 millones de copias de un disco de formato poco convencional han pasado hace mucho. Sin embargo, la ambición de los músicos sigue ahí.

Fue de hecho el álbum de los Pumpkins una de las cosas que llevó a Anthony Gonzalez a decidirse para crear un álbum doble, armado a partir de recuerdos de su niñez y juventud; un pasado que, engrandecido por el tiempo siempre luce, y lucirá, en maravilloso tecnicolor.

De esta manera nació Hurry Up, We’re Dreaming, la nueva entrega de su banda M83, un grupo más bien concebido como colectivo inserto en los géneros del shoegaze, el dream pop y un poco de electrónica. Sin embargo, con esta nueva producción la banda y su líder han dado un paso más allá en la experimentación sonora, pues le han dado todavía más peso a los sintetizadores y aparatos electrónicos, utilizando incluso la voz de Anthony, modificada a partir de diversos aparatos, como un instrumento más.

También han utilizado voces como la de Zola Jesus, quien abre junto a Gonzalez la producción en “Intro”, un tema que crece lento y que desde sus primeros acordes nos demuestra que estamos a punto de embarcarnos en un viaje fenomenal. Desde aquí es notorio asimismo el atrevimiento del músico, quien ha decidido cantar alto y fuerte en esta ocasión.

El álbum está construido a la manera de un diario inter-espacial, en el que el protagonista (y nosotros por añadidura) viaja a diversos mundos cual si de una película de ciencia ficción se tratara, pero no de esas que se producen hoy en día, sino de una realizada hace algunas décadas, con el tecnicolor al máximo y los botoncitos falsos brillando en todo su esplendor.

El disco tiene diversos momentos, desde aquellos en los que la acción se dispara como en “Reunion”, melodía que suena como una canción ochentera de Génesis pero en un mundo alternativo, con el joven Gonzalez a punto de subirse a la nave espacial para iniciar el viaje intergaláctico. O “Raconte-Moi Une Historie”, en la que el niño Gonzalez se inspira (o al menos eso creo yo) en Homero Simpson, contándonos una historia en la que habla de besar (o lamer) un sapo para cambiar su mundo a través de un acorde de sintetizador repetido al infinito y la risa interminable. Su par en el segundo disco “Year One, One UFO”, sigue la misma tónica juguetona aunque con más instrumentos de principio a fin.

Aquí también encontramos melodías como “Claudia Lewis”, con un súper producido teclado intermedio en forma de sólo que remite a Back to the Future, capas interminables de sonidos sintetizados además de una que otra guitarra eléctrica; rarezas sonoras y ambient como “This Bright Flash”, y tracks medianos como “Steve McQueen” o “Echoes of Mine”.

El disco también cuenta con breves pausas para observar la tierra de lejos, construidas a partir de reverberantes sintetizadores y melancólicos pianos como “Where The Boats Go”, “Another Wave From You”, “Fountains” o “When Will you Come Home”; o de instrumentos más acústicos e insertos en el ambient pop como “Soon, My Friend” o “Wait”, una belleza de cinco minutos de final épico y sobresaliente. Otras, como “Train to Pluton”, suenan como si estuviéramos embarcando nuestro equipaje, listos para tomar el tren galáctico a Plutón; mientras que en temas como “My Tears are becoming A Sea”, una especie de órgano grandilocuente nos da la bienvenida a un nuevo planeta que nos absorbe con toda su vegetación y nos llena los ojos de un nuevo planeta. La belleza de mundos lejanos también se refleja en “Splendor”, en donde son las voces, de diversos tamaños y colores, las que llevan la melodía de suaves tonos melancólicos.

Asimismo hay momentos para el baile como “Midnight City”, en los que el grupo presume nuevos instrumentos agregados a la mezcla como el saxofón en forma de solo que termina esta canción y las voces de Anthony en primera fila; o “New Map”, que trabaja de la misma manera sólo que inserta en el rock más que en la electrónica.

Así, después de 1.20 horas, “Outro” cierra el viaje espacial de la misma manera en que lo comenzó, con acordes sostenidos y amplias vocales que permiten colgar así el letrero de “fin” y dar inicio a los créditos de esta aventura espacial que corta de repente como si de un video casero se tratase. El resultado es un álbum de hechuras legendarias, múltiples capas llenas de voces, sintetizadores e instrumentos como la guitarra, el bajo, la batería, el saxofón, cuerdas y metales que sirven por momentos de descanso auditivo ante los omnipresentes teclados.

Porque esta es una placa electrónica sin duda, a pesar de sus momentos rock y ambientales, construida a partir de un instrumento que obviamente representa la facilidad e inmediatez para Gonzalez. La producción saturada también está presente cortesía de Justin Meldal-Johnsen, quien ha trabajado con gente Beck y Nine Inch Nails y que seguramente ha de haber aportado algo de ruido a la mezcla.

Hay que decir que, como cualquier álbum doble, este disco tiene momentos muy cansados, especialmente al final, pues después de un rato el viaje puede convertirse en algo un poco aburrido. Sin embargo, no se llega nunca al tedio pues está balanceado de manera que tracks más movidos entren después de los temas lentos, logrando así una combinación sonora que nos lleva lo mismo en un asiento de tren a través de las estrellas que a correr en medio de selvas plutonianas y plantas gigantes.

Aquellos aficionados al sonido ambient de anteriores intentos extrañarán la acústica en esta ocasión, pues es un hecho que Anthony buscó la saturación y grandilocuencia por encima de todo. Al final, este definitivamente es un disco para fans del grupo y buscadores de aventuras con oído paciente. También para aquellos aficionados a los viajes de ciencia ficción y exploradores del formato sonoro. ¿El mejor disco de M83? Yo realmente no lo creo, sin embargo, sí creo que, a su manera, este es definitivamente el “Mellon Collie…” de Anthony Gonzalez y su grupo: una excursión de tonos legendarios y sueños de colores saturados que en su belleza demuestra la importancia de la valentía a la hora de embarcarse en un viaje musical.

Fecha de lanzamiento: 18/10/2011
Discográfica: Mute Records
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Grooveshark.
Tres canciones destacadas: “Intro (featuring Zola Jesus)”, “Wait”, “Midnight City”

Coldplay es una agrupación que hizo historia. Con una serie de discos que, guste o no, logró llegar a la audiencia y millones de fanáticos en todo el mundo la formación liderada por Chris Martin a la cabeza comenzó a evolucionar y después de dos primeros álbumes con himnos como “Yellow”, “Trouble” o “God Put a Smile upon Your Face” comenzó a experimentar con sintetizadores y, años más tarde, llegaron X&Y y, su último disco, Viva la Vida or Death and All His Friends.

Con una producción que estuvo de la mano de Brian Eno su último disco llegó en el año 2008 y, tres años después, muchos están esperando ansiosos el lanzamiento de Mylo Xyloto, del cual les venimos hablando hace mucho y que se trata de una producción conceptual que cuenta a través de sus canciones de la huída de una pareja en busca de la tranquilidad para poder amarse en paz y que, incluso -aunque no lo creo-, podría tratarse de la última producción de Coldplay.

De Mylo Xyloto se sabe bastante y de hecho tuvimos la posibilidad de escuchar una que otra canción que primero se filtró -o que filtraron- y después se terminó presentando el video. Hablo de “Every Teardrop is a Waterfall” que se trató del primer single, “Paradise”, el segundo y, finalmente, la filtración de “Princess of China” que fue el track que grabaron junto a Rihanna. Ahora, si bien el disco se lanzará oficialmente el 24 de octubre, la espera para los ansiosos fanáticos dejó de existir porque el disco se terminó filtrando, como sucede con prácticamente todas las obras muy esperadas hace ya años.

Al haber escuchado Mylo Xyloto sólo se me ocurrió la palabra evolución y entendí perfectamente por qué motivo Chris Martin viene haciendo referencia en relación a la producción como culminación de su obra y de la mejor grabación que hizo Coldplay hasta ahora. No sé si es la mejor, porque eso ya es cuestión de gustos, pero lo que es cierto es que aquí hay un poco de todo. Hay un poco de Parachutes, hay un poco de A Rush of Blood to the Head, un poco de X&Y y también de Viva la Vida or Death and All His Friends.

Hay evolución.

Mylo Xyloto tiene de todo. Tiene canciones de amor que lograrán emocionar a los más fanáticos que amen la voz de Martin y también tiene muchísimo de estadio. No necesito esperar para que Coldplay empiece a dar sus presentaciones por todo el mundo para ver a miles y miles de personas en diferentes estadios coreando con todas sus fuerzas y emoción “Every Teardrop is a Waterfall” o “Don’t Let It Break Your Heart”.

La experimentación también tiene un lugar y está presente en canciones como la que le da nombre a la producción, “M.M.I.X.” o “A Hopeful Transmission” que funcionan como si se trataran de separadores de libros. Uno separa la nada, el no-sonido, del comienzo de la producción; el otro parte a la mitad la producción con un sonido estático y casi imperceptible que dura casi un minuto y que da lugar al comienzo de lo que es el primer single; y el último funciona como si se tratase de un preludio anunciando que el fin está llegando.

Nos damos cuenta de que la cosa cambió mucho desde el principio, cuando después de la intro que es “Mylo Xyloto”, arranca “Hurts Like Heaven”. Es una canción rápida, nada común en la discografía de Coldplay hasta ahora y con muchísima onda que grita “Don’t let ‘em take control!”. Una batería potente que marca el ritmo del resto de lo instrumentos y una progresión que poco a poco va metiéndose en la canción en forma de órgano, synthe y un piano clásico a cargo de Martin que hará bailar a todos y que termina en una canción con sonidos muy voladores y una onda espectacular. Comenzar así es comenzar con un sabor de boca muy bueno.

“Paradise” no es nuevo y sus acordes ya nos suenan como si fueran conocidos de siempre. Un coro repetitivo en el que Chris Martin juega con la voz. Esta será otra de las canciones que todos corearemos cuando estemos frente a la agrupación aplaudiendo. Otro de los himnos y una de las más potentes que encontramos en todo el disco que da lugar a “Charlie Brown” que empieza con unos sonidos extraños en Coldplay y que, poco a poco, va naciendo como canción y empieza con una fuerza increíble.

“Us Against The World” y “U.F.O.” son dos canciones que recuerdan al viejo Coldplay cuando escribían canciones tranquilas y en las que se podía ver al grupo más relajado, confiando sólo en los instrumentos que tocaron durante toda su vida y sin hacer incursión en nuevos sonidos relacionados a la música electrónica. No está mal. Es bueno bajar un poco, recordar las raíces y darles un gusto a los fanáticos amantes de los primeros discos de la banda.

“Princess of China” es otro de los momentos fuertes del disco. Acá, como sucede siempre que se pueden ver grandes cambios en las bandas, probablemente no habrá grises. Se dividirán los que amen la canción y los que la odien. La realidad es que no parece Coldplay. Acá podemos escuchar un tema con mucha electrónica y Rihanna de fondo coreando. Un órgano sintetizado, una guitarra repetitiva y unos beats que parecen de una canción que, así original como viene, podría tratarse de un remix.

La mejor balada de Mylo Xyloto, particularmente, me parece que es “Up in Flames” justamente porque hacen lo que saben hacer a la perfección. Viene de la mano de una lírica poética donde Martin dice que todo está terminado y que, esta vez, sabe perfectamente que se fue. Muy triste pero, al mismo tiempo y como sucede con muchas canciones que podrían deprimir hasta al más alegre de todos, bellísima.

El final se acerca pero la producción no deja de subir. El anteúltimo track se trata de “Don’t Let it Break Your Heart” y es una de las mejores de todo el disco. Un tema volador que empieza muy arriba y que, si bien parece que en algún momento tendrá que tranquilizarse un poco, no lo hace. Un coro precioso, un sonido espectacular y unos gritos de Martin pidiéndole a ella que vuelva y que no les permita que rompan su corazón.

Conclusión

No es raro ver por qué lo integrantes de la agrupación, desde lo visual, quisieron darle muchísimo color a Mylo Xyloto. Esta producción está repleta del mismo. Es una pintura feliz, una pintura de amor llena de lugares bellos y, al mismo tiempo, tristes pero que desembocan en un lugar feliz.

El último disco de la agrupación británica quizás no les guste a los amantes más conservadores de la banda que preferirían que siguieran haciendo las baladas que fueron presentando a través de su obra pero, sin lugar a dudas, es probablemente uno de los mejores discos que hicieron. Junto a la ayuda en la producción de Brian Eno, Martin y compañía lograron una producción completa, llena de subidas y bajadas que no deja de sorprender ni un momento. Pudieron respetar su sonido y, también, innovar en su sonido. Pocas bandas logran hacerlo.

Fecha de lanzamiento: 24/10/2011
Discográfica: Parlophone
Compra el disco: Web de la banda
Tres canciones destacadas: “Hurts Like Heaven”, “Charlie Brown”, “Don’t Let It Break Your Heart”

Un órgano tubular chapado a la antigua que se hace controlar digitalmente, un arpa en forma de péndulo gigante, una bobina de Tesla conectada a un sintetizador y algún que otro artilugio semi-analógico más, construido por encargo, que aprovecha las fuerzas de la naturaleza para crear música. Una serie de aplicaciones multimedia que la combina con efectos visuales y una interfaz interactiva. Una ópera científica que rinde culto a los fenómenos físicos. Lo primero que notamos al acercarnos al séptimo (¿octavo?) álbum de estudio de Björk es que, sí, efectivamente, nos encontramos ante su proyecto más ambicioso hasta la fecha.

Biophilia llega cuatro años después de Volta (2007), y es a la vez un disco conceptual, un show en vivo adjunto a una suerte de exposición tecnológica que promete dar vueltas por el mundo, y un conjunto de apps de iPhone y iPad –una por cada pista– que se descargan individualmente y se guarecen bajo una app madre.

Como en toda obra de electrónica experimental con tendencias lutieres, el nuevo puñado de canciones de la islandesa busca hacerse notar más por su ejecución que por intentar llegar a un resultado concreto y ortodoxo dentro de las reglas de la música convencional.

En algunos momentos, las reminiscencias de sus anteriores trabajos son muy evidentes: “Virus” podría encajar muy bien en el repertorio de la era Vespertine (2001), mientras que “Cosmogony”, introducido por arreglos de metales à la “Dull Flame Of Desire”, es muy parecido a lo que escuchamos en Volta. En otros, Björk saca provecho a algunos de los instrumentos extravagantes nombrados al comienzo para crear momentos verdaderamente brillantes: en el movido “Crystalline” presume el gameleste, otro de sus inventos, a la vez que deforma aleatoriamente toda estructura que la encasille en algún ritmo particular; y en “Mutual Core” le suelta las riendas a un frenesí tropical que constituye una de las partes más divertidas de la obra.

Sin embargo, la apreciación completa requiere verla a ésta desenvolverse en su ecosistema audiovisual, una experiencia interactiva que ilustra sus canciones, echa luz sobre su concepto y atenúa la densidad de sus momentos más abstractos y minimalistas. La app suite para iOS, que contó con la dirección artística del neoyorquino Scott Snibbe, incluye imponentes tratamientos visuales que interactúan con el oyente, narraciones y ensayos.

No podríamos dejar de ver en ella el futuro de la industria musical de no ser porque el soporte es, además, una plataforma comercial que se aprovecha perspicazmente del boom de las aplicaciones móviles y las interfaces táctiles. Por ello, por transgredir una vez más los estándares del pop, y por intentar disolver aquel divorcio entre ciencia y arte, Biophilia es uno de los proyectos indispensables del 2011.

Fecha de lanzamiento: 10/10/2011
Discográfica: One Little Indian
Compra el disco: Amazon (álbum); iTunes (app)
Tres canciones destacadas: “Crystalline”, “Mutual Core”, “Virus”

El estilo se tiene o no se tiene. Si echamos una mirada al pasado en el mundo de la música son los artistas con una personalidad propia los que dejaron huella, los que influenciaron a las generaciones venideras. Dependiendo de cómo lo miremos, podríamos decir que cada vez es más difícil tener un sello propio, es decir, innovar, sorprender. Cada vez hay más grupos con propuestas muy dispares entre sí y es una ardua tarea no sonar a alguien casi por casualidad. Sin embargo, podemos afirmar todo lo contario porque si mezclamos tan solo un poco de todas las bandas que nos gustan, el resultado puede ser algo nuevo y quizá interesante. De hecho es raro encontrarse con un artista que no recuerde un poco a tal cantante o a tal grupo.

Twin Sister un quinteto de Nueva York que ya dio que hablar con dos EP’s que recogían influencias de Portishead y The Cocteau Twins, entre otros, y que está despuntando ahora con una agenda de conciertos generosa y con un primer LP que puede asentar a la banda en el panorama de la música independiente.

In Heaven incluye diez canciones completamente diferentes entre sí. ¿Es esto seguir un estilo definido? A priori, no. No existe un patrón común en el que uno pueda identificar a un grupo que suena a disco pop o a retroindie, una pesadilla para las campañas promocionales. Pero, ¿quién dijo que no tener un estilo no era en sí mismo un estilo característico?

Efectivamente, los poco más de treinta y tres minutos de este álbum son una auténtica amalgama de sonidos, de ambientes y de efectos. Para empezar con el listón alto nada mejor que comenzar con un tema que tiene a un xilófono como protagonista. La melodía principal de “Daniel” merma tus sentidos, haciendo que entres en una espiral sonora que, al estilo del minismalismo, incluye cada vez más capas. Aquí el grupo nos ofrece una música vanguardista, agradable y muy densa.

Pero cuando uno ya está ensimismado entre esa mezcla de synth pop con avant-garde aparece “Stop”, una canción con un ritmo entre el funky lento y el soul que presenta unas cadencias, unos coros y unos arreglos bizarros. Realmente no sabes en ningún momento cómo va a seguir el tema. Es todo una sorpresa, embaucadora eso sí, especialmente en el tramo final.

“Bad Street” es la canción adelanto, la seleccionada para grabar videoclip. Por tanto, sigue una estructura un poco más simple que las demás, aunque sigue el patrón de “inclasificable”. La mezcla de retro dance, wah-wah y melodías de voz repetitivas son las características principales, pero a ver quién se atreve a ponerle nombre. Lo mismo sucede con “Space Babe” que incluye una caja de ritmos rescatada de los años 80 y un sintetizador que sirve de colchón para la melodía de la voz, muy relajada, quizá demasiado. Aunque eso no es malo porque la verdad es que te deja embobado.

“Kimmi In A Rice Field” es toda una aventura de efectos y de ambientes de todo tipo. Si hubiera que resumirla, se podría decir que es una canción que sigue un patrón de música asiática mezclada con la melodía de los viejos videojuegos. Todo ello a una velocidad muy lenta, algo que podría resultar demasiado pesado en ciertos momentos si no fuera porque cada armonía te atrapa un poco más. “Luna’s Theme” es un delirio, parece la banda sonora de un sueño. Muy relajante, tanto que puedes quedarte dormido a la mitad.

“Spain” es un corte que parece provenir de otra época. Tiene unas armonías cromáticas que recuerdan a las típicas bandas sonoras de las películas de Tarantino, de hecho no me cuesta imaginarla en Kill Bill Vol.3. También venida de unas cuantas décadas atrás parece “Gene Ciampi”, con toda la parafernalia psicodélica incluida. Me gusta sobre todo el ritmo del final, sesentero total.

Por si no lo has hecho ya, “Saturday Sunday” te hará esgrimir un “Pero qué co###!” porque, de repente, la banda se pasa al lado del indie pop, así, sin preámbulos. Y el resultado es acertado, aunque en lo personal he de decir que me resulta ciertamente pegajosa.

Y para cerrar el disco llega “Eastern Green”, con Eric Cardona -guitarrista- cogiendo el micrófono para demostrar que también tiene algo que decir en el grupo, algo bastante melancólico por otra parte. Así acaba el disco y así te quedas, con un sabor que no sabes definir, pero que te gustaría repetir. Y si repites es porque te gusta, ¿no? La cuestión ahora es, ¿hasta cuándo te seguirá encandilando?

Fecha de lanzamiento: 26/09/2011
Discográfica: Domino
Compra el disco: En la web de su discográfica
Escucha el disco: En Spotify, Disco Naïveté, Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Daniel”, “Stop”, “Gene Ciampi”

The Kooks vienen con una carrera que toda banda envidiaría. Presentó un single que los llevó rápidamente al éxito (“Naive”, para los más despistados) y que continuó con canciones que valieron mucho la pena y nos hicieron dar cuenta que no se trataba sólo de un gran éxito. Muchos nos hicimos fanáticos, los fuimos a ver en vivo, disfrutamos de sus canciones y los cambios de voz en Luke Pritchard y la guitarra clásica de Hugh Harris pero, al mismo tiempo, pensábamos que el segundo disco decepcionaría. No lo hizo, después de Inside In/Inside Out llegó Konk y también sorprendió aunque, como era de esperarse, no tanto como el primero. Sea como sea, logró mantener a la agrupación en el ojo de la tormenta musical, haciendo presentaciones por todo el mundo y liderando algunos de los más relevantes festivales.

Finalmente la esperada fecha llegó y, el 12 de septiembre de este mismo año, presentaron su tercer trabajo discográfico que lleva el nombre de Junk of the Heart y, nuevamente, los Kooks no defraudaron.

Empieza con una canción que lleva el mismo nombre del disco con un pequeño agregado, “Junk of the Heart (Happy)”, que además se trata también del primer sencillo. Es una canción bien clásica de The Kooks que tiene un estribillo pegadizo, habla del amor y las mujeres en las que Pritchard se inspira y tiene rasgueos de guitarra pegadizos que están a cargo del señor Harris. La base de la batería bien tranquila y que sigue el compás. No hay nada innovador pero si las cosas aunque no innoven se hacen bien, igualmente llamará la atención. Esto es lo que sucede con el primer single.

Lo malo aquí es la no-evolución. Si bien la música de The Kooks es pegadiza, se sigue manteniendo en lo que venimos escuchando hace ya dos discos. Lo seguimos soportando, sin lugar a dudas y hasta por momentos nos dejamos perder en los sonidos creados por esta agrupación, pero en otros momentos nos damos cuenta que las canciones que están en Junk of the Heart podrían haber formado parte del álbum que lanzaron en el 2006. Las personas que escuchaban a la banda en aquella época -vos y yo- crecimos y necesitamos una evolución. No se puede escuchar siempre lo mismo de una agrupación por más que esto esté bien hecho.

Imaginemos por un segundo que Arctic Monkeys hubiera sido durante toda su carrera como lo fueron en Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not o Favourite Worst Nightmare. Guste o no Humbug y Suck It And See no son iguales y esto, aunque muchos prefieran la primera parte de la carrera de los monos, es como debe ser la música: evolutiva.

Pero no sólo vamos a hablar de lo malo de Junk of the Heart o la no-evolución de The Kooks. Sin duda que en su tercer disco hay unas cuentas cosas para rescatar.

Creo que la situación perfecta para escuchar la nueva producción es tirados en el pasto de un parque con una chica, disfrutando del sol y la música de fondo que habla, sobre todas las cosas, sobre el amor. Un poco adolescente pero sí, así son los Kooks y si les gusta van a tener que aceptarlo. Aquí la banda de Brighton no está tratando de competir con la innovación de Radiohead o la experimentación de The Mars Volta. Luke, Hugh, Peter y Paul apuestan a los coros, los riffs pegadizos y, si eso es lo que los llena musicalmente, nadie puede decir nada en contra.

“Is It Me” es otra de las canciones que está muy bien. Es bien kookera con la voz de Pritchard en primer plano con una base de batería perfecta con mucho ritmo y ganas y una guitarra que va entrando poco a poco hasta convertirse en una de las protagonistas. Una buena canción donde The Kooks pide una copa de vino y donde se preguntan si son ellos los que tienen la culpa o si es el momento en el que todos estamos viviendo.

La conclusión es que si les gustó el material que pudieron escuchar anteriormente de The Kooks probablemente les gustará esto porque, sin lugar a dudas, tiene el sello de The Kooks sin demasiado que se modifique. Hay lentos, hay amor y un poco de reflexión sobre la vida y las personas que nos rodean.

Fecha de lanzamiento: 12/09/2011
Discográfica: Virgin
Compra el disco: en la web de su disquera.
Descarga el disco: en la red.
Tres canciones destacadas: “Killing Me”, “Eskimo Kiss”, “Rosie”

Decía Nietzsche que la independencia era cosa de pequeñas minorías, “el privilegio de los fuertes” la llamaba. Y no le faltaba razón. No seguir la corriente que todo el mundo sigue tiene sus consecuencias y, como en todo, la suerte juega un papel fundamental en el resultado. Ante ese factor sorpresa quizá la mejor actitud sea mantenerse fiel a tus principios. De esa manera serás totalmente consecuente con todo lo que consigas, sea bueno o malo.

Parece muy fácil decirlo pero no tanto llevarlo a la práctica. No hay tanta gente capaz de ser independiente siempre. Y si nos centramos en el mundo de la música, con todas las presiones que puede encontrarse un grupo para seguir existiendo, todavía es más difícil. No obstante, The Jezabels es una de esas bandas que, sin miedo, podemos tildar de independientes de principio a fin. A pesar de saborear la aceptación y la popularidad en la escena indie europea con numerosos conciertos, con las posibles ofertas que eso ha podido conllevar, este cuarteto de Sydney ha preferido publicar por su cuenta su álbum debut.

Prisoner es, por tanto, una apuesta atrevida para los tiempos que corren. Su nombre es una contradicción porque sus trece canciones han sido compuestas con la total libertad que implica no tener que rendir cuentas más que a ellos mismos. Por esa misma razón nos topamos con la primera canción, la que da título al CD, con una introducción de órgano al más puro estilo gótico. Se trata de un primer track que coquetea con el rock progresivo y en el que el baterista, Nik Kaloper, muestra su buen hacer con su instrumento. Muy acertada la parte electrónica del final.

Con un ritmo enmarañado llega “Endless Summer”, la elegida como single. Es un tema más agradable y fácil de escuchar, con unas líneas de voz muy pegadizas y un estribillo muy logrado. De un corte más sentimental es “Long Highway”, que presenta un juego dinámico muy interesante, con partes muy intensas y otras más calmadas. Me gusta el empaque conseguido entre guitarras y piano.

The Jezabels transmite la sensación de ser un grupo porque sus cuatro integrantes acaban aportando su personalidad al sonido final, y es algo que se nota porque no solo un miembro es el protagonista, cada instrumento tiene su hueco y su momento. Lo más fácil y lo más común en las bandas es que el cantante sea el más destacado. No es este el caso ya que la voz de Hayley Mary encaja muy bien con el resto de la música; sobresale cuando tiene que sobresalir, pero también en ocasiones pasa a un segundo plano. Lo apreciamos en canciones como “Trycolour”, donde la guitarra tipo post rock predomina o en “Deep Wide Ocean”, donde la instrumentación es muy rica y variada.

El álbum lo podríamos dividir en dos mitades. Por un lado tenemos las canciones más animadas, más rítmicas y más eléctricas, mientras que en el otro tenemos las más tranquilas. Completando la lista del primer grupo encontramos “Horsehead”, que tiene unos ritmos muy interesantes y vivos y una línea de voz que puede recordar por momentos a los patrones que usa Dolores O’Riordan, aunque se acaba distanciando de aquélla con tonos más líricos y agudos. “Nobody Nowhere” tiene una estructura muy orientada al post-rock, con distorsiones muy densas y con ambientes muy minimalistas. Es corta, pero intensa, sobre todo en los segundos finales.

“City Girl” podría considerarse como una canción a caballo entre las dos mitades. Es tranquila pero tiene un ritmo básico que se compenetra muy bien con la guitarra eléctrica, que utiliza mucho el delay con un resultado bastante interesante.

Del lado más tranquilo están “Austerlitz”, una pieza instrumental muy intimista, “Peace Of Mind”, donde Hayley nos muestra su lado más sentimental, con un hilo de voz que pone los pelos de punta, “Reprise”, una transición de reposo breve entre canción y canción y “Catch Me”, una auténtica obra maestra. Incluye muchos cambios, melodías memorables y arreglos cuidadísimos. El mejor plato para el finall.

Prisoner es un disco muy heterogéneo, con momentos musicales para todos los gustos. Pero, sobre todo, es un disco para saborear, con muchos detalles para descubrir y con canciones para recordar. Totalmente recomendado.

Fecha de lanzamiento: 16/09/2011
Discográfica: Independiente
Compra el disco: Desde su web oficial
Escucha el disco: En Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Endless Summer”, “Peace Of Mind”, “Catch Me”

Dicen que las mejores canciones, o al menos las más verdaderas, son aquellas que se componen en épocas difíciles. Si hiciéramos un repaso de los temas con más éxito de la cultura popular contemporánea seguramente nos percataríamos de que los músicos no solo viven de sus ideas musicales, sino de los sentimientos que les llevaron a crearlas, dando como resultado auténticas odas a la tristeza o incluso todo lo contrario, melodías para superarla.

Cass McCombs es una de esas personas con una vida peculiar que bien podría adaptarse a un libro o a una película. En realidad tampoco difiere mucho de la de millones de personas que no lo tienen fácil para subsistir. Su biografía está marcada por la falta de recursos y por un estilo vital basado en el nomadismo. Pasó gran parte de su juventud viajando de ciudad en ciudad junto a su guitarra acústica. Las experiencias que fue viviendo entonces le animaron a componer canciones hasta que en 2001 grabó su álbum debut, Not the Way E.P. -justo después de los atentados del 11 de septiembre-. Después fue ganando algo de fama a base de tocar y tocar y finalmente ha conseguido cierta estabilidad como cantautor.

Aunque el próximo 8 de noviembre publicará un nuevo disco llamado Humor Risk -del que ya podemos escuchar “The Same Thing”, el primer single-, hoy vamos a dedicarle un tiempo a WIT’S END, una obra que publicó hace varios meses y que viene acompañada de buenas palabras de la crítica especializada. Ocho canciones componen este “Final del Humor”. ¿Lo escuchamos?

“County Line” es la encargada de iniciar este CD. Los primeros compases ya nos sugieren que esto no va a ser una recopilación de momentos alegres. El video oficial refleja la rutina de las largas horas de viaje de una ciudad a otra, aunque también hay otros videos dedicados al consumo de heroína que tampoco rechinan con el mensaje de la canción. Se trata de una primera canción que ya crea un ambiente muy intimista, muy languido. Un ambiente que sigue manifestando “The Lonely Doll”, que incluye arreglos más brillantes, con algo más de luz. Una especie de caja de música y una melodía al más puro estilo nana vertebran un tema tranquilo y para disfrutar en soledad.

Y es que la soledad es uno de los detonantes de este álbum. El propio McCombs ha confesado que a la hora de crear las canciones que componen este trabajo se basó en los momentos en solitario “que todos pasamos”, y de la sensación de volatilidad que todos tenemos con la felicidad, por ejemplo. Así, con canciones como “Buried Alive”, los sentimientos se llevan al extremo. ¿Qué pasaría si fuésemos enterrados vivos? “Nada”, responde, “mientras nuestra alma quede intacta”. Se trata de uno de los cortes más destacados del disco, con melodía y mucho feeling de por medio. Me ha gustado sobre todo la parte instrumental del final, muy barroca.

Cualquiera diría que la siguiente canción, “Saturday Song”, es ideal para animar un sábado, día tradicionalmente dedicado a la fiesta. Los acordes disminuidos y tristes dominan en una composición cargada de tristeza y de pesimismo. Demasiado monótona y cargante como para escucharla con buen ánimo. “Memory’s Stain” inicia con un piano desbordado por el recuerdo y por la influencia de la música clásica. No me gustan mucho los fraseos que Cass hace en algunas líneas de voz, pero poco a poco el ritmo que crea la base musical te va atrapando, llevándote hacia un pasaje imaginario, a un recuerdo lejano que pronto se rompe por la realidad. Son más de siete minutos que hay que saborear, eso sí, inundado en la tristeza.

“Hermit’s Cave” comienza con algo de ritmo de percusión y alguna guitarra acústica alegrando nuestro oído, pero pronto acaba decayendo hasta un intimismo quizá excesivo, dominado por la voz del artista y que te sumerge de sentimientos pesimistas. “Pleasant Shadow Song” es, como su propio nombre indica, un tema agradable de escuchar, pero lleno de sombras. Parece como si las melodías te acariciasen, pero al final de la canción te das cuenta de lo tremendamente triste que te hace sentir. Aliviado, sí, pero con los ánimos por los suelos.

Y para cerrar el álbum nos topamos con “A Knock Upon The Door”, un tema de más de 9 minutos cargado de arreglos -que hay que agradecer al productor Ariel Rechtshaid, que repite papel en el próximo disco- y, como es habitual en este LP, de decadencia. Los arpeggios de guitarra acústica y los sonidos de oboes y faggots le dan un toque más agradable a una canción que, de por sí, es todo un deleite escuchar.

En líneas generales WIT’S END es un disco lleno de solemnidad, de madurez y de tristeza. Mejor no saber qué clase de momentos vivió Cass mientras componía estos temas, pero a nosotros nos queda un legado sentimental muy verdadero y muy apropiado para escuchar en los momentos difíciles. No obstante, no creo que sea adecuado para celebraciones. Tampoco era su propósito. He aquí, pues, un fragmento de música triste y bien hecha, para quien la desee gustar.

Fecha de lanzamiento: 26/04/2011
Discográfica: Domino Records
Compra el disco: Desde su web oficial
Escucha el disco: En Spotify o Grooveshark
Tres canciones destacadas: “County Line”, “Buried Alive”, “A Knock Upon The Door”

La expectación ante el nuevo disco de Dream Theater ha sido inmensa, aunque no sé si esta vez ha sido por la enorme calidad de sus músicos y la gran obra que entre todos pueden conseguir o por la marcha de Mike Portnoy. Y es que el baterista no solo se limitaba a tocar su instrumento -que de por sí no es nada desdeñable-, sino que era una parte muy importante en el mecanismo de composición de la banda, así como de gestión de conciertos y de imagen global. Mike Portnoy es todo un símbolo dentro del mundo de los bateristas y, aparte de ser miembro fundador de Dream Theater, aportaba las ganas e ilusión que tantas veces se echan en falta en las grandes formaciones.

Para resumir todo el drama, llegó un momento en el que Portnoy le propuso a sus compañeros un descanso para que la banda recargara las pilas y volviera con ideas frescas. Estos no aceptaron y decidieron continuar sin él, muy a su pesar, por cierto. Tocaba buscar sustituto y Dream Theater, después de unos últimos años de consolidación y de captación de fans, estaba en la cuerda floja. Y así lo refleja la portada de esta nueva obra, A Dramatic Turn Of The Events. Tras una búsqueda de baterista centrada en lo mejor de lo mejor, Mike Mangini ocupó el puesto de Portnoy y todo comenzó a rodar de nuevo. Pero todo se tenía que cuidar muy bien porque el invento podía resultar mal para el grupo.

Todo este contexto explica por qué el nuevo disco de Dream Theater no aporta nada nuevo a lo que ya conocíamos de ellos. Sin la mente creativa de Portnoy ejerciendo de director de orquesta, el grupo ha apostado por un sonido clásico, con canciones que seguro gustarán a sus seguidores. Si hablamos en términos de cine, el conjunto ha preferido no arriesgarse, crear un blockbuster para asegurarse el éxito. Es más, el propio Portnoy ha ratificado la teoría de un productor que afirmó que, tras estudiar el álbum, había llegado a la conclusión de que se había utilizado como molde el Image and Worlds, uno de los más aclamados discos del grupo, para crear esta obra. Esto es lo que escribió Mike en respuesta al autor del artículo:

Gran y acertado post. Me di cuenta inmediatamente de todo lo que escribes tras la primera escucha del álbum… y lo encontré increíblemente extraño. Si son detalles intencionados, entonces creo que es una idea muy buena… Sin embargo, si es un intento desesperado por re-escribir secretamente el pasado… mmm, entonces no está tan bien… Creo que solo ellos [los miembros de Dream Theater] sabrán las razones de estas semejanzas.

No sé hasta qué punto habrá tantas similitudes objetivas, pero a mí a simple escucha no me lo parece. Encontramos canciones muy complejas como para comentarlas pormenorizadamente, pero hay una péndulo estílistico que oscila en torno al metal con todas las letras (“Bridges In The Sky”) hasta llegar a los momentos más calmados y melódicos que Dream Theater jamás haya escrito (“Far From Heaven”). Un buen punto a favor del sonido del CD es el protagonismo que se le ha vuelto a conceder a John Myung y a su portentoso bajo, algo que contrasta con la batería que, en ocasiones, pasa a un segundo plano.

Sobre el papel de Mike Mangini hay que romper una lanza a su favor. En mi opinión, Mangini es más baterista que Portnoy, es decir, tiene más recursos técnicos que la banda puede aprovechar en el futuro, pero creo que no tiene la misma capacidad compositiva que tenía el anterior baterista. En otras palabras, creo que el concepto de batería puede dar un paso más con Mangini detrás de los platos, pero eso puede hacer que Dream Theater se convierta en un entramado musical demasiado técnico e innaccesible para el público, que requiere de canciones con gancho para volver a escucharlas. De hecho, espero que el marcianismo técnico de los dos primeros minutos de “Lost Not Forgotten” se quede en el futuro en pequeñas pinceladas y no en rutina.

En definitiva, A Dramatic Turn Of The Events es un buen disco de metal progresivo, pero que no supone un paso más en la trayectoria de un grupo con 26 años de historia. Nos quedaremos con la duda de si Mike Portnoy habría conseguido colocar esta obra entre lo más destacado del año.

Fecha de lanzamiento: 13/09/2011
Discográfica: Roadrunner Records
Compra el disco: Desde su web oficial
Escucha el disco: En Spotify o Grooveshark
Tres canciones destacadas: “Lost Not Forgotten”, “Bridges In The Sky” y “Breaking All Illusions”

Seguro que todos hemos tenido la sensación de estar escuchando un grupo y pensar que viene de una época anterior porque sus canciones tienen un aire añejo. Sin embargo, nos llevamos una sorpresa al comprobar que, efectivamente, el disco se ha publicado este mismo año.

Y algo parecido a eso, mucho menos exagerado, claro está, me ha sucedido con Father, Son, Holy Ghost de Girls. Sus once canciones están cargadas de influencias clásicas; desde los Beatles a Depp Purple o Led Zeppelin. Y todo ello remozado en una mezcla de pop vintage, pero que suena muy fresco y cuidado. De hecho, cualquiera diría que se ha grabado en una oficina convertida en un estudio al uso.

Éste es uno de esos discos que deberían servir para definir el buen pop, la música fácil de escuchar, agradable, que no tiene fecha de caducidad y no los de otros artistas que no hacen otra cosa que dañar la imagen de un género que respira más allá de Rihannas, Justin Biebers o Britney Spears’. No tengo nada en contra de los artistas que acabo de nombrar, pero considero que su música no es para nada perdurable y sigue una corriente hecha con un fin, sin ir más allá. Que la producción de sus discos tiene calidad, sí, pero su música en la mayor parte de las ocasiones está vacía. Y se nota cuando uno escucha un álbum como este Father, Son, Holy Ghost.

El propio grupo lo dejó intuir seleccionando “Vomit” como primer single de la placa, una canción llena de recuerdos, inundada por el hammond y por unas guitarras que destilan nostalgia. Y aunque parezca que la cosa empieza animada con una playera “Honey Bunny”, la verdad es que dura poco la diversión. Más bien podríamos considerar el CD como una muestra de pop ideado en otra época y basado en la tristeza.

Girls no se complica a la hora de hacer canciones. No han creado un estilo nuevo, pero han sabido adaptarlo a los nuevos tiempos, darle un giro distinto a lo que fueron, por ejemplo, los Beatles -comparaciones aparte- y crear atmósferas de música para disfrutar, para paladear tranquilamente. Claros casos de ello son temas como “Just A Song”, simple, íntima y emotiva o “My Ma”, una de las piezas más destacadas del álbum por su sabor a viejos tiempos y su traslación al presente, aparte de una letra que reflexiona sobre hacerse mayor y buscar el sentido de la vida de uno mismo que da que pensar. Porque el pop no solo está hecho para bailar, sino para disfrutar del lado más amigable de la música. Eso no implica que el pop no pueda ser triste o melancólico, y a las pruebas me remito.

Del lado más técnico hay que decir que esta obra tiene un sonido muy cuidado y una producción -a cargo de Doug Boehm- excelente. Me ha gustado especialmente el tratamiento de las guitarras, muy limpias y con detalles muy elegantes. También hay que resaltar el buen empaste de la voz de con las líneas de bajo (compruébese con “Alex”).

En definitiva, es un disco que hay que escuchar.

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Tres canciones recomendadas

“Alex”, “Just A Song”, “Forgiveness”

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Hace algunos meses tuvimos a los estadounidenses de Wye Oak como nuestra recomendación semanal en Under, de ahí que era prácticamente obligatorio que asistiéramos a su primer concierto en la Ciudad de México el pasado viernes 26 de agosto; y no sólo porque habían sido una de nuestras recomendaciones, sino porque el grupo ha venido ganando bastante reconocimiento con su nueva producción Civillian, editada el pasado marzo a través de Merge Records.

El lugar elegido para su debut en México fue El Imperial, un antro/bar ubicado en la colonia Condesa que desde hace unos meses ha comenzado a albergar eventos más o menos íntimos como este. Ahora, si he de ser sincera, a mí francamente no me gustan los antros convertidos en lugares de concierto. Debo decir que ya hemos (¿he?) tenido suficiente con la porquería de acústica y visión que es el Pasagüero, como para desear “más alternativas” del tipo. Además, francamente no entiendo porque, teniendo un lugar tan bonito y bien acondicionado como el Lunario, los organizadores insisten en meternos a bares y antros que obviamente no están pensados ni diseñados para funcionar con conciertos bien planeados.

Y digo esto porque El Imperial tiene como única ventaja el ser un lugar “intimo”. El escenario está casi al nivel del público lo cual, si bien es cierto que te permite acercarte y ver bien desde casi todo el recinto, también tiene la desventaja de no darte una distancia apropiada ni para el sonido ni para evitar a los fotógrafos, que en esta ocasión no tuvieron a alguien que les informara que el público no había ido a verlos a ellos, de ahí que estuvieron prácticamente la mitad del concierto (algunos hasta más) tapando la visión de los que estaban hasta adelante. Y quiero aclarar que no tengo nada en contra de los profesionales de la lente, pero ciertamente ser profesional implica no sólo saber apretar el botón en el momento correcto sino aprender y respetar las reglas no escritas de aquellos que militan en esta profesión.

Obviamente, al ser este lugar una casona adaptada para bar/lugar de conciertos, el sonido también dejó mucho que desear, pues por momentos estaba demasiado saturado, algo que fue notorio en los temas más prendidos del grupo principal de la noche. En fin, lo cierto es que el bar no es un lugar feo y supongo que debe ser agradable para una noche de antro, pero yo realmente espero que algún día los organizadores de eventos en México se pongan las pilas y comiencen a buscar alternativas decentes que realmente funcionen como lugares de concierto.

La noche comenzó de manera formal poco después de las 23:00 horas con el grupo abridor: Yellow Yesterday, que a mí, y creo que lo mismo le pasó a buena parte de la concurrencia, simplemente me pasó de noche. Siempre he cuestionado la calidad de las bandas de este país y la verdad es que el viernes me di cuenta de que el gran problema de las agrupaciones mexicanas no es que tengan influencias, sino que no las trabajan a su favor, pues es inevitable pensar en una copia tercera región de algún grupo famoso cuando escuchas a uno de estos grupos. Este fin de semana me pasó lo mismo: los escuché y me quedé pensando en que suenan igual a los otros abridores mexicanos que he visto en conciertos de este tipo (y créanme, he visto muchos). No hay ambición ni ganas de hacer algo diferente, no hay agallas para utilizar las influencias y construir algo nuevo, todos esperan sonar a Belle and Sebastian, Broken Social Scene o similares. Y la verdad es que es una lástima porque obviamente pueden agarrar un instrumento.

Después de casi una hora de presentación, los abridores bajaron del escenario para permitir el acomodo de los instrumentos de la banda principal. Así, pasaditas las 12 de la madrugada salieron Andy Stack y Jenn Wasner para comenzar su primera tocada en la capital mexicana. Lo primero que hay que resaltar es que el grupo no utiliza músicos de acompañamiento o sonidos pregrabados: son sólo ellos dos en escena, lo cual es notable pues son capaces de hacer el ruido de una banda completa sin más añadidos que una guitarra, la batería y los teclados.

De hecho, su presentación en vivo es mucho más shoegaze y menos folk que sus discos. Una paleta de sonidos intensa que lo mismo relaja en los momentos más suaves que te permite mover la cabeza con absoluta decisión en los momentos más prendidos. Stack no sólo brilla como un multi-instrumentalista capaz al combinar sus tareas de baterista y tecladista sin fallar un sólo momento; además tiene la suerte de contar con una compañera musical de la calidad de Wasner, quien no sólo es una guitarrista competente que presume sus instrumentos cada dos canciones, además cuenta con una voz de terciopelo que personalmente me parece una de las mejores características de este dúo.

La banda arrancó la noche con “The Alter”, el segundo tema de su más reciente producción en la que de hecho estuvo enfocada este concierto, pues la banda tocó prácticamente más de la mitad de la misma en su presentación de esa noche. Hubo algunas elecciones de discos pasados como “My Creator” o “For Prayer”, pero en general la banda se enfocó en su último larga duración, algo lógico si pensamos que se encuentran en plena promoción del mismo.

Jenn no paró de hablar en todo el concierto, asegurando que estaban muy contentos de estar aquí y que nunca, en sus sueños más locos, hubiera imaginado que algún día tendría la oportunidad de tomar una guitarra, vivir de hacer música y tocar en la ciudad de México. También mencionaron que habían hecho un viaje muy largo para llegar con nosotros pues venían de Escocia; y que habían pensado mucho en los temas que iban a tocar en su primera presentación, pero que al final habían decidido dejar sus canciones más viejas para la próxima ocasión.

Desafortunadamente el conjunto no es de los que cuentan con un grupo devoto de seguidores en este país, pues al final de la presentación ya se podía oír en el fondo el murmullo de aquellos que obviamente iban sólo de antro o simplemente por estar ahí, pero que no estaban presentes para escuchar realmente la música de este dúo. Su presentación duró un poquito más de una hora, en la que hubo bastantes aplausos y uno que otro convencido, aunque es justo decir que no existió unanimidad, probablemente porque la banda es muy nueva en México y corear las canciones era algo bastante difícil.

Además estaba el asunto de la saturación y mala ecualización del sonido, lo que siempre poner un alto a los deseos de cantar con los músicos. Sin embargo, y a pesar de ello, debo decir que la banda pasó con buenas notas este primer examen en tierras mexicanas. Dos músicos sencillos, bien confiados en sus habilidades musicales y capaces de utilizar sus influencias personales para el bien de su agrupación es lo que vimos este pasado sábado 26 de agosto en la ciudad de México. Ojala la banda cumpla su promesa y regrese pronto a nuestro país. Por lo pronto queda el recuerdo de una buena noche de viernes, con sus pequeñas fallas, pero en general con un buen sabor de boca.

Setlist:

• The Alter
• Holy Holy
• Plains
• Hot As Day
• My Creator
• Dogs Eyes
• Civilian
• Fish
• Tema nuevo
• That I Do
• Take It In
• For Prayer
• I Hope You Die
• Doubt